Die 61. Ausgabe der Biennale di Venezia steht 2026 unter einem ungewöhnlich stillen Vorzeichen. Mit dem Titel „In Minor Keys“ verschiebt sich der Fokus bewusst weg vom Spektakel hin zu Zwischentönen – hin zu künstlerischen Positionen, die sich nicht aufdrängen, sondern nachwirken.

Kuratiert wurde das Konzept ursprünglich von Koyo Kouoh, die mit ihrer Vision eine Ausstellung entwarf, die globale Perspektiven neu ordnet und die Gegenwartskunst als vielstimmiges, oft widersprüchliches Archiv lesbar macht. Nach ihrem plötzlichen Tod im Mai 2025 wird die kuratorische Idee nun von einem Team der Biennale weitergeführt und in ihrem Sinne umgesetzt.

Ort, Zeitraum und Struktur

Die Ausstellung findet vom 9. Mai bis 22. November 2026 in Venedig statt. Zentrale Orte sind die historischen Ausstellungsräume der Giardini sowie das Arsenale, ergänzt durch zahlreiche nationale Pavillons, die über das gesamte Stadtgebiet verteilt sind.

Die Pavillons der teilnehmenden Länder befinden sich vor allem in den Giardini della Biennale sowie in den Hallen des Arsenale – zusätzlich nutzen viele Nationen historische Palazzi und Kirchenräume in der gesamten Stadt als temporäre Ausstellungsorte. So entsteht ein kuratorisches Geflecht, das sich über das gesamte urbane Gefüge Venedigs legt.

Kunst als leise Verschiebung

„In Minor Keys“ ist weniger ein klassisches Ausstellungsthema als vielmehr eine kuratorische Haltung. Statt großer, eindeutig lesbarer Narrative rückt Kouohs Konzept Arbeiten in den Mittelpunkt, die fragmentarisch, intim und oft bewusst unaufgeregt sind.

Viele der rund 110 beteiligten Künstler:innen arbeiten mit Erinnerung, Körperlichkeit und postkolonialen Erzählungen. Namen wie Wangechi Mutu, Otobong Nkanga oder Kader Attia stehen exemplarisch für eine Praxis, die Geschichte nicht illustriert, sondern in Material, Form und Raum spürbar macht.

Dabei geht es weniger um eindeutige Botschaften als um Zustände: um Brüche, Verschiebungen und Reibungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Verschiebung der Zentren

Auffällig ist die geografische und kulturelle Neuverteilung der Perspektiven. Europa erscheint in dieser Biennale nicht mehr als selbstverständliches Zentrum, sondern als ein Knotenpunkt unter vielen. Die künstlerischen Positionen stammen aus einem deutlich erweiterten globalen Feld, das unterschiedliche historische Erfahrungen gleichwertiger nebeneinanderstellt.

Die Biennale wirkt dadurch weniger wie eine klassische Leistungsschau des internationalen Kunstbetriebs, sondern eher wie ein temporäres Archiv globaler Erinnerungssysteme – offen, widersprüchlich und bewusst nicht abschließend.

Besuchererlebnis

Für Besucher:innen entfaltet sich die Biennale 2026 als weit verzweigtes Erlebnis zwischen klassischer Ausstellungssituation und urbaner Erkundung. Während Giardini und Arsenale konzentrierte kuratorische Setzungen bieten, öffnen die dezentralen Pavillons und Satellitenorte den Blick auf die Stadt selbst als Teil des Ausstellungsraums.

Die Wege zwischen den Stationen sind dabei ebenso Teil der Erfahrung wie die Werke selbst: Die Biennale lässt sich nicht linear konsumieren, sondern nur in Fragmenten, Umwegen und Überlagerungen erschließen – ganz im Sinne ihres diesjährigen Konzepts.

Institution im Spannungsfeld

Gleichzeitig bleibt die Biennale di Venezia ein Ort institutioneller Verdichtung. Nationale Beteiligungen, kuratorische Setzungen und der historische Rahmen der Ausstellung erzeugen weiterhin Machtstrukturen, die sich nicht vollständig auflösen lassen.

Gerade in dieser Spannung entfaltet sich jedoch ein zentrales Moment der Ausgabe 2026: Zwischen institutioneller Tradition und künstlerischem Anspruch entsteht ein Raum, der Fragen eher öffnet als beantwortet.

Wie lässt sich eine globale Gegenwart erzählen, ohne sie zu vereinheitlichen? Und welche Rolle kann eine historische Institution wie die Biennale dabei überhaupt noch einnehmen?

Fazit

2026 ist keine laute Biennale. Keine der großen Gesten, die den Kunstbetrieb sonst oft prägen, steht im Vordergrund. Stattdessen setzt sich ein leiseres, komplexeres Bild zusammen – eines, das nicht auf schnelle Lesbarkeit zielt, sondern auf langfristige Wahrnehmung.

Vielleicht liegt genau darin die Stärke dieser Ausgabe: Sie insistiert nicht auf Aufmerksamkeit, sondern auf Genauigkeit. Und genau deshalb könnte sie zu einer der nachhaltigsten Biennalen der letzten Jahre werden.

Biennale di Venezia 2026: Kuratieren nach dem Tod – Koyo Kouoh

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Die Sammlung Peters-Messer verbindet bekannte Positionen der internationalen Gegenwartskunst wie Kader Attia, John Bock, Andrea Bowers, Sophie Calle und Thomas Hirschhorn mit Werken junger Künstler*innen, darunter Harry Hachmeister, Henrike Naumann und Sophia Süßmilch.

Florian Peters-Messer hat von Anfang an vor allem gesellschaftspolitische Arbeiten gesammelt, die die Umbrüche unserer Zeit kritisch aufgreifen – mal mit beklemmender Direktheit, mal mit expressivem Gestus oder mit konzeptueller Klarheit. Neben den drängenden gesellschaftlichen Herausforderungen liegt ein weiterer inhaltlicher Fokus auf den Themen Gender, Sex und Identität.

„Die Sammlung von Florian Peters-Messer stellt eine wunderbare und ausgesprochen wichtige Ergänzung für den Kunstpalast dar. Ich bin überaus dankbar, dass uns diese anvertraut wurde! Es sind irritierende, aufwühlende und herausfordernde Arbeiten, die durch Peters-Messers Schenkung in unsere Bestände gelangen. Wir schließen durch diese Sammlung eine Lücke. Mit Blick auf die gesellschaftlichen Entwicklungen halte ich es für besonders wichtig, dass wir durch dieses Konvolut in Zukunft noch pointierter aktuelle Themen reflektieren können“, zeigt sich Felix Krämer, Generaldirektor Kunstpalast, erfreut.

310 Werke museal angelegt

Peters-Messers rund 310 Werke umfassende Schenkung ist museal angelegt: Neben Malerei, Zeichnung und Fotografie beinhaltet sie viele Video- und Medienarbeiten sowie großformatige Installationen, die den institutionellen Charakter unterstreichen. Entsprechend hat der Sammler auch in der Vergangenheit die Werke viel und weitreichend ausgestellt – beispielsweise an der Bremer Weserburg, der Miettinen Collection, Berlin, der Werkschauhalle, Leipzig, oder dem Marburger Kunstverein. Peters-Messer ist dem Kunstpalast schon lange verbunden. 2020 kuratierte er hier gemeinsam mit Linda Peitz die Ausstellung Empört Euch! Kunst in Zeiten des Zorns, die in den Fokus nahm, wie Künstler*innen mit ihren Werken auf die Krisensymptome der Gesellschaft reagieren. Seit vier Jahren engagiert sich der Sammler außerdem als Schatzmeister im Verein der Freunde des Kunstpalastes.

„Den Kunstpalast und seine Sammlung kenne ich bereits seit meiner Kindheit sehr gut. Da war es naheliegend, auch großen Teilen meiner Sammlung hier ihr neues Zuhause zu geben, wo ich sie in guten Händen weiß“, erklärt Florian Peters-Messer.

„Ich habe nie bloß für mich selbst gesammelt, es war immer mein Ziel, die von mir als wichtig erachteten Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen, sie dauerhaft für diese zu bewahren und zugänglich zu machen. Kunst ist dazu da, gezeigt zu werden, um andere Sichtweisen auf die Welt zu ermöglichen und Denkräume zu öffnen. Nicht nur einem einzelnen, der ein Kunstwerk erwerben konnte, sondern allen, die es interessiert.“ – Florian Peters-Messer

Felicity Korn, Leiterin der Sammlung Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts am Kunstpalast, unterstreicht die Bedeutung der umfangreichen Schenkung: „Die Sammlung Peters-Messer umfasst viele Positionen, die in der Erwerbungspolitik des Kunstpalastes in den letzten Jahrzehnten wenig Berücksichtigung gefunden haben. Von einem so wichtigen Künstler wie Thomas Hirschhorn haben wir beispielsweise bisher keine Werke in unserer Sammlung gehabt und sind nun Dank dieser Schenkung im Besitz eines umfangreichen Bestandes seiner Arbeiten.“

Eine Werkauswahl der Sammlung wird von 28. August 2024 bis 5. Januar 2025 in der Ausstellung Too Much Future. Schenkung Florian Peters-Messer am Kunstpalast zu sehen sein.

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Titelbild: Quelle

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