Jonathan Meese stellt die Kunst als sich selbst referenziertes System dar. Alles ist Kunst, nichts ist Tabu, und er liebt es, Grenzen zu überschreiten – insbesondere die moralischen und politischen. Die Frage bleibt: Was will er damit erreichen? Ist seine Kunst wirklich nur ein Schrei nach Aufmerksamkeit, oder steckt dahinter eine tiefere Auseinandersetzung mit der Gesellschaft und der Rolle des Künstlers?

Provokation als Kunstform – aber wohin führt sie?

Meese behauptet gerne, dass er keine politischen Aussagen trifft, sondern sich ausschließlich der Kunst verschreibt. Doch wer seine Performance sieht, wer seine Statements hört, erkennt schnell, dass diese Neutralität nur eine Fassade ist. Es geht längst nicht mehr um Kunst als Befreiung, sondern um Meese als Marke. Seine Provokationen wirken zunehmend selbst zweckhaft als würde er versuchen, aus der eigenen Bedeutungslosigkeit herauszukreischen.

Meese sieht sich als kompromisslosen Verteidiger der Kunstfreiheit – und doch reagiert er empfindlich, wenn er selbst Gegenwind bekommt. 2018 verlor er einen Prozess gegen den Deutschen Bühnenverein, der ihn nicht als Redner auf einer Veranstaltung haben wollte. Meese sah darin einen Angriff auf die Kunstfreiheit, doch Kritiker meinten: Wer ständig von „Diktatur der Kunst“ redet, sollte sich nicht wundern, wenn seine eigene Logik auf ihn zurückfällt.

Natürlich ist Kunst kein Kuschelkurs. Natürlich darf sie provozieren, soll sie sogar. Aber echte Provokation setzt voraus, dass sie einen Nerv trifft, dass sie eine Debatte anstößt, dass sie eine neue Perspektive eröffnet. Meeses Kunstgebrüll aber ist nur noch Lärm.

Künstler wie Meese inszenieren sich als radikale Außenseiter, die mit einer Ästhetik der Gewalt, der Exzentrik und der Verweigerung gegen die Normen der Kunstwelt kämpfen. Doch in einer Zeit, in der fast alles für Aufmerksamkeit ausgelegt ist und „Provokation“ ein gängiges Marketingmittel ist, verliert die Wirkung dieser Provokationen oft ihre Kraft. Was bleibt, wenn die Provokation zur leeren Hülse wird, die sich selbst wiederholt, ohne noch etwas Neues zu sagen?

Die Frage, die sich stellt: Was bleibt von Meeses Kunst, wenn er immer wieder den gleichen Trick wiederholt? Ist er als Künstler wirklich noch relevant, oder nutzt er lediglich die Kunstwelt als Bühne für seine eigene Selbstinszenierung?

Die Bayreuth-Pleite: Ein Wendepunkt?

Dass Meesees Konzept nicht in jeder Umgebung funktioniert zeigte sich spätestens 2014. Damals sollte er Wagners „Parsifal“ für die Bayreuther Festspiele inszenieren. Ein riesiger Auftrag und eine noch größere Bruchlandung. Die Produktion wurde 2016 abgesagt, weil die Kosten völlig aus dem Ruder liefen und sein Konzept galt als unpraktikabel. Meese funktioniert vielleicht in Galerien, aber nicht dort, wo klare Strukturen und Disziplin gefragt sind.

Die gescheiterte Bayreuth-Inszenierung stellte Meese nicht nur als Opfer eines Kunstsystems dar, sondern offenbarte auch eine gewisse Überforderung, die die Illusion seiner Selbstinszenierung durchbrach. Kunst als Selbstverwirklichung durch Provokation mag in der Alternativszene gefeiert werden, aber in einem etablierten Kontext, in dem der Anspruch auf Professionalität und künstlerische Tiefe höher ist, stößt auch Meese an seine Grenzen.

NS-Symbolik – Eine fragwürdige Ästhetik

Meeses Spiel mit nationalsozialistischer Symbolik ist ein weiteres kontroverses Thema. Durch den Hitlergruß und seine wiederholte Verwendung von SS-Runen in seinen Performances schockierte er immer wieder die Öffentlichkeit. Doch statt als radikaler Kritiker des Systems oder als Freigeist wahrgenommen zu werden, verwischt Meese die Grenzen zwischen Ironie und Gefahr. Er setzt auf den Schockwert, doch die Grenze zwischen Kunst und Verantwortung wird dabei zunehmend unscharf. In einer Gesellschaft, die immer sensibler gegenüber der Wiederbelebung nationalsozialistischer Symbolik ist, stellt sich die Frage, wie lange diese Art von Provokation noch vertretbar ist.

Die Kunst braucht keinen Diktator

Vielleicht ist das größte Problem an Meeses Dauerbeschallung sein mangelndes Gespür für den richtigen Moment des Schweigens. Große Künstler wissen, dass man nicht immer reden muss, dass wahre Wirkung manchmal im Unausgesprochenen liegt. Doch Meese kann nicht anders. Er redet und redet. Und je länger er redet, desto weniger bleibt übrig.

Vielleicht wäre es an der Zeit, dass Jonathan Meese sich wieder auf das konzentriert, was ihn einst groß gemacht hat: seine Kunst. Weniger Show, weniger Phrasen, weniger Ego – mehr Substanz. Oder um es in Meeses Direktheit zu sagen: Halt einfach mal die Fresse und mal wieder ein richtig gutes Bild.

Weitere Informationen

Secrets and Surveillance: La Chambre Secrète de BALTHYS von Jonathan Meese und The Palace at 4 A.M. von Jon Kessler
Sonntag, 9. März 2025, 14 Uhr. Weitere Informationen: Deichtorhallen Hamburg

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Michael Dannenmann studierte Malerei und Bühnenbild an der Kunstakademie Stuttgart und fand schließlich seine Ausdrucksform im Medium der Fotografie. Vielleicht erklärt sich durch sein Studium auch die große Affinität zum Theater, Tanz und Schauspiel oder weiteren Orten, an denen die Fantasie beflügelt wird und Kunst entsteht, den Ateliers. Dannenmann, dessen Arbeiten u. a. im Kunstmuseum Thun/Schweiz, in der Kunsthalle Osnabrück, und in der Galerie Beck & Eggeling, Düsseldorf gezeigt wurden und beispielsweise in der Ludwig Galerie Schloss Oberhausen oder dem Museum Kunstpalast Düsseldorf zu finden sind, erschafft zumeist szenische Porträts von Menschen, deren Berufung zur Passion wurde. Ob Richard Serra, Katharina Grosse, Tony Cragg oder Isabella Rossellini: Sie scheinen in den Fotografien verbunden, ja eins zu werden mit ihren charakteristischen Werken.

Die Balletttänzer des New Yorker „Les Ballets Trockadero de Monte Carlo“ hingegen hat Dannenmann von der Bühne geholt und sie bewusst zwar im Kostüm, aber ohne ihre typische Schminke und Accessoires vor monochromem Hintergrund porträtiert. Im Gegensatz zu ihrer Rolle, berühmte klassische Ballettstücke parodistisch neu zu interpretieren, erscheinen die Künstler mit ernstem Gesichtsausdruck vor der Kamera.

Virtuos schafft es Dannenmann, die Schnittstelle zwischen Bühne, Kunst und Schauspiel in seinen Aufnahmen durch dezente Verweise, Gesten und Haltungen zu transportieren. So blickt beispielsweise die französische Sängerin Patricia Kaas in schlichter schwarzer Kleidung selbstbewusst in die Kamera. David Lynch, der Meister der cineastischen Illusion, weckt mit einer bloßen Handbewegung unsere Fantasie, und der Schauspieler Christoph Waltz vermittelt seine Suggestivkraft wortlos mit eindringlichem Blick.

„Sehn wir doch das Große aller Zeiten / Auf den Brettern, die die Welt bedeuten, / Sinnvoll still an uns vorübergehn. / Alles wiederholt sich nur im Leben, / Ewig jung ist nur die Phantasie / Was sich nie und nirgends hat begeben / Das allein veraltet nie!“

Diese Zeilen aus Friedrich Schillers Gedicht „An die Freunde“ werden zum Sinnbild der Fotografien von Michael Dannenmann, dem es mit seinen Bildern subtil gelingt, Menschen aus ihrer beruflichen Rolle zu lösen und gleichzeitig Verweise auf ihre Profession zu geben.

Michael Dannenmann gehört zu den international renommierten deutschen Vertretern der zeitgenössischen Porträtfotografie. Der Kunstraum Gewerbepark-Süd präsentiert vom 24. März bis zum 02. Juni 2024 unter dem Titel „Portraits of Artists“ mehr als 30 Fotografien von Künstlern und Schauspielern wie u.a. Jonathan Meese, Tony Cragg, David Lynch, Isabella Rossellini oder den Balletttänzern des New Yorker „Les Balletts Trockadero de Monte Carlo“. Parallel dazu zeigt das Wilhelm-Fabry-Museum zahlreiche Werke aus der Porträtserie „Circus Pictures“ mit Bildern von Artisten, Akrobaten und Clowns.

Circus Pictures

„Ein Zirkus ist für mich ein magisches Schauspiel, das wie ein Weltgeschehen vorbeizieht […].“ Marc Chagall

Neben der Ausstellung „Portraits of Artists“ im Kunstraum Gewerbepark-Süd zeigt das Wilhelm-Fabry-Museum im Fassraum, Benrather Straße 32a in Hilden, Bilder aus Michael Dannenmanns Porträtserie „Circus Pictures“. Dannenmann interessiert das Thema der Verkleidung, der Maskerade, das Schlüpfen in eine andere Rolle. Für die Serie hat er die Akteure des Zirkus aus der Manege vor die Kamera geholt. Dabei kreiert er eine authentische Atmosphäre voll stiller Intimität.

Sein Projekt startete Dannenmann 1986 mit Schwarz-Weiß-Aufnahmen, in denen er die einzelnen Akteure vor neutralem Hintergrund im Kostüm und – im Kontrast dazu – ungeschminkt und leger in privater Kleidung festhielt. 2016 und 2017 begleitete er erneut Zirkusmenschen unterschiedlicher Nationen und präsentierte sie beispielsweise geschminkt und im Kostüm vor den historischen Wohnwagen der Zirkusfamilie – ein Hinweis auf das unstete Leben auf Reisen. Die zauberhafte Sängerin Marlitt Pallavicini zeigt er in ihrer Abendgarderobe neben dem roten Vorhang ihrer mobilen Behausung.

Natürlich darf beim Zirkus der Clown nicht fehlen. Bertran Fulgenci Mestres alias Gensi ist der Publikumsliebling bei Roncalli, der auf der Bühne als der autoritäre Clown bekannt ist und so die Welt der Erwachsenen repräsentiert. Ihn porträtiert Dannenmann gleich zweimal. „Ohne Netz und doppelten Boden“ vermag Dannenmann es, in seinen Bildern mit der Illusion der Zirkuswelt zu spielen und uns dabei Menschen näherzubringen, die für uns ein magisches Schauspiel vollbringen.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Begleittext von Hans-Michael Koetzle.

Rahmenprogramm:

Samstag, 06. April 2024, 15:30 Uhr, Hildener Kunstcafé mit Michael Dannenmann

Donnerstag, 02. Mai 2024, 18 Uhr: Führung durch die Ausstellung mit Sandra Abend

Der Kunstraum Gewerbepark-Süd

Der Kunstraum Gewerbepark-Süd gehört zum Ensemble der 1904 gegründeten Industrieanlage einer Schirmfurniturenfabrik. 1990 wurde der Industriebetrieb zu einem Gewerbepark mit mehr als 23.000 m² Büro- und Gewerbefläche umgestaltet.

Gemeinsam mit der Stadt Hilden engagieren sich die Eigentümer des Gewerbeparks seit 1997 für die Durchführung von Kunst- und Kulturveranstaltungen. Im Kunstraum Gewerbepark-Süd wurden schon Arbeiten von weltberühmten Künstlern wie Jörg Immendorf, Markus Lüppertz oder Joseph Beuys ausgestellt.

Ermöglicht wird das Engagement durch die Vermietung von Gewerbeimmobilien. Derzeit wird in einem repräsentativen Altbau (Baujahr 1916) eine Bürofläche von 300 Quadratmetern (ggf. teilbar) nach modernsten Standards renoviert.

Weitere Informationen

Michael Dannenmann: A Portrait of the Artist, Vernissage am Sonntag, dem 24. März 2024 um 12 Uhr. Kunstraum Gewerbepark-Süd, Hofstraße 64, 40723 Hilden. Öffnungszeiten: Dienstag bis Freitag: 14.00 bis 18.00 Uhr. Samstag, Sonn- und Feiertag: 11.00 bis 16.00 Uhr. Am Karfreitag bleibt die Ausstellung geschlossen. Die Ausstellung läuft bis zum 02. Juni 2024. Der Eintritt ist frei.

Weitere Infos unter: https://www.gewerbepark-sued.de/

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Bereits seit ihrer ersten Umsetzung im Jahr 2020 erfreut sich die SyltArtFair immer wieder prominenten Besuchs. Gesehen wurden: Dieter Nuhr, Michael Patrick Kelly, Bundesfinanzminister Christian Lindner, der die Ausstellung nach seiner Hochzeit aufsuchte, Fußballtrainer Jürgen Klopp, Topmodel und Unternehmerin Barbara Meier, Fecht-Olympiasiegerin Britta Heidemann, TV-Moderator Wolfram Kons und Daimler Truck Chef-Kommunikator Jörg Howe, der sogar gleich sein eigenes Talk-Format platzierte.

Ausgerichtet wird die SyltArtFair von der Düsseldorfer Galerie Geuer & Geuer, die aktuell auch die Ausstellung „Tony Cragg. Sculpture: Body and Soul“ in der Wiener Albertina vermittelt und gefördert hat, und dem artstar Verlag. Auch die offizielle Teilnahme der Werkschau „Heinz Mack – Vibration of Light / Vibrazione della luce“ an der derzeitigen Biennale in Venedig (Ausstellungsort: die geschichtsträchtige Biblioteca Nazionale Marciana) wurde von Dirk Geuer ermöglicht.

SyltArtFair die 3.

Im Ausstellungsprogramm finden sich ausschließlich Arbeiten von Weltstars der Kunst und aufstrebenden Künstlern. Namen wie Heinz Mack, Imi Knoebel, Tony Cragg, Sigmar Polke, Gottfried Helnwein, Günther Uecker, Gerhard Richter, Julian Schnabel, Damien Hirst, Stephan Kaluza, David LaChapelle, Jonathan Meese, Markus Lüpertz, Niclas Castello, Jeff Koons, Hermann Nitsch, Bryan Adams, Igor Oleinikov, Stefan Szczesny, Jiri Dokoupil, Gaby Fey, Ben Buechner und David Gerstein.

Geuer erklärt das Ausstellungskonzept der SyltArtFair so: „Mit der SyltArtFair folgen wir weiterhin unserer Philosophie: Kunst sichtbar und nahbar zu machen – für alle.“ Demgemäß ist der Besuch der Ausstellung kostenfrei. Übrigens: Die SyltArtFair gehört zu den wenigen Insel-Attraktionen, wo man auch bei schlechtem Wetter Zeit verbringen kann.

Einen Zugang zur Kunst und den Künstlern vermitteln auch die aufschlussreichen Kunstdokumentationen aus der Sendereihe „ntv Inside Art“ mit Moderator und Kunstkenner Wolfram Kons, die Einblicke in die Ateliers und die Gedankenwelt der Künstler ermöglicht.

Spannende Veranstaltungen wie u.a. Künstlertalks, Art Nights, Podiumsdiskussionen oder Vernissagen mit Anwesenheit der Künstler und ständig wechselnden Sonderausstellungen ergänzen das Programm der jährlich stattfindenden Kunstmesse.

Sylt Art Fair 2022 : Bis 10.09.22 – Neue Bootshalle List, Am Hafen 5, 25992 List.
Öffnungszeiten: täglich 12 Uhr – 19 Uhr.
Der Eintritt ist frei!
Kostenlose Parkplätze befinden sich direkt an der Halle.

www.syltartfair.de

Kurator & Galerist Dirk Geuer

Galerist, Kurator und Organisator weltweiter Ausstellungen – Dirk Geuer, Inhaber und Geschäftsführer des Familienunternehmens Geuer & Geuer Art, verlegt seit über 30 Jahren exklusive Editionen im Bereich Skulptur und Grafik und arbeitet weltweit mit vielen bedeutenden Künstlern der Gegenwartskunst direkt zusammen, u.a. mit Julian Schnabel, Gottfried Helnwein, Günther Uecker, Tony Cragg, Hermann Nitsch, Heinz Mack, HA Schult und Jiri Dokoupil.

Er beliefert zahlreiche Galerien im In- und Ausland und kooperiert mit Medienpartnern wie u.a. ntv, BILD, Handelsblatt und Wirtschaftswoche. Seit 2016 ist er der Exklusivverleger des grafischen Werkes von Julian Schnabel. Zunehmend arbeitet er mit US-amerikanischen Künstlern zusammen.

Weitere Information über Dirk Geuer finden Sie auch auf seiner Homepage unter www.dirkgeuer.de.

Weitere Informationen

Titelbild: Künstler Dieter Nuhr und Moderator Wolfram Kons zu Besuch auf der Sylt Art Fair 2022 ©Geuer & Geuer Art GmbH

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Jakob Schwerdtfeger bezeichnet sich selbst als „Kunstsüchtig“. Seine Art und Weise, wie er Kunst und Comedy verbindet und beispielsweise den Expressionismus in 100 Sekunden erklärt, ist einzigartig. Immer mit einem Augenzwinkern, trotzdem vermittelt Schwerdtfeger  dabei eine Menge Wissen aus der Kunstwelt. Damit macht er das große Thema Kunst auch für jüngere Zuschauer zugänglich.

Hat er schonmal was im Museum kaputt gemacht? Ist im Museum zu arbeiten langweilig? Was macht ein Kunsthistoriker überhaupt? und welchen Künstler findet er hässlich – bzw. wessen Werke?

Interview mit Jakob Schwerdtfeger

Ein leichter Einstieg, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Mir geht’s gut. Aktuell arbeite ich viel an meinem Youtube-Format „Kunstjunkie“. Darin verbinde ich Kunst mit Entertainment – ich will das Thema einfach humorvoll angehen. Da ich Recherche, Drehbuch, Filmen und Schnitt alles alleine mache, ist das ziemlich viel Arbeit. Außerdem bin ich gerade wieder mehr mit meinem Comedyprogramm „Ein Bild für die Götter“ auf Bühnen unterwegs. Auch da geht es viel um Kunst – also lustige Anekdoten, die mir im Museum passiert sind oder ungewöhnliche Blicke auf Kunstwerke.

Bevor du dich der Bühne gewidmet hast, hast du im renommierten Städel Museum in Frankfurt gearbeitet. – War dir die Museumsarbeit zu langweilig?

Nein, die Arbeit war gar nicht langweilig. Ich hab da an sehr spannenden digitalen Projekten gearbeitet – zum Beispiel an einem Computerspiel für Kinder. Das hätte ich mir niemals träumen lassen nach einem Kunstgeschichtsstudium mal ein Computerspiel mitzuentwickeln. Das mit der Bühne habe ich die ganze Zeit parallel gemacht. Irgendwann wurden die Auftritte dann aber immer mehr. Also habe ich gedacht: „Ok, ich ziehe das mit der Bühne Fulltime durch. Wenn ich es jetzt nicht mache, dann mache ich es nie.“ Die Entscheidung ist mir aber wirklich nicht leicht gefallen.

Was sind die Aufgaben eines Kunsthistorikers?

Die Kunst sachlich und wissenschaftlich zu erforschen, zu dokumentieren, einzuordnen und Lesweisen anzubieten. Das klingt jetzt sehr trocken und das ist es teilweise ja auch. Deshalb versuche mit Humor einen anderen Zugang zu schaffen, der vielleicht etwas emotionaler und subjektiver ist.

Mich erstaunt ein bisschen dein Alter. Ich dachte, Museumsmitarbeiter müssen so alt sein, wie die ausgestellten Werke. Du hast direkt nach dem Studium angefangen, wäre ein solcher Einstieg ohne Studium überhaupt möglich?

Nein, das Kunstgeschichtsstudium ist die Voraussetzung, um im Museum zu arbeiten, wie ich es gemacht habe. Das Studium über habe ich auch schon im Städel gearbeitet, insofern war ich mit dem Haus und Leuten bereits vertraut.

Müssen Experten sich auf eine Epoche festlegen um glaubhaft zu wirken, oder kann man auf allen Hochzeiten tanzen?

Wenn du Expertin oder Experte für einen Bereich sein willst, dann musst du dich ja zwangsläufig festlegen und spezialisieren, um eben eine Expertise entwickeln zu können. Aber es geht natürlich auch sich breiter aufzustellen.

Fühlen sich einige Kunstexperten von dir auf den Schlips getreten?

Meines Wissens nach nicht. In der Regel können die gut über sich selbst lachen. Ich mache mich auf der Bühne ja sehr breit über die Kunstwelt lustig. Das Bildungsbürgertum kriegt außerdem selten sein Fett weg. Ich glaube, das können die ab.

Du machst dich aber nicht nur „stumpf“ lustig, sondern vermittelst dabei auch Wissen – in meinen Augen ansprechender, als es die meisten Galerien und Museen bisher hinbekommen. Würdest du dir wünschen, das junge Leute sich mehr mit Kunst auseinandersetzen?

Ich habe das Gefühl, dass sich junge Menschen durchaus mit Kunst beschäftigen. Gerade in Hipsterkreisen ist es ja chic zeitgenössische Kunst zu kennen. Aber ja, insgesamt finde ich, dass sich noch viel mehr Menschen mit Kunstbeschäftigen sollten. Es ist einfach so ein bereichernder und spannender Kosmos, der alle Lebensbereiche berührt. Leider wird Kunst allerdings öfter mal dröge und teilweise auch unnötig elitär vermittelt. In gängigen
Kunstvideos läuft dann klassische Musik im Hintergrund, während die Bilder in Zeitlupe gefilmt werden. Das finde ich nicht mehr ganz zeitgemäß, um auch eine jüngere Zielgruppe anzusprechen. Deshalb bemühe ich mich auch keine komplizierten Fachbegriffe zu benutzen oder sie dann auf jeden Fall zu erläutern. Ich finde, man muss die Leute da abholen, wo sie stehen – also Kunst auch an deren Lebensrealität andocken und gucken: „Wo hat Kunst was mit deren Alltag zu tun?“

Welche Veränderungen würdest du dir für den Kunstmarkt wünschen?

Der Kunstmarkt ist ja unfassbar komplex – da steige ich nicht bis ins Detail durch. Je mehr ich darüber lese desto weniger verstehe ich, wie die Preise zustande kommen. Aber ich würde mir mehr Transparenz wünschen. Ich finde es zum Beispiel unverständlich, dass Galerien oft keine Preisschilder neben den Werken haben. Wie soll man denn da ein Gefühl für den finanziellen Wert von Kunst bekommen? Außerdem ist Geld doch immer interessant – auch die Preise miteinander zu vergleichen.

Hast du einen Tipp für Kuratoren/Galeristen, um sich auf dem Kunstmarkt zu „halten“ bzw. zu etablieren?

Naja, ich bin weder Kurator noch Galerist, deshalb kann ich das nur als Konsument sagen. Ich würde mir bei einigen Galerien eine stärkere Wohlfühlatmosphäre wünschen. Es ist selten, dass ich in eine Galerie komme und mich erwünscht fühle. Oft schauen die Menschen nicht mal von ihren Bildschirmen auf oder bieten an die Kunst zu erklären. Das ist ein bisschen wie in einem Prada-Store, wo man direkt denkt:“ Ok, scheinbar passe ich hier nicht rein.“

Das finde ich schade, weil sich in Galerien zeitgenössische Kunst so toll erfahren lässt. Und was das Kuratorische angeht: Ich finde es gibt echt gute Ausstellungen in Deutschland – vielleicht braucht es 2021 nicht gefühlt 50 Beuys-Ausstellungen, aber ansonsten ist das ja sehr vielfältig. Insgesamt fände ich den Fokus auf etwas mehr Verständlichkeit gut. Ausstellungskataloge richten sich bis heute hauptsächlich an die Fachwelt, dabei ist das Gros des Publikums Laien. Manchmal bin ich mir bei hoch gestochenen Texten in Ausstellungen nicht sicher: „Geht es dir darum, Kunst spannend zu machen oder will du möglichst schlau wirken?“

Im Museum schon mal was kaputt gemacht?

Nein, aber ich habe mega Schiss davor, dass das aus Versehen mal passiert.

Galerie oder Museum?

Museum, weil die größer sind und da mehr zu sehen ist.

Wieviel Wein hast du während deiner künstlerischen Laufbahn verbraucht? (Wenn du mir noch sagst wie viele Schritte du am Tag läufst können wir deinen Weinverbrauch pro Kilometer ausrechnen)

Ich zähle meine Schritte nicht und die Gläser Wein auch nicht – beides ist aber sicher nicht wenig.

Ein Künstler den du völlig „überhyped“ findest, bzw. vielleicht sogar seine Relevanz absprechen würdest?

Die Kunst von Jonathan Meese kann ich nicht leiden. Relevant ist der vielleicht, aber find´s einfach hässlich.

Dein Lieblingsbild, und warum?

Ich hab kein spezielles Lieblingsbild, aber ich finde sehr viele abstrakte Werke von Emil Schumacher enorm bewegend. Warum mich diese Bilder so berühren, wüsste ich selbst gerne. Ich kann da ewig davor stehen und immer wieder was Neues entdecken.

Welchen Künstler würdest du gerne treffen und warum?

Maurizio Cattelan würde ich gerne mal treffen. Der gilt ja ein bisschen als der Hofnarr der Kunst und ich finde viele Werke von ihm sehr lustig. Da wüsste ich schon gerne, wie der kreativ arbeitet.

Deine Zukunftspläne?

Ich würde sehr gerne endlich meine Bühnenshow richtig viel spielen. Ich habe anderthalb Jahre daran gearbeitet, war ready und genau dann kam Corona. Und ich hätte Bock irgendwann im Fernsehen oder so zu landen und da Kunst unterhaltsam zu vermitteln.

Stell dir vor wir wären ein großes relevantes Magazin, die New York Times oder ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch mit auf den Weg geben?

Folgt mir auf Insta, geht in meine Comedyshow und guckt meine Youtubevideos. Ich denke, das ist eine gute Botschaft.

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Das behalte ich mal schön brav für mich.

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

Weitere Informationen

Titelbild: Jakob Schwerdtfeger/Foto: Pierre Jarawan

Mehr über den Comedian: https://linktr.ee/Jakob.Schwerdtfeger

@jakob.schwerdtfeger • Instagram-Fotos und -Videos

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Warum ist es auf Sylt so schön? „Sylt berauscht mit seinen hellen Nächten und einer eigenen Lebensfreude“, schwärmte einst Fotograf und Kunstliebhaber Gunter Sachs. Mit der Sylt Art Fair ist die Lieblingsinsel der Deutschen nun um eine weitere Attraktion reicher. Von Sonntag, dem 23. Mai 2021, bis einschließlich Freitag, dem 10. September 2021, präsentieren die Düsseldorfer Galerie Geuer & Geuer und der artstar Verlag auf 600 qm zeitgenössische Kunst der Spitzenklasse. In der „Neuen Bootshalle“ in List, der nördlichsten Stadt Deutschlands.

Unseren Besuch auf der ersten Sylt Art Fair finden Sie hier: ARTTRADO zu Besuch auf der SYLTARTFAIR 2020

Sylt Art Fair die Zweite!

Gezeigt werden Arbeiten von internationalen Top-Künstlern wie Gottfried Helnwein, Günther Uecker, Heinz Mack, Gerhard Richter, Julian Schnabel, Damien Hirst, David LaChapelle, Jonathan Meese, Markus Lüpertz, A.R. Penck, Jeff Koons, Tony Cragg, Hermann Nitsch, Igor Oleinikov, Leon Löwentraut, Stefan Szczesny, Jiri Dokoupil, David Gerstein, Gaby Fey, Ben Buechner, Michael Patrick Kelly sowie weiterer Kunststars.

Galerist, Kurator und Kunstbuchverleger Dirk Geuer erklärt das Konzept der Ausstellung folgendermaßen: „Die Sylt Art Fair ist eine Ausstellung, die die Künstler und ihre Arbeiten in den Fokus stellt. Jeder Künstler erhält einen eigenen Bereich“ Geuer fährt fort.: „In herausfordernden Zeiten, in denen Kunst schwer zugänglich ist, setzen wir mit der Sylt Art Fair ein optimistisches Signal für die Kunst.“ Nico Overkott, artstar Verlag, ergänzt: „ Auch die Pandemie darf die Begegnung mit der Kunst nicht stoppen.“

Die viermonatige Ausstellung wird ergänzt durch spannende Veranstaltungen wie u.a. Künstlertalks, Art Nights, Podiumsdiskussionen sowie mehreren Vernissagen mit Anwesenheit der Künstler, sofern die behördlichen Auflagen das erlauben und unter sorgfältiger Einhaltung aller Auflagen. Die Ausstellung wird zwischenzeitlich mehrmals umgestaltet, damit die Besucher immer wieder neue Kunst entdecken können.

Art Talks, Art Lounge und Rahmenprogramm

Aufschlussreiche Art Talks wird es wieder in Wenningstedt geben: der kursaal3 ist auch in diesem Jahr Partner der Sylt Art Fair und präsentiert im Rahmen des Formates „Sylt Art Fair live“ Diskussionsrunden mit verschiedene Top-Künstler auf der Bühne direkt vor traumhafter Strandkulisse.

Neu ist die chillige Art Lounge, in der Leseratten, Bücherwürmer und Kunstaficionados in hochwertigen Ausstellungskatalogen, Kunstmagazinen, Büchern und Zeitschriften stöbern, sich informieren und zudem sich unterhalten können. Hier kooperieren wir mit namhaften Verlagen und Magazinen und gewähren dem Publikum so einen Einblick in die spannende Kunstwelt, die uns immer wieder einen anderen Blick auf die Welt offenbart und uns überrascht und zu neuen Erkenntnissen führt.

Zudem haben wir interessante Kooperationspartner, die rund um die Ausstellung ein Rahmenprogramm bieten: ntv art präsentiert während der Sylt Art Fair zahlreiche Dokumentationen aus der Reihe „Inside Art“, moderiert von Kunstexperte Wolfram Kons, mit intimen Einblicken in das Leben und die Ateliers der Künstler. Besucher können so viele namhafte Künstler visuell erleben und besondere Eindrücke aus dem Alltag ihrer Favoriten erhalten.

Das Unternehmen der Urenkelin Gottlieb Daimlers „Carola Daimler Cars“ erweitert die Ausstellung in der Neuen Bootshalle um ein weiteres Highlight: es wird ein historisch wertvoller Klassiker der Marke Mercedes-Benz gezeigt sowie ein exklusiver Einblick in die Familiengeschichte gewährt.

Wer seine Reise noch nicht gebucht hat, kann in diesem Jahr mit Lufthansa Holidays tolle Pakete inkl. Flügen nach Sylt buchen. Unter diesem Link https://www.lufthansaholidays.com/de-de/sylt-art-fair können Interessierte die Reise-Deals einsehen.

Sylt Art Fair
23.05.21 – 10.09.21
Neue Bootshalle List, Am Hafen 5, 25992 List
Öffnungszeiten: täglich 11 Uhr – 19 Uhr
Der Eintritt ist frei!
Kostenlose Parkplätze befinden sich direkt an der Halle.

Weitere Informationen

Mehr über die Sylt Art Fair 2021: Kunstausstellung auf Sylt

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Zum 52. Mal fand die Kunstmesse in Köln statt. Der Direktor der Kunstmesse, Daniel Hug empfand die Art Cologne als vollen Erfolg und ist der Meinung, dass die Art Cologne ihren Standpunkt als wichtigste Kunstmesse in Deutschland deutlich präsentiert hat. Vom 19. Apri bis zum 22. April beteiligten sich insgesamt 210 Galerien aus 33 verschiedenen Ländern an der Kunstmesse. Knapp 55.000 Besucher zeigten sich zufrieden, Veranstalter und Aussteller ziehen positive Bilanz. Foto:©KOELNMESSE

„Bei der Eröffnung herrschte eine wunderbare Energie und wir sind sehr zufrieden mit den Verkäufen.“

So fasste Veronique Ansorge von der Galerie David Zwirner am Messeabschluss zusammen. Eine lange Verkaufsliste der Veranstalter belegt diese Einschätzung. Ein kleiner Einblick: Eine zweiteilige Skulptur von Isa Genzken wechselte für 400.000 Euro den Besitzer, ein gestricktes Bild von Rosemarie Trockel wurde für 200.000 Euro verkauft.  Von Jonathan Meese wurden zwei Gemälde erworben, für knapp 100.000€ – also ca. 48.000€ pro Stück. Andy Warhols „Liz“-Offset-Lithographie aus dem Jahr 1964 sogar 58.000 Euro. Aber bekannterweise wird der wahre Wert von Kunst nicht in Geld gemessen.

Lito Kattou gewinnt Art Cologne Award for New Positions

Dieses Jahr erhält den Art Cologne Award for New Positions die Künstlerin Lito Kattou. Die zypriotische Künstlerin wird vertreten durch die Eleni Koroneou Gallery aus Athen. Der Preis ist mit 10.000Euro dotiert und wird von der Deutschen Telekom gestiftet. Von dem Preisgeld wird eine Einzelausstellung in der Kölner Artothek, die zur Art Cologne im kommenden Jahr eröffnet wird finanziert. Die Art Cologne und der Bundesverband Deutscher Galerien und Kunsthändler (BVDG) unterstützt junge nationale und internationale Künstler seit 1980. Durch 25 Quadratmeter große Kojen erhalten die Künstler die Möglichkeit sich einem internationalem Publikum zu präsentieren.

In der Jurybegründung heißt es, dass die „sehr junge Künstlerin“ durch ihre eigene Bildsprache überzeugte: „einer Kombination aus mythologischen Referenzen und der digitalen Welt. Die skulpturale Installation auf der ART COLOGNE entführt in eine irritierende, befremdliche, kafkaeske, aus Monstern bestehende Welt und erzeugt eine Spannung zwischen Fiktion und Realität, Fläche und Dreidimensionalität. Mit ihrem Gefühl für Materialität verwandelt die Künstlerin gelaserte Metallplatten mit Schmuckelementen aus Edelsteinen in skurrile Ungeheuer.“

 

Auch von uns nochmal herzlichen Glückwunsch! Wir sind gespannt auf die Einzelausstellung im kommenden Jahr und sind uns sicher das Lito Kattou nicht so schnell wieder vom Bildschirm verschwindet.

Hier noch ein kleiner visueller Einblick auf die Art Cologne: