Kunst im Schwarzwald: Vom 3. Juli 2023 bis Ende 2024 zeigt die Sammlung Grässlin im KUNSTRAUM GRÄSSLIN und den RÄUMEN FÜR KUNST in St. Georgen im Schwarzwald unter dem Titel PAINTING NATURE eine neue Ausstellung. Die Präsentation gibt Einblicke in die mannigfaltigen Erscheinungsformen von Natur in den Werken der Künstlerinnen und Künstler der Sammlung.

Der Mensch betrachtete sich lange als Teil der Natur, in der er die göttliche Ordnung verwirklicht sah. Mit der Aufklärung, dem wissenschaftlichen und technischen Fortschritt, dem Zeitalter der Revolutionen sowie der Industrialisierung werden im 18. und 19. Jahrhundert jene Umbrüche vollzogen, die der Moderne den Weg ebnen.

Der Mensch wird sich seiner eigenen Gestaltungskraft mehr und mehr bewusst und nimmt seine Umwelt nicht mehr länger als gottgegeben wahr. Indem er sie erforscht und für sich nutzbar macht, erhebt er sich zusehends über sie.

Nachdem die Kunst viele Jahrhunderte im Dienst religiöser und weltlicher Macht stand, folgt auch sie als Reaktion auf diese Entwicklungen ihren eigenen Gesetzmäßigkeiten und wird autonom. Die Loslösung von der gegenständlichen Welt vollzieht sich schrittweise am Vorbild der Natur. Das Motiv wird in diesem Prozess Mittel zum Zweck, um die grundlegenden Parameter und inhärenten Eigenschaften des Bildes zu ergründen.

Die Anfänge der Sammlung Grässlin

Jean Fautriers Gemälde Poires dans une vasque (1938) und Allée d’arbres (1927–1928), welche die Anfänge der Sammlung Grässlin markieren, stehen beispielhaft für diese Entwicklung. Durch sie lässt sich nachvollziehen, wie die Künstlerinnen und Künstler der Moderne ausgehend von traditionellen Sujets wie Stillleben und Landschaftsdarstellungen zu einer immer abstrakteren Bildsprache finden. Somit sind die Formen der Baumallee in Allée d’arbres in einem Maße in reine Farbe aufgelöst, die sich an der Grenze zum Informellen befinden und die Landschaft nur noch andeuten. Und auch in dem Stillleben Poires dans une vasque wurde der Farbwirkung mehr Bedeutung zugemessen als einer realitätsgetreuen Darstellung des Motivs.

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führt dieser Bruch mit den Konventionen zu einer noch nie dagewesenen Fülle an Stilen, Formen und Praktiken. Genauso vielfältig wie die künstlerischen Ansätze dieser Zeit sind auch die Manifestationen von Natur in der Kunst. Die sich ab Ende der 1960er Jahre entwickelnde Land Art führt bis dato als „arm“ und „nicht künstlerisch“ geltende, alltägliche Naturmaterialien als Werkstoff ein, wofür Stone Line, 1978, von Richard Long exemplarisch steht. Auf seinen Wanderungen sammelte Richard Long zunächst vorgefundene Materialien wie Fundholz und Steine und ordnete diese nach geometrischen und geologischen Vorgaben, um daraus Bodenskulpturen zu schaffen.

Anhand der Bilder von Georg Baselitz, Herbert Brandl, Günther Förg, Ika Huber, Imi Knoebel und Albert Oehlen, aber auch jenen der jüngsten Künstlergeneration der Sammlung Grässlin – Andreas Breunig, Rachel von Morgenstern und Stefan Müller – wird deutlich, wie die Prämissen der gestischen Abstraktion mit ihrer organischen, der Natur entlehnten Formensprache seit der Moderne bis in die Gegenwart hineinwirken. So werden die Grenzen zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion immer wieder auf den Prüfstand gestellt oder aber Natur als Inspirationsquelle expressiver malerischer Gesten in den Fokus gerückt.

Unterschiedliche Strömungen der Moderne

Heimo Zobernig setzt sich in seinen Werken mit den unterschiedlichen Strömungen der Moderne auseinander und stellt ihre Paradigmen infrage. In dem titelgebenden Bild Painting Nature (2022) reduziert er die Vorstellung von Natur auf seine eigene malerische Strategie, indem er den Schriftzug „Painting Nature“ auf den abstrakten Malgrund setzt. Im Gegensatz dazu hat Herbert Brandl keine Scheu, sich mit den kitschbehafteten Sujets der Tier- und Landschaftsmalerei auseinanderzusetzen. Mit einer Bildsprache, die sich zwischen Abstraktion und Einfühlung bewegt, macht er das Genre in der zeitgenössischen Malerei salonfähig.

In den Werken von Cosima von Bonin, Henning Bohl. Mark Dion, Martin Kippenberger, Hans-Jörg Mayer und Tobias Rehberger erhalten Naturerscheinungen eine symbolische oder metaphorische Bedeutung. So verweisen zum Beispiel die Pilze von Cosima von Bonin auf deren ambivalente Bedeutung als Schutzschirm, als Träger halluzinogener Wirkstoffe oder als Symbol von Männlichkeit. Während Hans-Jörg Mayers Tulpenbilder die Frage aufwerfen, ob die in holländischen Gewächshäusern kultivierten und als Massenware in Discountern wie Aldi und Lidl verkauften Tulpen überhaupt noch als Natur betrachtet werden können, befragt Mark Dion mit seiner Library for the Birds of Antwerp (1993) die kulturelle

Repräsentation von Natur in einer Welt, in welcher der Mensch sie sich zu eigen macht und sich grenzenlos an ihr bedient.

PAINTING NATURE

PAINTING NATURE zeigt eindringlich, dass es das ‚eine‘ Bild von Landschaft und Natur nicht gibt. Die Herausforderung liegt in der Kunst wie im Leben gerade darin, immer wieder von neuem mit jeder neuen Generation nach dem gegenwärtigen Bezug zwischen dem Menschen und der Welt zu fragen. Anlässlich der Ausstellung erscheint ein Rundgangführer.

Öffnungszeiten KUNSTRAUM GRÄSSLIN: nach Vereinbarung.

Der KUNSTRAUM GRÄSSLIN und die RÄUME FÜR KUNST können mit einem geführten Rundgang besichtigt werden. Einige der externen RÄUME FÜR KUNST können auch ohne Führung besichtigt werden.

Weitere Informationen zur Sammlung: http://www.sammlung-graesslin.eu

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Der Kurator Günther Holler-Schuster über „die Kunst der Fuge“: „Marsteurers Malerei geht davon aus, dass der Pinselstrich das Grundmodul der Malerei sei. Er ist die Vermittlung zwischen Farbe und Motiv, er ist üblicherweise der treueste Diener der Darstellung bzw. der Illusion. Ist er verabsolutiert und isoliert, wird er selbst zum Bild und funktioniert im Detail genauso wie das System im Ganzen. Marsteurer produziert seit Jahren schon Pinselstriche, dokumentiert und archiviert sie und hält sie für spätere Verwendungen bereit. Diese Grundlagen der Malerei, auf Folien aufgebracht, können jederzeit und auf unterschiedlichen Orten zum Einsatz kommen. Man kann sie beliebig auf glatte Oberflächen – Platten, Folien, Röhren, etc. – aufbringen, die man in der Folge in neue Formzusammenhänge führen kann.”

Der innerhalb der Malerei begonnene Prozess ist somit in den Kontext der Skulptur eingetreten. Biegen und Verformen sind Methoden der Bildhauerei, nicht der Malerei. Joseph Marsteurer stellt diesmal konsequenterweise auch monumentale plastische Gebilde vor, die vegetabilen Formen gleichen, aber auch als völlig abstrakte dreidimensionale Malereien definiert werden können. So sehr sich diese Kunst auf das Konzeptionelle beruft, stellt sie sich doch opulent und visuell äußerst attraktiv dar.

Holler-Schuster weiter:

“Man kann sich Kunst als ein System vorstellen, in dem ein Zusammenspiel von Einzelphänomenen vorherrscht. Die Theorie der Kunst versucht wenigstens seit der Renaissance, dieses System zu ergründen und Begrifflichkeiten einzuführen, die es erfassen sollen. Kunst kann Systeme entlarven, überspitzen, in neue Modelle transformieren und auf diese Weise unsere Wahrnehmung der Welt infrage stellen.”

Die Zwischenräume, sowohl der Begriffswelt als auch der konkreten Möglichkeiten der Materialisierung, sind für Marsteurer von großem Interesse. Die Fuge ist ein musikalisches Kompositionsprinzip polyphoner Mehrstimmigkeit, oder auch ein Zwischenraum physikalischer Art, zwischen zwei Teilbereichen, Bauteilen oder Materialien. Die Linguistik kennt die Fuge als jene Stelle, an der in Komposita die einzelnen Bestandteile aneinandergrenzen.

Wenn man es will, bieten Marsteurers Werke Modelle der Malereitheorie, ohne dass man sie als solche begreifen muss. Bachs Fugen können letztlich als ästhetische Erlebnisse wirksam sein, ohne dass sich ihr komplexer theoretischer Aufbau als solcher vordrängt.

Die Kunst der Fuge

Eröffnung: Freitag, 18. März 2022
, 19.00 Uhr

Ausstellungsdauer: 19.–29. März und 22.–30. April 2022

Veranstaltungsort:
 Galerie Reinisch Contemporary

Hauptplatz 6, 8010 Graz, Österreich

ÜBER REINISCH CONTEMPORARY

Reinisch Contemporary vertritt mehr als 25 Künstler, sowohl neue als auch etablierte, wie etwa Herbert Brandl, Katharina Grosse und Hubert Schmalix. Mit Schwerpunkt auf Kunst nach 1980, handelt die Galerie mit Gemälden, Skulpturen, Fotografien und Drucken.

Die Galerie betreibt zwei Standorte in Österreich: eine im Herzen von Graz und eine weitere im Schloss Kalsdorf bei Ilz. Die Galerie am Grazer Hauptplatz wurde Anfang 2012 eröffnet. Auf mehr als 200 Quadratmetern werden hier stetig wechselnde Einzel- und Gruppenausstellungen präsentiert. Im Schloss Kalsdorf, unweit von Graz, finden auf über 1,000 Quadratmetern punktuell Ausstellungen und Besichtigungen statt.

Die Galerie ist bei den grossen österreichischen Kunstmessen präsent. Reinisch Contemporary arbeitet mit Museen und Kulturinstitutionen zusammen, berät Sammlungen und trägt mit Publikationen zum Kunstdiskurs bei.

Ein weiterer Fokus richtet sich auf authentische Stücke nomadischer Textilkunst. Helmut Reinisch verfasste mehrere Bücher zu diesem Thema und zählt zu den führenden Sachverständigen für die traditionelle Knüpf- und Webkultur von Marokko, Persien und der Türkei.

Durch vielfältige Ausstellungen, Kollaborationen, Künstlerstipendien und interdisziplinäre Projekte ermöglicht Reinisch Contemporary Begegnungen und Austausch zwischen Künstlern, Sammlern, Kuratoren und der Öffentlichkeit.

Weitere Informationen

Zur Webseite des Künstlers: http://www.marsteurer.net/

Weitere Informationen über die Ausstellung: AKTUELLES – www.reinisch-graz.com

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