In seinen Arbeiten spielt Patrick Eicke mit der Dynamik von Entstehung, Veränderung und Auslöschung. Sein formaler Umgang mit Farbe und das Übermalen vorheriger Motive spiegeln das Wesen des Lebens wider und eröffnen einen Dialog zwischen dem Verborgenen und dem Offensichtlichen. Häufig sind alltägliche Szenen des ländlichen Lebens der Ausgangspunkt seiner Bilder, die durch unerwartete Wendungen und Erzählungen bereichert werden. Hierbei vermischen sich Elemente des europäischen Expressionismus mit den Stilmitteln des japanischen Holzschnitts und der Mangakultur, was zu einer einzigartigen Bildsprache führt.

Die entstehenden Bildwelten bieten nicht nur eine sinnliche Erfahrung, sondern auch einen intuitiven Zugang zum Menschsein, der über intellektuelle Kategorien hinausgeht. Eickes Kunst lädt dazu ein, die Grenzen der Wahrnehmung zu hinterfragen und sich auf das Überraschende und Übernatürliche einzulassen.

Im Rahmen der Ausstellung wird Patrick Eicke, der nach seinem Studium der Malerei an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig auch einen Meistertitel im Bäckerhandwerk erwarb, ein besonderes Abendbrot aus seinem Holzsteinofen von „Charlie Brandt“ im Rahmen des Leichenschmauses präsentieren. Die Vernissage am 15. März 2025 wird von einem Orgelkonzert der Komponistin Christine Kappe begleitet, was die übersinnliche Erfahrung der Eröffnung unterstreicht.

 

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Christine Kappe

Christine Kappe wurde 1970 in Einbeck geboren, studierte Sprachwissenschaft und Geschichte in Hannover, im Anschluss daran am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Seit 1990 Veröffentlichungen in Literaturzeitschriften und Anthologien, Inszenierungen eigener Stücke. Seit April 2001 ist sie freiberuflich als Autorin und Grafikerin tätig.

„Wie kann das sein“, ihr erster Gedichtband, erschien im August 2013 in der San Marco Handpresse, Bordenau, und war innerhalb weniger Wochen vergriffen. 2014 der Roman „Rahling“ im Pop Verlag, Ludwigsburg. Ebendort: „Vom Zustand der Welt um 4 Uhr 35“, eine Sammlung von Erzählungen und Essays, 2016.

Mit 6 Bildern von Irene Klaffke und „Variationen über die Stille und andere Stücke“, eine Sammlung von Theatertexten mit Vertonungen von Corinna Eikmeier und 6 Bildern von Irene Klaffke, Pop Verlag Ludwigsburg 2019. Neu: „Den ganzen Tag über brennen die Straßenlampen“, Lyrik, edition offenes feld, Dortmund 2022. Einige ihrer Gedichte sind ins Russische und Niederländische übersetzt worden.

http://www.christine-k.de/vita.html

Termine

Sa. 15.03.2025 18 – 21 Uhr – Vernissage mit Orgelkonzert von Christine Kappe
Do. 03.04.2025 18 – 20 Uhr – Death Café mit Susanne Benze.
Mo. 07.04.2025 18 – 20 Uhr – Schreiben zur Trauer mit Ela Windels.
Sa. 12.04.2025 18 – 21 Uhr – Leichenschmaus mit Brot von Charlie Brandt
So. 27.04.2025 13 – 18 Uhr – Finissage mit Gedichtlesung von Lisa Kreißler

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Die Metavier Galerie

Der Initiator Sven Friedrich Cordes ist Bestatter – mit Leib und Seele. Seine Kunstgalerie widmet sich naheliegend dem Thema Tod. Ein Thema, was uns alle angeht.

Die Galerie verändert den Blick auf den Tod ein Stück bzw. bringt ihn zurück in unseren Alltag – auch um uns die eigene Sterblichkeit und Vergänglichkeit wieder bewusst zu machen.

Die Leichtigkeit der zeitgenössischen Kunst ermöglicht dem Thema Tod ohne Furcht oder dramatisch zu begegnen.

Mehr über die Galerie: https://metavier.de

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Judith Riemer wurde 1975 in Braunschweig geboren und absolvierte nach dem Abitur eine Ausbildung als Bauzeichnerin. Im Jahr 2001 schloss sie ihr Studium der Innenarchitektur an der Fachhochschule Hildesheim mit dem Diplom ab. 2016, nach ihrer ersten erfolgreichen Ausstellungen, entschied sich Judith Riemer, die Karriere als freischaffende Innenarchitektin zu beenden und sich als professionelle Künstlerin zu etablieren.

​Ihre Kunstwerke befinden sich in privaten Sammlungen in Deutschland, Italien und Österreich. Riemers Werke zeichnen sich durch eine fantasievoll-mysteriöse Ästhetik aus. Sie laden den Betrachter ein, in ein vielschichtiges Universum einzutauchen, in dem Zeit und Raum bewusst vage bleiben. Vertraute Elemente wie Blätter, Menschen und Tiere erfahren eine neue Deutung, um das wahre Wesen der Dinge widerzuspiegeln.

Ihr Werk „Die Schatzsucherin“ entstand bereits 2018. Es ist eine Hommage an die kindliche Faszination für die feinsten Nuancen der Natur. Die uneingeschränkte Hingabe, mit der Kinder die kleinen Wunder des Alltags betrachten, können Erwachsene immer wieder neu von ihnen lernen.

Werk der Woche #98 – Die Schatzsucherin

Das Gemälde, in Acryl und Tusche auf 100 × 80 cm Leinwand, zeigt ein kleines Mädchen, das an einer Wasserstelle auf dem Boden kniet. Mit einer Hand schöpft sie Wasser und beobachtet fasziniert, wie es glitzernd durch ihre Finger rinnt. Ihr Körper verbindet sich förmlich mit der Umgebung und wirkt teilweise durchscheinend, doch sowohl Lichtreflexe als auch die warmen, sonnigen Farbtöne des Umfeldes spiegeln sich in ihrer Erscheinung.

In diesem Kunstwerk wird die Umwelt regelrecht eins mit dem Körper des Kindes, und sie verharrt in einem Augenblick der völligen inneren Ruhe und des tiefen Glücks, während sie das glitzernde Wasser betrachtet.

„Die Schatzsucherin“ ist ein Werk von persönlicher Bedeutung für mich und nicht zum Verkauf bestimmt. Es erinnert mich nicht nur an meine eigene Kindheit, sondern ermutigt auch immer wieder dazu, die Welt mit offenen Augen zu sehen.

 

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Judith Riemer

Bis heute erhielt Judith Riemer mehrere Auszeichnungen und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht.

Zuletzt wurde Riemer im Jahr 2022 als Preisträgerin des „Talented Award“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt.

Im Jahr 2021 war sie außerdem als Finalistin für den „Emerging Scene Art Prize Dubai“ nominiert und ihre nominierten Werke wurden auf über 1000 Screens der Elevision Media Group in Dubai und Abu Dhabi präsentiert. Ebenfalls im Jahr 2021 erhielt sie eine Doppelseite im japanischen Kunstmagazin „365art+“ in Tokio.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Judith Riemer im Interview – Arttrado.de

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Judith Riemer wurde 1975 in Braunschweig geboren und absolvierte nach dem Abitur eine Ausbildung als Bauzeichnerin. Im Jahr 2001 schloss sie ihr Studium der Innenarchitektur an der Fachhochschule Hildesheim mit dem Diplom ab. 2016, nach ihrer ersten erfolgreichen Ausstellungen, entschied sich Judith Riemer, die Karriere als freischaffende Innenarchitektin zu beenden und sich als professionelle Künstlerin zu etablieren.

​Seitdem erhielt sie mehrere Auszeichnungen, und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht. Zuletzt wurde Riemer im Jahr 2022 als Preisträgerin des „Talented Award“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt. Im Jahr 2021 war sie außerdem als Finalistin für den „Emerging Scene Art Prize Dubai“ nominiert und ihre nominierten Werke wurden auf über 1000 Screens der Elevision Media Group in Dubai und Abu Dhabi präsentiert. Ebenfalls im Jahr 2021 erhielt sie eine Doppelseite im japanischen Kunstmagazin „365art+“ in Tokio.

​Ihre Kunstwerke befinden sich in privaten Sammlungen in Deutschland, Italien und Österreich. Riemers Werke zeichnen sich durch eine fantasievoll-mysteriöse Ästhetik aus. Sie laden den Betrachter ein, in ein vielschichtiges Universum einzutauchen, in dem Zeit und Raum bewusst vage bleiben. Vertraute Elemente wie Blätter, Menschen und Tiere erfahren eine neue Deutung, um das wahre Wesen der Dinge widerzuspiegeln.

Die Künstlerin konzentriert sich dabei auf die aufmerksame und feinfühlige Beobachtung des Verborgenen.

Judith Riemer im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Aktuell arbeite ich an einer naturbasiert-abstrakten Werksreihe. Nach einer erzwungenen kreativen Pause in diesem Jahr, bedingt durch eine längere Erkrankung, freue ich mich nun besonders endlich wieder im Atelier sein zu können. Meine Malschüler: innen wiederzusehen und ein paar kleine Events für die Herbst/Wintersaison vorzubereiten.

Fangen wir mal ganz vorne an. Wie bist du zur Kunst gekommen und was hat dich dazu inspiriert, deine Kunst mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Meine erste richtige Erfahrung mit Kunst hatte ich als Kind in einer Kinderkunstschule. Die besondere Atmosphäre dort, verbunden mit den Farbgerüchen und dem Gefühl, mich hier nach Herzenslust kreativ entfalten zu dürfen, hat mich sehr geprägt.

Das Malen und Zeichnen hat mich dann immer weiter begleitet und ist mit mir und meiner Persönlichkeit gewachsen. Nach beruflichen Umwegen als Bauzeichnerin und Innenarchitektin ergab sich in meiner Elternzeit die Möglichkeit, mich an einer Kunsthaus-Neugründung zu beteiligen und ein kleines Atelier zu mieten. Als Künstlergruppe hatten wir dann ab 2015 einige Gemeinschaftsausstellungen – und ich merkte schnell, dass es Menschen gibt, denen ich mit meiner Malerei etwas geben kann. Das war eine großartige Inspiration, weiterzumachen!

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem deiner Werke vorstellen?

Meine Arbeit ist inspiriert von Sinneseindrücken und geprägt von einem intensiven Naturerleben. Diese Impulse sind normalerweise der Startschuss für ein neues Werk. Es kann auch sein, dass eine ausdrucksstarke Körperhaltung oder Gestik mich anspricht, so dass ich daraus eine figürliche Interpretation erstelle.

Zu Beginn wähle ich Werksgröße und Format – da ich die Keilrahmen selber zusammenbaue und bespanne, bin ich relativ flexibel und kann auch spontan entscheiden. Manchmal tackere ich auch einfach eine große Leinwand an die Atelierwand und beginne, Farbverläufe, Formen und Linien aufzutragen.

Schicht für Schicht entwickelt sich die Arbeit weiter, und ab einem gewissen Punkt überlasse ich mich dem Prozess, weil die Malerei anfängt, ein Eigenleben zu entwickeln. Skizzen mache ich nur manchmal bei figurativen Werken. Die Farbzusammenstellung mit einer eingeschränkten Palette wähle ich jedoch immer im Vorfeld sorgfältig aus.

Welche Themen oder Botschaften versuchst du mit deiner Kunst zu vermitteln?

Meine Kunst ist eine Liebeserklärung an die Fantasie: Ich beobachte aufmerksam mit allen Sinnen das Unsichtbare, und gebe meinen Wahrnehmungen auf der Leinwand Raum. Da ich ein spirituell interessierter Mensch bin, liegt mir viel an Selbstwahrnehmung, Achtsamkeit und Gefühlswelten. Von daher möchte ich auch die Betrachter gerne zu eigenen Gefühlen und individuellen Gedanken einladen, ohne allzu viel vorzugeben. Meine Arbeiten sind vielschichtig. Mysteriös und offen interpretierbar – ich erschaffe ein Universum, in dem es keine präzise definierten Situationen oder Räume gibt.

Einzelne Elemente können bekannt erscheinen (Blätter, Menschen, Tiere), sind jedoch keine naturalistischen Abbildungen, sondern spiegeln das Wesen der Dinge, wie ich sie sehe. Alles in Allem würde ich sagen: Meine Kunst ist eine Einladung, die Augen und das Herz voller Entdeckerfreude, Lebendigkeit und Neugier über das Werk reisen zu lassen.

Wie würdest du deinen künstlerischen Stil beschreiben? Hast du ein Stilmittel, was sich in jedem deiner Werke befindet und als deine Signatur betrachtet werden kann?

Mein Stil ist expressiv und orientiert sich nicht so sehr an den Oberflächen, sondern mehr an der Ausstrahlung der Dinge. Typisch für mich sind organische, abgerundete Formen und Strukturen, auch mit blattartigen Formen. Man wird keine schnurgeraden Linien, oder Ecken und Kanten in meinen Bildern finden, denn dagegen habe ich tatsächlich eine starke Abneigung.

Die gestische Energie in Form von Pinselstrichen, der Linienführung oder der Darstellung von Bewegungsdynamik ist auch ein typisches Stilmittel für mich. Dass ich in meinen figürlichen Arbeiten vorwiegend Frauenakte male, hat rein gar nichts mit der Lust an der Präsentation des weiblichen Körpers zu tun. Auf die Darstellung von Kleidung verzichte ich vor allem deshalb, weil sie schlicht die Aussage verwässert: Sie stellt eine Zuordnung zu Raum und Zeit dar, die für das, was ich ausdrücken möchte, komplett überflüssig ist.

Wie beeinflusst dein persönlicher Hintergrund deine Kunst?

Ich wuchs mit dem Gefühl auf, anders zu sein als die anderen Kinder. Meine Gedanken, Gefühle und Ideen passten häufig nicht zu dem, was von mir erwartet wurde. Deshalb suchte ich Freiräume für mich, und Zufluchtsorte für meine Fantasie. Ich fand sie in der Natur, in Büchern und beim Malen und Zeichnen.

Heute weiß ich Bescheid über meine Hochsensibilität, die bewirkt, dass ich ständig ein Übermaß an Informationen verarbeiten muss, denen ich auf geistiger, emotionaler und sensorischer Ebene ausgesetzt bin. Das lässt mich vieles wahrnehmen und bewerten, was andere gar nicht so sehen oder in Zusammenhänge bringen würden. Ich denke, das sieht man auch deutlich an meiner Kunst.

Und welche Künstler oder Kunstwerke haben dich am meisten beeinflusst?

Ganz klar van Gogh. Der Rhythmus seiner Pinselstriche hat mich schon als Kind fasziniert, und weiterhin Egon Schiele mit seinen expressiven Figuren und der Kompromisslosigkeit seiner Linien und Formen.

Wie wichtig ist es für dich, Feedback von anderen Künstlern oder Experten einzuholen?

Feedback finde ich immer interessant. Die Sicht von anderen vermittelt zu bekommen, kann sehr wertvoll sein und einen weiterbringen.

Und wie gehst du mit Kritik an deiner Kunst um?

Ich versuche, Kritik nicht zu persönlich zu nehmen und denke mir immer, dass nun mal die richtigen Menschen mit der richtigen Kunst zusammentreffen müssen, damit es passt. Natürlich spricht meine Arbeit nicht jeden an, das kann auch nicht das Ziel sein. Ich weiß jedoch, dass einige Menschen meine Bilder und Sichtweisen als sehr bereichernd empfinden, und das macht immer wieder Mut.

Du hast deinen Hauptjob beendet und bist vollberuflich als Künstlerin aktiv. Wie gehst du mit dem Druck um, erfolgreich zu sein?

Ich muss schon sehr aufpassen, dass ich mich nicht zu sehr im Erfolgsdruck verbeiße. Etwas zu sehr zu wollen, gehört leider zu den Dingen, die ich noch loslassen darf. Wenn man immer, immer mehr macht und sich das Rad immer schneller dreht, dann verliert man leicht den Blick auf das große Ganze. Und verrennt sich am Ende komplett.

Wie gehst du mit Selbstzweifeln um?

Ich warte ab, bis die Welle wieder über mich hinweggespült ist und versuche dann besonders daran zu denken, wie viel ich bereits geleistet habe. Und ich erinnere mich ganz bewusst an Momente, die besonders und berührend waren, die es beispielsweise bereits mit Menschen gab, die sich für meine Kunst entschieden haben.

 

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Wie hältst du die Balance zwischen kommerzieller Kunst und persönlicher künstlerischer Vision?

Ich überlege schon sehr genau, worauf ich mich einlasse. Natürlich versuche ich zu verstehen, warum sich manches besser verkauft als anderes, und möchte meine Erkenntnisse in meinen Prozess einfließen lassen. Aber viel wichtiger als der aktuelle Trend ist es für mich, mir selbst und meiner eigenen Handschrift treu zu bleiben.

Bist du experimentierfreudig bzw. kannst deine Kunst mit anderen Disziplinen verbinden?

Das kann spannend sein! Meine Werke habe ich bereits auf Kissen, Notizbüchern etc. drucken lassen, allerdings nur in kleinen, limitierten Auflagen. Kunst und Musik ist auch eine schöne Kombination, weil das sehr inspirierend ist. Ich könnte mir auch gut vorstellen, für eine Branding-Kooperation mit einem Unternehmen zusammenzuarbeiten, wenn es wirklich passt. Kunst in einen anderen Kontext zu stellen, kann neue, spannende Möglichkeiten eröffnen.

Wie viele Werke von dir sind bis heute eigentlich entstanden? Und was passiert, wenn du mit einem Werk einmal nicht zufrieden bist?

Grob überflogen müssen es mehr als 150 Leinwandarbeiten seit 2014 sein, die vielen Zeichnungen und Mixed-Media Papierarbeiten sind dabei nicht mitgezählt. Wenn mir ein Werk nicht (mehr) gefällt, ziehe ich die Leinwand ab und nutze den Keilrahmen für etwas Neues. Manchmal lagere ich die alten bemalten Leinwände, aber ich habe auch schon Bilder zerschnitten und daraus Stifte Mäppchen, Münztaschen oder ähnliches genäht, die ich dann auf Ausstellungen oder Märkten verkauft habe.

Muss Kunst einen bestimmten Zweck erfüllen?

Auch wenn ich mich persönlich nicht gerne damit konfrontiert sehe, dass ein Kunstwerk „übers Sofa“ passen soll, habe ich doch Verständnis dafür, dass Kunst auch zweckgebunden eingesetzt werden kann. Aus meiner früheren Berufstätigkeit als Innenarchitektin weiß ich genau, wie Raumwirkungen durch Kunst verändert werden können. Und dass es auch Sinn macht, Kunstwerke bewusst zu platzieren.

Mit Kunst als reiner Investition, die nur gelagert wird, tue ich mich schwer. Man kennt das aus der hochpreisigen Kunstbranche – plötzlich ist so ein Kunstwerk nur noch ein Spekulationsobjekt. Das finde ich schwierig und schade, auch emotional betrachtet für die Künstler.

Wie würdest du den aktuellen Stellenwert von Kunst in der Gesellschaft sehen?

Leider befürchte ich, dass Kunst immer mehr zu etwas Elitärem wird. Gerade in der momentanen Krise und Inflation ist es illusorisch zu glauben, dass das allgemeine Augenmerk sich vermehrt auf Kunst richten wird. Mit Kunst erreicht man zurzeit sicher vor allem diejenigen, die schon immer ein Interesse daran hatten.

Und welche Rolle spielt die Gesellschaft in deiner Kunst?

„Die Gesellschaft“ als Gesamtheit spielt für mich keine so große Rolle. Es ist mir wichtig, jeden Menschen als Individuum zu betrachten – und so soll auch meine Kunst dazu ermutigen, den ganz persönlichen, eigenen Wahrnehmungen zu vertrauen und sich darauf einzulassen.

Meine Vorstellung ist die, dass ein Mensch der bewusst sieht, fühlt, und in sich ruht, auch seinen Mitmenschen freundlich begegnen wird. Mit meinen Bildern schaffe ich Freiräume für diese bewusste Individualität. Ich glaube wirklich daran, dass nur daraus mehr Offenheit, Toleranz und gegenseitige Wertschätzung entstehen kann. So gesehen bin ich vielleicht doch wieder bei „der Gesellschaft“, für die ich mir insgesamt genau diese Werte wünsche.

Kannst du dir vorstellen, auch eines Tages neben der Malerei in anderen Bereichen aktiv zu sein?

Ja, solange es eine Tätigkeit ist, die mir kreative Freiräume lässt. Ich arbeite gerne als Mal- und Zeichendozentin. In kleinen Gruppen oder mit Einzelcoachings – und für die Zukunft könnte ich mir auch vorstellen, mich mit dem Bereich der Illustration von Kinderbüchern näher zu befassen.

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

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Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Die deutsche Künstlerin Bea Garding Schubert ist seit über 16 Jahren auf dem Kunstmarkt aktiv. Kunstwerke wurden bereits nach Italien und Frankreich versendet, viele ihrer Sammler kommen aber auch aus den USA oder aus dem arabischen Raum. In Europa arbeitet Garding Schubert größtenteils mit der Gabriel Fine Arts Gallery in London zusammen – in Deutschland war sie zuletzt mit der Einzelausstellung “Good Vibes Only” in der Galerie Hesse, Hannover präsent. Zum Zeitpunkt des Interviews befindet sich Garding Schubert mitten in den Vorbereitungen ihres Umzugs, denn zukünftig ist die Künstlerin in Spanien Zuhause. Umso mehr freuen wir uns, dass sie die Zeit gefunden hat, uns für ein Interview zur Verfügung zu stehen.

Bea Garding Schubert im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich arbeite zur Zeit noch in meinem Atelier in der Nähe von Hannover, werde aber in Kürze meinen Arbeitsplatz in ein kleines Dorf auf Mallorca verlegen.

Das ist sicherlich auch eine logistische Herausforderung für die Kunstwerke. Wie viele Werke sind eigentlich bis heute entstanden?

Ich würde schätzen 800 Arbeiten in den letzten 15 Jahren. Zur Zeit habe ich 125 Arbeiten vorrätig. Ich verkaufe und wenn ein Bild älter als 2-3 Jahre alt ist und es qualitativ nicht mehr meinen Ansprüchen entspricht, übermale ich es. Im Schnitt schaffe ich wöchentlich 1 Bild. Ich arbeite täglich im Atelier.

Das klingt sehr produktiv, haben Sie auch manchmal Kreativblockaden? Falls ja, wie gehen Sie damit um? 

Ich habe so gut wie keine Kreativblockaden. Die künstlerischen Schwierigkeiten, die mir zustoßen , zeigen mir neue Wege auf. Das ist äußerst spannend. Routine spielt bei mir eine große Rolle. Ich versuche täglich zu arbeiten, damit ich im Fluss bleibe. Erst aus einer Selbstverständlichkeit heraus kann ich Neues entdecken.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von einem Ihrer Werke vorstellen? 

Ich arbeite nach Serien, welche ich in den letzten Jahren entwickelt habe. Die Serien hängen alle zusammen, viele sind nach Musikstücken entstanden. Die Serie HEROES entwickelte sich nach dem Song von David Bowie und der Geschichte, die hinter diesem Song steht. Ich bin zutiefsts überzeugt, dass JEDER ein Held sein kann.

THE SHOW MUST GO ON ist vom Song Freddie Mercury’s inspiriert. Er schrieb ihn kurz bevor er starb, und er handelt davon, dass wir nicht aufgeben sollen. Eine Serie mit der ich mich am längsten befasse ist die Serie HOME. Sie erzählt von Liebe, Hoffnung, Vertrauen und Heimat-Finden. Auf meinen Reisen durch Spanien habe ich auf einer Häuserwand gesprüht entdeckt: “Verschließe niemals dein Herz und dein Zuhause: Lass Vögel, Freunde, die Sonne und die Luft in dein Haus.“ (frei übersetzt). 

Sie sind schon seit 16 Jahren aktiv, aber wie haben Sie überhaupt zur Kunst gefunden? 

Ich war als Kind sehr viel allein, vielleicht könnte man sagen, einsam. Aus dieser Situation heraus habe ich sehr früh mit dem Malen begonnen. Es war und ist noch heute eine Auseinandersetzung mit mir selbst und meiner Umwelt.

Gibt es eine bestimmte Emotion, die Sie in Ihren Kunstwerken verkörpern möchten? 

Gerade in einer von Hunger, Krieg und Umweltdesastern gebeutelten Zeit steht für mich Optimismus an erster Stelle. Ich sage TROTZDEM oder gerade jetzt und lasse mich nicht vom allgemeinen Pessimismus leiten. Ich habe eine große Sehnsucht nach einer besseren Welt.

Glauben Sie, dass Kunst die Fähigkeit hat, die Welt zu verändern?

Ich bin der festen Überzeugung, dass Kunst die Welt verändern kann, sonst würde ich keine Kunst machen. Kunst ist für mich Hoffnung, Sichtbarmachen von Optimismus.

Arbeiten Sie auch mit ungewöhnlichen Materialen oder Techniken?

2022 bekam ich von einem jungen Berliner Skateboard Unternehmen ein Deck zum Bemalen. Ich merkte, dass ich im Laufe der Ideenskizze meinen Malstil veränderte. Eine eigene Pop Art entstand. Es machte mir unglaublich Spaß, und so bestellte ich mehr Decks und bemalte sie in Neonfarben. Die VIVA LA VIDA Serie war geboren. Ich begann dann mit Bildern, nahm Minions, Fische, Boote, Augen etc. mit an Board. Wieder Kind zu werden bzw. die Kindlichkeit nicht zu verlieren, spielen zu können, ist mir wichtig geworden. Erst dann können wir zur künstlerischen Freiheit gelangen.

Wie wichtig ist Ihnen die Reaktion des Betrachters auf die Kunstwerke? Möchten Sie, dass diese eine bestimmte Botschaft verstehen oder fühlen Sie sich eher ermutigt, wenn Betrachter ihre eigenen Interpretationen finden?

Ich denke, es ist eine Mischung aus beidem. Die Reaktion ist mir wichtig. Der Betrachter sollte die Botschaft verstehen, aber er soll auch beim Betrachten auf Rätselhaftes stoßen, was er für sich interpretieren kann.

 

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Gibt es ein bestimmtes Element in Ihrer Kunst, was als Ihre „Signatur“ betrachtet werden kann?

Ein signifikantes Element ist der fliegende Vogel. Er steht für Freiheit, Leichtigkeit und Liebe. Vögel verbinden Himmel und Erde. In meiner Serie HOME taucht der fliegende Vogel häufig auf, meist fliegen die Vögel als Paar oder „Familie“.

Gibt es ein Kunstwerk eines anderen Künstlers oder ein Künstler, der Sie beeinflusst hat?

Ich liebe es, Künstlerbiografien zu lesen. Künstler*innen „sterben“ für Ihre Idee, für ihre Kunst.

Wenn Sie eine Zeitmaschine hätten und zu jeder Epoche reisen könnten, welche Zeit und Ort würden Sie wählen, um Ihre Kunst zu präsentieren?

Ich wäre gern in den 1980igern in der Nähe von Jean Basquiat in NYC. Ich liebe seine Kunst. Es wären urbane Ort, zB. Bahnhofstunnel und U-Bahn Stationen. Das finde ich reizvoll, wenn meine kraftvolle aber doch sanfte Malerei in einen eher konträren Rahmen gestellt wird.

Welche ungewöhnlichen Quellen der Inspiration außerhalb der Kunstwelt beeinflussen Ihre kreative Arbeit?

Wie gesagt, Musik spielt eine wichtige Rolle. Menschen, die mir begegnen und ihre Lebensphilosophie. Meine Familie.

Wenn Sie ein Buch über Ihr Leben und Kunst schreiben würden, was wäre der Titel?

Ich bin 8 Jahre zu Fuß um die Welt gereist, schätzungsweise 25.000 km mit Rucksack und Zelt durch Gebirge wie den Himalaya, die Rocky Mountains, Sierra Nevada, die Anden. Dieser Erfahrungsschatz hat mein Leben geprägt. Spontan würde ich mein Buch “Lust auf Leben“ nennen. In jedem meiner Bilder ist diese Lebenslust zu finden.

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times, oder Ähnliches – was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

Kämpft für Eure Ziele, setzt euch für Liebe und Menschlichkeit ein. Gebt nicht auf! Wir alle können Helden sein!

Ein schönes Schlusswort! Danke für Ihre Zeit und Mühe!

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Mehr über die Künstlerin finden Sie auf der Webseite: https://www.beagardingschubert.com/

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Lavi ist ein junger Künstler aus Hannover, geboren ist er in Kurdistan. Als Jurist und Philosoph, wo er eigentlich beheimatete ist, übt Lavi gleichzeitig seine Berufung in der Kunst aus. Seine zahlreichen Werke versuchen stets den schmalen Grat zwischen Kunst und Philosophie haarscharf zu treffen.

Als Mensch mit kurdischen Wurzeln, der das Leid, am eigenen Leibe erfahren hat, verarbeitet Lavi die Ausflüsse seines rechtlichen Handelns in philosophische Erkenntnisse, die er wiederum in Form von abstrahierter Kunst in einer sehr ambivalenten Weise präsentiert. Seine zum Teil düster gehaltenen Werke verkörpern einen Tiefgang mit Schwere, in dem das Leben in einem überwiegend leidvollen Kontext festgehalten wird.

Werk der Woche #92 Aphrodite

Im goldenen Zeitalter des Anthropozäns, in dem das kostbare Band des Lebens allein durch den Tanz des weiblichen Körpers gesponnen wird und die unvergleichliche Schönheit der Schöpfung gefeiert wird, sehen sich Frauen mit den düsteren Schatten einer ungerechten Geschlechtermedizin konfrontiert. Ihre Erhabenheit, ausgedrückt durch ihre Rolle als Schöpferinnen von Leben, wird von einer bedauerlichen Vernachlässigung und mangelnder Gerechtigkeit überschattet.

Die unfassbare Ungerechtigkeit der Geschlechtermedizin lässt die spezifischen Bedürfnisse von Frauen und ihre faszinierende Fähigkeit, Leben zu gebären, nahezu unbeachtet. In dieser ambivalenten Ära des medizinischen Fortschritts sind es neben anderen unzumutbaren Problemen vor allem ihre gesundheitlichen Belange der Frau, die mal wieder vernachlässigt werden.

Die Auswirkungen dieser fatalen ignoranten Intoleranz ziehen sich fast nahtlos durch weltweit alle weiblichen Körper hindurch. Ausweglos scheint es für jene Frauen zu sein, die den innigen Wunsch nach einem eigenen Familienidyll hegen, sich jedoch mit der grausamen Realität von Unfruchtbarkeit, durch Verseuchung ihrer Körper, aufgrund von schädlicher und auf ihrer Belange nicht abgestimmter Medizin, hoffnungslos konfrontiert sehen. Den Profiteuren hingegen kein Bewusstsein, dass sie damit ihre Einzigartigkeit klammheimlich ersticken lässt.

Doch das Leid der Frauen ist keinesfalls auf ihr individuelles Schicksal beschränkt, sondern es zieht weite Kreise und berührt die gesamte Gesellschaft in ihrem Fundament. Wenn Frauen ihre einzigartige Fähigkeit, neues Leben zu schenken, verwehrt wird, so wird die Zukunft der gesamten Menschheit um eine Generation beraubt. Das unerfüllte Sehnen nach ungeborenen Träumen lastet schwer auf den Schultern unserer Gesellschaft.

Die Aphrodite verkörpert all das und noch viel mehr. Eine fadenscheinige innovative Medizin, die sie säumt. Mit allen Mitteln des Patriarchats wird sie gezwängt, sich in eine Form zu pressen, die ihr unlieb, ungleich und zuwider ist. Der Zwang zum Ideal beraubt ihre Vernunft und macht sich ihr zur Sklavin und die Zeit ihr zum Schäfer ihres Selbst.

 

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Die „Feminismus“- Serie von Lavi

Die Aphrodite misst ca. 40 x15x 20 cm und wiegt rund 2kg und ist damit aktuell die größte Skulptur aus der „Feminismus“-Serie des Künstlers. Die Serie umfasst aktuell 6 Skulpturen. Weitere sind in Arbeit. Bevor die Werke zum Verkauf angeboten werden, sollen sie gemeinsam präsentiert werden.

Neben Skulpturen finden sich auch Gemälde im Portfolio von Lavi. Auftragsarbeiten sind nicht kategorisch ausgeschlossen, gehören aber nicht zur klassischen Arbeitsweise von Lavi. Bei Interesse an den Arbeiten sind Reservierungen möglich. Für weitere Informationen und Detailaufnahmen nutzen Sie gerne unseren Kontakt.

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Die Ausstellung „elementar – nadelspitz“ nimmt Bezug auf Steinhude und dessen historische Bedeutung in Sachen Weberei. 18 Künstlerinnen der GEDOK Niedersachsen/Hannover e.V. präsentieren ihre Werke aus den Bereichen Angewandte und Bildende Kunst – allesamt rund um das Thema „Nadel“. Die GEDOK Niedersachsen/Hannover e.V. ist eine Gemeinschaft von Künstlerinnen und Kunstfördernden, die bundesweit aktiv ist. Konkret werden in Steinhude Interpretationen aus verschiedensten Bereichen wie bspw. der Malerei, Mixed Media, Collage, Grafik, Fotografie, Installationen und vieles mehr gezeigt.

Eine Sparte des Fischer- und Webermuseums Steinhude ist der Weberei gewidmet, die es bereits seit 1765 in Steinhude gibt und die somit eine der ältesten Webereien in Deutschland ist.

Fischer- und Webermuseum Steinhude

„Seit Mai 2012 sind zwei ehemals getrennte Museen zusammen „unter einem Dach“. Genaugenommen sind sie in zwei Gebäuden auf demselben Hofgrundstück untergebracht – doch durch einen gemeinsamen Eingang und eine gemeinsame Eintrittskarte verbunden.

Das Fischer- und Webermuseum zeigt, wie das Leben vor über 100 Jahren in Steinhude war: „Leben, wohnen und arbeiten unter einem Dach“. Das Steinhuder Meer bildete die Lebensgrundlage für die Menschen – die hier vorherrschenden Berufe Fischer und Leinenweber hingen beide davon ab.“ – heißt es auf der Webseite des Museums. Öffnungszeiten und weitere Informationen finden Sie hier: https://www.steinhuder-meer.de

Bettina Bradt

In diesem Jahr nimmt auch die Rintelner Künstlerin Bettina Bradt an der Ausstellung teil. Bettina Bradt betätigt sich seit 2004 als freischaffende Künstlerin und nahm seitdem an zahlreichen Ausstellungen teil. Ihr Werk „The Legend of Saidnaya, Syria“ wurde im März 2018 im Miles End Art Pavillon in London ausgestellt. Zudem leitet Bettina Bradt seit 2006 Kunstwerkstätten, Malgruppen und Workshops, bspw. im März 2022 anlässlich der „Days of Art“ im Gymnasium Ernestinum in Rinteln.

Die ausführliche Vita und Biografie der Künstlerin finden Sie hier: Vita Bettina Bradt

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Das supergemütliche “ me and all Hotel“ in Hannover beweist einmal mehr guten Geschmack. Der Künstler Malte Wendland stellt seit gestern 6 Werke in dem Boutiquehotel aus. Für einen Monat werden die Werke für Besucher und Hotelgäste zusehen sein. In dem urbanen Hotel sind öfters After-Work-Partys, die Küche und Bar steht also auch für „Hotelfremde“-Gäste zur Verfügung, jedoch empfehlen wir  einen Besuch zwischen 10:00 und 20:00 Uhr, sollte man sich nicht für eine Übernachtung entscheiden.

Wer nicht persönlich vor Ort sein kann, kann sich auf dem Instagram-Kanal des Künstlers einen Eindruck verschaffen, wie gut sich die Kunstwerke in das Ambiente einfügen. Dabei kam die Ausstellung eher zufällig zustande, Malte Wendland war eigentlich aus einem anderen Grund im Hotel. Die Verantwortlichen zeigten sich aber vom Künstler beeindruckt und stellten ohne große Planung und Vorbereitung Ausstellungsfläche zur Verfügung. So schnell kann es gehen. 

Zuletzt stellte Malte Wendland seine Werke in der QUARKS-BAR Hannover aus, wer es vor ein paar Wochen verpasst hat, kann es jetzt bis zum 15.08.21 im „Me and all Hotel“ Hannover nachholen! ( Aegidientorplatz 3 in 30159 Hannover) Originale Werke so wie Kunstdrucke des Pop-Art- Künstlers BYMW finden sich bei uns im Onlineshop.

 

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Titelbild: YellowEnglish-Asor BYMW

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Vom 13. Juni an findet das Klangkunstfestival an 12 Standorten in der Region Hannover statt. Dafür haben internationale Künstler*innen spezielle Installationen entwickelt, begleitet wird das Klangkunstfestival von einem umfassenden Rahmenprogramm, Details dazu werden Mitte Mai veröffentlicht.

Klangkunstfestival in Hannover

Elf Kunstinstitutionen aus der Region Hannover präsentieren im Rahmen der „IntraRegionale“ zeitgenössische Klangkunst an ungewöhnlichen Orten. Aus 169 Bewerbungen wählte eine Fachjury jetzt elf Künstlerinnen und Künstler aus, Installationen mit direktem Bezug zu vorgegebenen Ausstellungsorten zu entwickeln. Die Hörregion Hannover vertieft mit einem umfangreichen Begleitprogramm das Hör- und Kunsterlebnis während des Ausstellungszeitraums vom 13. Juni bis zum 18. Juli 2021.

Was haben das Parkhaus in Lehrte, die Wasserkunst in Hannover, der Wertstoffhof in Bissendorf und der Isernhagener Friedenshain gemeinsam? Sie und weitere ungewöhnliche Orte in der Region Hannover werden während der „IntraRegionale“ zu Ausstellungsräumen. Elf Kunstinstitutionen aus der Region Hannover starteten gemeinsam einen internationalen Aufruf, um Künstlerinnen und Künstler zu finden, die für die vielfältigen Örtlichkeiten klangvolle Installationen erschaffen. Insgesamt 169 Künstlerinnen und Künstler aus 39 Nationen bewarben sich im Auswahlverfahren. Eine 6-köpfige Fachjury wählte jetzt aus den Bewerbungen elf Künstlerinnen und Künstler und wies ihnen jeweils einen der Ausstellungsorte zu.

Hörregion Hannover

In der Region Hannover gibt es eine deutschlandweit einzigartige Vielfalt von herausragenden Unternehmen, Einrichtungen und Initiativen rund um Schall, Klang und Akustik – in den Bereichen Wirtschaft, Wissenschaft, Gesundheit, Bildung und Kultur. Auf dieser Basis hat die Region Hannover die Marke und das Netzwerk Hörregion entwickelt. Sie macht auf den Hörsinn in seinen verschiedenen Facetten aufmerksam, wirbt für gutes Hören und stärkt den Standort Region Hannover.

„Die Bewerbungen zeigen das gesamte Spektrum der Klangkunst – von der Einbeziehung von Naturgeräuschen, Musikinstrumenten, elektronischen Klängen oder künstlicher Intelligenz, über die Klangerforschung von Objekten und Materialien bis zur Stille und dem Hören als grundlegender Sinneseindruck.“ erläutert Julienne Franke, Jurymitglied und Leiterin der Städtischen Galerie Lehrte. Ein wichtiges Kriterium für die Auswahl der Jury im Rahmen der „IntraRegionale“ sei das Einlassen auf den Ausstellungsort: „Gerade weil die elf Orte so unterschiedlich sind. Das Ortspezifische in etwas Klangspezifisches umzusetzen, ist die Herausforderung, die überzeugend gelingen soll.“

Die Region Hannover darf sich nun auf das kreative Wirken von fünf Künstlerinnen, vier Künstlern und zwei künstlerischen Duos freuen, die alle bereits internationale Kunstinstitutionen und Festivals mit ihren Installationen, Performances und Werken bereicherten. Ihre inhaltlichen, ästhetischen, wie auch soundtechnischen Ansätze sind dabei so vielgestaltig, wie die Orte, die sie im Rahmen der „IntraRegionale“ klangkünstlerisch bespielen werden. So macht Clara Oppelt in ihren meist multidimensionalen, begehbaren Werken den Mikroorganismus hörbar, währen bei Georg Klein der „Ortsklang“ selbst im Vordergrund steht und Lisa Premke in ihren oft visuell großflächigen Arbeiten Objekten und Räumen Handlungsfähigkeit verleiht, indem sie sie zu geräuschproduzierenden
Subjekten macht.

Für die Umsetzung ihrer Entwürfe erhalten die teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler jeweils ein Honorar von 5.500 Euro. Bis zur Eröffnung des Klangkunstfestivals am 13. Juni haben sie jetzt Zeit, ihre Ausstellungsorte zu erkunden und sich inspirieren zu lassen.

Ohrenöffnendes Begleitprogramm

Zugleich plant die Hörregion Hannover gemeinsam mit den beteiligten Kunstvereinen und Partnern aus dem Netzwerk der Hörregion ein ohrenöffnendes Begleitprogramm, das Lust auf die Kunstwerke macht, die Hörwahrnehmung stärkt und zur Klangerforschung animiert. So dürfen sich Neugierige auf Konzerte mit ungewöhnlichen Instrumenten freuen, Familien erleben Klang-Workshops mit dem Naturpark Steinhuder Meer und Kindergartenkinder erforschen Töne einer Entdeckerkiste der Forscherkids, und gemeinsam mit dem aha Zweckverband Abfallwirtschaft Region Hannover wird scheinbar ausgedienten Gegenständen neuer Klangzauber entlockt.

Derzeit entstehen hier auch erste Ideen und Aufnahmen, um während der „IntraRegionale“ zusätzlich den Hörgulli in Hannovers Innenstadt klangkünstlerisch zu bespielen. Finanziell gefördert wird die „IntraRegionale“ von der Stiftung Niedersachsen, Sparkasse Hannover, Stiftung Kulturregion, NORD/LB Kulturstiftung, der Region Hannover/ MWK
Niedersachsen.

ORTE UND KÜNSTLERINNEN/KÜNSTLER

1. kik / Wasserkunst: Fritjof Mangerich
2. Kunstraum Benther Berg / Bergterrassen: Peter Kutin
3. Hermannshof /Fußgänger-Passagen im Dorf Völksen: Anna Schimkat
4. KV Barsinghausen /Freifläche in der Fußgängerzone am Kloster: Franziska Windisch
5. KulturGut Poggenhagen /Park der Gutsanlage: Peter Simon
6. KV Neustadt /Kasematten Schloss Landestrost: Clara Oppel
7. KV Imago Wedemark /aha-Wertstoffhof, Bissendorf: Stefan Roigk & Daniela Fromberg
8. KV Burgwedel-Isernhagen/Friedenshain Isernhagen: Walter Zurborg & Tamaki Watanabe
9. Scena Burgdorf / verschiedene Orte in der City Burgdorf: Georg Klein
10. Städtische Galerie Lehrte /Parkhaus: Lisa Premke
11. KV Langenhagen / ehemalige Kapelle im Stadtpark: Cathy Lane
12. Hochschule Hannover / Planet MID, Expo Plaza

DIE INTRAREGIONALE

Bereits im Jahr 2015 haben sich auf Initiative des hannovschen LandArt-Künstlers Frank Nordiek zehn Kunstinstitutionen der Region Hannover zusammengeschlossen, um in einem Netzwerkprojekt gemeinsam eine große Landschaftskunst-Ausstellung zu realisieren. Das Projekt IntraRegionale 2016 präsentierte an zehn über die Region Hannover verteilten Orten zehn Positionen internationaler Landschaftskunst (Land Art). Daran anknüpfend wird im Jahr 2021 ein weiteres großes Ausstellungsprojekt mit elf Klangkunst-Installationen realisiert. Verbindendes Element zwischen der IntraRegionale 2016 und 2021 ist, dass ebenso wie die Installationen der Landschaftskunst 2016 auch die Klangkunstinstallationen 2021 unmittelbar für den Ort ihrer Präsentation geschaffen werden.

Weitere Informationen

Titelbild: IntraRegionale 3 Kasematten Neustadt

Mehr über das Klangkunstfestival: www.intraregionale.org

VERANSTALTER

imago, Kunstverein Wedemark e.V., Bissendorf – www.imago-kunstverein.de
Kunstverein Langenhagen e.V. – http://www.kunstverein-langenhagen.de
kik e.V. – Kunst in Kontakt, Hannover –www.kik-hannover.de
KulturGut Poggenhagen e.V, Neustadt a. Rbge.– www.kulturgut-poggenhagen.de
Kunstverein Barsinghausen e.V. – http://www.kv-barsinghausen.eu
Kunstraum Benther Berg e.V., Ronnenberg / Benthe – www.kunstraum-benther-berg.de
Kunstverein Burgwedel – isernhagen e.V. – www.kunstverein-bwi.de
Kunst und Begegnung Hermannshof e.V., Springe / Völksen – www.hermannshof.de/
Kunstverein Neustadt a. Rbge. e.V. – www.kunstverein-neustadt.de
Scena – Kulturverein im VVV Burgdorf e.V. – www.scena-burgdorf.de
Städtische Galerie Lehrte – http://www.lehrte.de/de/staedtische-galerie.html
Hochschule Hannover -Fakultät III – Medien, Information und Design –  f3.hs-hannover.de

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