Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski ist Kunstagent und vertritt spannende Positionen aus der internationalen Kunstszene. Unter anderem die Wiener Künstlerin Michelle Ditrich, die für ihre einzigartige Technik bekannt ist; Kunstwerke nur mit ihren Händen und Fingern, also ohne Pinsel oder sonstiges Werkzeug zu erschaffen. Von der verstorbenen Malerin Margaret Hofheinz-Döring, verwaltet er, mit dessen Tochter Brigitte Mauch, den Nachlass der Künstlerin.

Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski ist also auf ähnlicher Mission unterwegs, nur dass sein Schwerpunkt auf Südamerika liegt. Im Interview wollen wir den Kunstagenten und den südamerikanischen Kunstmarkt besser kennenlernen. Es geht um NFTs, Raubkunst und was macht ein Kunstagent überhaupt?

Dr. h.c. Klaus R.C. Ciesielski im Interview

Wo sind Sie grade und wie geht es Ihnen?

Ich bin gerade von einer Deutschlandreise zur Familie, Freunden und Bekannten zurückgekommen und ich habe in Wien auch die Malerin Michelle Ditrich besucht. Es geht mir hier im Nordosten Brasiliens sehr gut.

Sie sind 2006 von Deutschland nach Brasilien gezogen und haben nun vor Kurzem eine Kunstagentur gegründet?

Ich habe schon seit 1988 jedes Jahr Gruppenreisen von Berlin nach Brasilien für Freunde und Bekannte organisiert und die Gruppen dann 4 Wochen lang durch das Land begleitet. 2005/2006 habe ich dann entschieden, ganz nach Brasilien umzuziehen. Das war erst nicht einfach, aber ich bin glücklich, dass ich das damals gemacht habe. Die SOL E VENTO – KUNSTAGENTUR – habe ich dann zum Anfang des Jahres 2023 aufgebaut, nachdem ich immer mehr mit der Kunstmalerei durch viele Gespräche und Informationen im Internet darüber erfahren habe. Da ich es mag, Menschen zu unterstützen, ihr Potenzial zu nutzen, fand ich diese Idee optimal.

Sie haben vorher die Bibliothek der Bundesversicherungsanstalt geleitet. Wie sind Sie von da zur Kunst gekommen?

Die Arbeit in der Bibliothek der Bundesversicherungsanstalt für Angestellte (BfA) war in vielerlei Hinsicht bereichernd und hat meine Liebe zur Forschung und zum Sammeln von Wissen gestärkt. Ich bin kein Bibliothekar, sondern Organisator und Administrator. Kunst hat schon immer eine besondere Rolle in meinem Leben gespielt. Sie bietet eine andere Art von Verständnis und Ausdruck, die man in juristischen Texten nicht so findet.

Die Möglichkeit, als Kunstagent tätig zu werden, bot mir die einzigartige Gelegenheit, diese beiden Leidenschaften – die akademische Tätigkeit und die Kunst – zu vereinen. Ich sehe meine aktuelle Rolle als eine natürliche Weiterentwicklung meiner bisherigen Erfahrungen, bei der ich den wissenschaftlichen Ansatz aus meiner Bibliothekszeit in die Welt der Kunst mitnehmen konnte.

Unter anderem arbeiten Sie mit der resümierten Künstlerin Michelle Ditrich aus Wien. Konzentrieren Sie sich mehr auf den europäischen Markt oder auf Südamerika?

Aktuell beschäftige ich mich dem europäischen Markt. Der südamerikanische Markt wird auch nach und nach abgedeckt, aber vor allem die Zusammenarbeit mit der Wiener Künstlerin Michelle Ditrich hat mich meine Entscheidung für den europäischen Kunstmarkt treffen lassen.

Können Sie schon sagen, wie weit sich der Kunstmarkt in Südamerika zu Europa unterscheidet?

Der Kunstmarkt in Südamerika und Europa weist einige signifikante Unterschiede auf, aber auch viele Gemeinsamkeiten. In Europa hat der Kunstmarkt eine längere Geschichte und ist oft stärker institutionalisiert. Hier finden sich zahlreiche etablierte Galerien, Auktionshäuser und Kunstmessen, die weltweit hoch angesehen sind.

Südamerika hingegen bietet eine vibrierende, aufstrebende Kunstszene, die stark von lokalen Traditionen und zeitgenössischen Themen beeinflusst ist. Es ist ein Markt, der in den letzten Jahren an internationaler Anerkennung gewonnen hat. Besonders Brasilien, Argentinien und Kolumbien sind hier hervorzuheben.

Ein weiterer Unterschied ist die Art und Weise, wie Kunst gesammelt und präsentiert wird. In Europa gibt es eine stärkere Tendenz zu privaten Sammlungen und Museen, während in Südamerika die Kunst oft mehr im öffentlichen Raum und in Gemeinschaftsprojekten erlebbar ist.

Trotz dieser Unterschiede ist die globale Vernetzung in der Kunstwelt stärker denn je, und Künstler sowie Kunstwerke reisen immer mehr über Kontinente hinweg. Das schafft spannende Synergien und ermöglicht einen fruchtbaren Austausch zwischen den verschiedenen Kunstlandschaften.

Viele Europäische Museen präsentieren Raubkunst fremder Länder, – wie stehen Sie dazu?

Ich finde es problematisch, wenn Museen Raubkunst fremder Länder präsentieren. Raubkunst ist Kunst, die illegal oder unrechtmäßig „erworben“ wurde. Sie können im Rahmen von Kriegen, Kolonialherrschaft oder anderen Formen von Gewalt und Unterdrückung „erworben“ worden sein. Die Präsentation von Raubkunst in Museen ist problematisch, weil sie die Opfer von Raub und Unterdrückung nicht respektiert. Sie können auch dazu beitragen, die Geschichte dieser Verbrechen zu verharmlosen oder zu vergessen.

Es gibt verschiedene Gründe, warum Raubkunst in Museen präsentiert wird. In einigen Fällen ist es einfach nicht bekannt, dass ein Kunstwerk gestohlen wurde. In anderen Fällen wird die Raubkunst als legitimes Eigentum des Museums betrachtet.

Ich glaube, dass Museen eine Verantwortung haben, Raubkunst zu identifizieren und zurückzuerstatten. Dies ist wichtig, um die Opfer von Raub und Unterdrückung zu respektieren und die Geschichte dieser Verbrechen aufzuzeigen.

Welche Rolle spielt Ihrer Meinung nach Kunst in der Gesellschaft und wie können wir es als Kunstvermittler erreichen, mehr Menschen für  Kunst & Kulturellen Austausch zu begeistern?

Kunst spielt in der Gesellschaft eine wichtige Rolle. Sie ist ein Ausdruck der menschlichen Kreativität und Einzigartigkeit. Diese können uns helfen, die Welt um uns herum zu verstehen und uns selbst besser kennenzulernen. Kunst kann uns auch helfen, uns mit anderen Menschen zu verbinden. Sie können uns ein gemeinsames Verständnis für Schönheit, Bedeutung und Werte vermitteln. Sie können uns dazu inspirieren, über unsere eigenen Grenzen hinauszuwachsen und neue Perspektiven einzunehmen.

Als Kunstvermittler können wir mehr Menschen für Kunst und kulturellen Austausch begeistern, indem wir: Kunst zugänglich und verständlich machen. Wir können dies tun, indem wir Kunst in einem vielfältigen Kontext präsentieren und sie mit anderen Bereichen des menschlichen Lebens in Verbindung bringen.

Kunst als Teil der Alltagskultur verankern. Indem wir Kunst in unseren Schulen, unseren Gemeinden und unseren öffentlichen Räumen fördern. Und Menschen dazu ermutigen, selbst kreativ zu werden.

In Deutschland ist die Kunstbranche oft mit der Herausforderung in Bezug auf Diversität und Inklusion konfrontiert. Beispielsweise sind in Museen die wenigsten Werke von weiblichen Künstlern. Wie könnte man ihrer Meinung nach dieses Problem lösen? Bzw. ist das überhaupt ein Problem?

Ich bin der Meinung, dass die Unterrepräsentanz von Künstlerinnen in Museen ein Problem ist. Kunst ist ein Spiegel der Gesellschaft, und wenn die Kunstwelt nicht repräsentativ für die gesamte Gesellschaft ist, dann ist sie auch nicht vollständig.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, dieses Problem zu lösen. Eine Möglichkeit ist, Museen und andere Kunstinstitutionen zu motivieren, mehr Werke weiblicher Künstler zu sammeln und auszustellen. Dies kann durch gezielte Ankäufe und Ausstellungen erreicht werden. Eine weitere Möglichkeit ist, mehr Künstlerinnen zu fördern. Dies kann durch Stipendien, Förderprogramme und Ausstellungsmöglichkeiten erreicht werden.

Es ist auch wichtig, die Öffentlichkeit auf die Unterrepräsentanz von Künstlerinnen aufmerksam zu machen. Dies kann durch Bildungsprogramme und Ausstellungen erreicht werden.

Wie wählen Sie selbst Kunstwerke aus, die Sie repräsentieren möchten?

Als Kunstagent wähle ich Kunstwerke aus, die ich repräsentieren möchte, auf der Grundlage einer Reihe von Faktoren, darunter:

Künstlerische Qualität: Die Kunstwerke sollten von hoher Qualität sein. Sie sollten gut gemacht sein und eine starke visuelle oder emotionale Wirkung haben.

Originalität: Die Kunstwerke sollten originell und einzigartig sein. Sie sollten sich von anderen Kunstwerken abheben und etwas Neues und Innovatives bieten.

Marktfähigkeit: Die Kunstwerke sollten marktfähig sein. Sie sollten ein Publikum ansprechen und eine Möglichkeit bieten, Geld zu verdienen.

Ich treffe meine Auswahlentscheidungen, indem ich mir die Kunstwerke selbst ansehe und mit den Künstlern spreche. Ich versuche, Kunstwerke zu finden, die mich ansprechen und von denen ich glaube, dass sie auch andere Menschen ansprechen werden.

Finden Sie das Kunstwerke nur ein Spekulationsobjekt sind?

Kunstwerke sind mehr als nur Spekulationsobjekte. Sie haben einen Wert, der über ihren finanziellen Wert hinausgeht. Kunst kann uns helfen, uns selbst und die Welt um uns herum besser zu verstehen.

Natürlich kann Kunst auch als Spekulationsobjekt verwendet werden. Es gibt Sammler, die Kunstwerke kaufen, in der Hoffnung, dass sie im Wert steigen werden. Diese Art von Spekulation kann zu einer Blase führen, in der Kunstwerke zu überhöhten Preisen gehandelt werden. Ich glaube jedoch, dass die meisten Menschen Kunstwerke kaufen, weil sie sie schätzen. Sie kaufen Kunstwerke, weil sie sie schön finden, oder weil sie sie mit einer bestimmten Erinnerung oder Bedeutung verbinden.

Gibt es eine Kunstform oder einen Künstler, mit dem Sie überhaupt  nichts anfangen können?

Es gibt viele verschiedene Arten von Kunst, und nicht jeder wird mit jeder Art von Kunst etwas anfangen können. Manche Menschen mögen zum Beispiel abstrakte Kunst, während andere realistische Kunst bevorzugen. Manche Menschen mögen Musik, während andere lieber Kunst sehen oder lesen.

Es ist auch möglich, dass jemand mit einer bestimmten Art von Kunst nichts anfangen kann, weil er oder sie sie nicht versteht. Kunst kann komplex und nuanciert sein, und es kann Zeit und Mühe erfordern, sie zu verstehen.

Letztendlich ist es eine Frage der persönlichen Vorliebe, ob jemand mit einer bestimmten Kunstform oder einem Künstler etwas anfangen kann. Es gibt keine richtige oder falsche Antwort.

Wie sehen Sie die Zukunft der Kunstmalerei?

Ich glaube, dass die Zukunft der Kunstmalerei vielversprechend ist. Kunstmalerei ist eine zeitlose Form der Kunst, die Menschen seit Jahrhunderten fasziniert. Sie ist eine Möglichkeit, Emotionen, Ideen und Erfahrungen auszudrücken, und sie kann eine tiefgreifende Wirkung auf den Betrachter haben.

Natürlich gibt es einige Herausforderungen, denen sich die Kunstmalerei in der Zukunft stellen muss. Eine Herausforderung ist die zunehmende Digitalisierung der Welt. Mit dem Aufkommen von digitaler Kunst und neuen Technologien wie künstlicher Intelligenz ist es möglich, Kunstwerke zu erstellen, die sich von traditionellen Kunstwerken kaum unterscheiden. Dies könnte dazu führen, dass die Nachfrage nach traditionellen Kunstwerken wie Gemälden sinkt.

Eine weitere Herausforderung ist die zunehmende Globalisierung der Kunstwelt. Kunstwerke werden heute auf der ganzen Welt geschätzt und gekauft. Dies bedeutet, dass Künstler mit einem größeren Markt konkurrieren müssen, um erfolgreich zu sein.

Trotz dieser Herausforderungen glaube ich, dass die Kunstmalerei auch in Zukunft eine wichtige Rolle in der Welt spielen wird. Kunstmalerei ist eine universelle Sprache.

Wie stehen Sie zum Thema NFTs und die generelle digitale Entwicklung in der Kunst?

Ich glaube, dass NFTs und die allgemeine digitale Entwicklung in der Kunst ein spannendes und vielversprechendes Feld sind. NFTs bieten Künstlerinnen und Künstlern eine neue Möglichkeit, ihre Arbeit zu verkaufen und zu vermarkten. Sie ermöglichen es Künstlern, ihre Werke als einzigartige und unveränderliche digitale Vermögenswerte zu „tokenisieren“. Dies kann dazu beitragen, die Authentizität und den Wert digitaler Kunst zu schützen.

Die allgemeine digitale Entwicklung in der Kunst bietet Künstlerinnen und Künstlern auch neue Möglichkeiten, ihre Arbeit zu erstellen und zu präsentieren. Digitale Technologien wie Augmented Reality und Virtual Reality können dazu beitragen, Kunstwerke lebendiger und interaktiver zu machen. Sie können auch dazu beitragen, Kunst für ein breiteres Publikum zugänglich zu machen.

Gibt es etwas, was Sie in der Kunstwelt gerne ändern würden?

Ich würde gerne mehr Vielfalt in der Kunstwelt sehen. Ich möchte, dass Kunstwerke von Menschen aus allen Kulturen und Hintergründen vertreten werden. Kunst sollte für alle Menschen zugänglich sein, unabhängig von ihrem Einkommen oder ihrer Herkunft und ich würde gerne mehr Nachhaltigkeit in der Kunstwelt fördern. Ich möchte, dass Kunstwerke so hergestellt werden, dass sie umweltfreundlich sind.

Sie haben deutlich mehr Lebenserfahrung als ich, haben Sie vielleicht einen Tipp, wie für Künstler, wie man Kunst besser vermarkten und verkaufen kann?

Entwickeln Sie eine starke Marke. Was macht Ihre Kunst einzigartig? Was macht Sie als Künstlerin oder Künstler einzigartig? Finden Sie eine Antwort auf diese Fragen und kommunizieren Sie diese klar und deutlich und seien Sie geduldig. Es braucht Zeit und Mühe, um als Künstler erfolgreich zu sein. Geben Sie nicht auf, wenn Sie nicht sofort Erfolg haben.

Welche Künstler aus Südamerika würden Sie empfehlen?

Frida Kahlo (Mexiko): Frida Kahlo ist eine der bekanntesten und einflussreichsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Ihre Werke sind geprägt von ihrem persönlichen Schmerz und ihrer mexikanischen Identität.

Fernando Botero (Kolumbien): Botero ist für seine übergroßen Figuren bekannt, die oft humorvoll und satirisch sind. Seine Werke sind einzigartig und erkennbar.

Rufino Tamayo (Mexiko): Tamayo ist für seine abstrakten und figurativen Gemälde bekannt, die Elemente der mexikanischen Kultur und Mythologie einfangen.

Diego Rivera (Mexiko): Rivera war ein bedeutender mexikanischer Maler und Ehemann von Frida Kahlo. Seine Wandgemälde sind politisch und sozial engagiert und spiegeln die Geschichte und Kultur Mexikos wider.

Roberto Matta (Chile): Matta war ein surrealistischer Maler, der für seine abstrakten und traumhaften Werke bekannt ist. Seine Bilder entführen den Betrachter in eine andere Welt.

Tarsila do Amaral (Brasilien): Amaral war eine wichtige Figur der modernen brasilianischen Kunstbewegung. Ihre Werke sind farbenfroh und zeigen eine Mischung aus modernen und traditionellen Elementen.

Diese Künstler bieten eine breite Palette von Stilen, Themen und kulturellen Einflüssen. Es lohnt sich, sich mit ihren Werken auseinanderzusetzen und ihre einzigartigen Beiträge zur südamerikanischen Kunstszene zu entdecken.

Vielen Dank für Ihre Zeit und Mühe. Und, ach ja – was macht ein Kunstagent überhaupt?

Ich suche nach neuen Künstlern, die ich vertreten kann. Dazu beobachte ich Kunstmessen, Galerien und andere Veranstaltungen, um neue Talente zu entdecken. Ich arbeite mit Künstlern zusammen, um ihre Arbeit zu fördern. Dazu
werde ich Ausstellungen, Pressekonferenzen und andere Veranstaltungen organisieren. Ich vermittle zwischen Künstlern und Kunstsammlern. Ich helfe Künstlerinnen und Künstlern, ihre Arbeit zu verkaufen, und ich helfe Kunstsammlern, Kunstwerke zu finden, die sie mögen.

Und ich arbeite natürlich auch an administrativen Aufgaben wie Rechnungswesen, Buchhaltung und Marketing.

Weitere Informationen

Ausgewählte Kunstwerke finden Sie bei uns im Shop!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Zuletzt zog Kadée mit dem Werk „Cernunnos“ die Aufmerksamkeit auf sich. Dieses Kunstwerk wurde erstmalig auf der ARTe Sindelfingen 2022 veröffentlicht und von uns als 54. „Werk der Woche“ ausgezeichnet.

Aus gegebenem Anlass hat der Künstler zu diesem Zeitpunkt einen Artikel über Kunstmessen und Galerieausstellungen geschrieben. Den 11. Teil aus der „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Serie finden Sie hier:
Kunst- und Künstlermarketing #11: Galerien und Kunstmessen

Aktuell ist es aus zeitlichen Gründen nicht möglich, die Serie in gleich- bzw. regelmäßigen Abständen  zu veröffentlichen. Umso mehr freuen wir uns, wenn der Künstler die Zeit findet, sich dem Schreiben zu widmen und unter anderem Tipps für Künstler und Kulturschaffende festhält.

Kunst- und Künstlermarketing Teil 12: Vergütungsgesellschaft (VG) Bild-Kunst

Vergütungen für Ausstellungen, Illustrationen und Bilder im Internet.

Ein Gastbeitrag von Kadée:

Die meisten Künstler/innen haben bedauerlicherweise oft mehr Ausgaben als Einnahmen.

Eine Möglichkeit ein kleines Plus bei den Einnahmen zu erzielen sind die Verwertungsgesellschaften, die allgemeine Verträge mit Kunstverwertern (Verlage, Industrie etc.) schließen und die Gesamteinnahmen unter ihren Mitgliedern aufteilen. Für bildende Künstler/innen ist die VG Bild-Kunst zuständig.

Im Jahr 2020 lagen die Erlöse der Verwertungsgesellschaft Bild-Kunst bei insgesamt rund 109,7 Millionen Euro. Die VG Bild-Kunst verwaltet für bildende Künstler/innen die Vergütungen aus Folgerechten, Reproduktionsrechten, Senderrechten, Onlinerechten sowie die Rechte aus Weitersendevergütungen und Kopievergütung, was für einzelne Kunstschaffende so gut wie unmöglich ist.

Die VG Bild-Kunst hat insgesamt 65.172 Mitglieder (Stichtag: 31.12.2020). Davon gehören 23 Prozent der Berufsgruppe I (bildende Kunst), 58 Prozent der Berufsgruppe II (Foto, Illustration Design) und 19 Prozent der Berufsgruppe III (Film) an.

Quelle: https://mmm.verdi.de/medienwirtschaft/hoehere-ausschuettung-bei-vg-bild-kunst-73295

Mitglied und somit Bezugsberechtigte können alle werden, die einen Mitgliedsantrag stellen, der dann von der VG Bild-Kunst geprüft und bei Erfüllung der Kriterien auch angenommen wird. Daraufhin bekommt man eine Urhebernummer zugeteilt, die dann in Verbindung mit einem Passwort bei der jährlichen Meldung von Ausstellungen und im Internet zu sehenden Bildern die Berechtigung ausweist.

► Die Mitgliedschaft bei der VG Bild-Kunst ist kostenlos. ◄.

Wie läuft das ab?

Zunächst muss man sich registriere. (siehe FAQs/Registrierung)

Einen Antrag stellen können Künstler/innen, Bildautor/innen und Filmschaffende mit Hauptwohnsitz in Deutschland, die freiberuflich tätig sind und in 2020 ein maximales Einkommen von EUR 60.000,- erzielt haben. Im Antrag wird eine Beschreibung des künstlerischen Werdegangs verlangt (Textfeld im Portal, maximal 1.200 Zeichen) mit Angaben zur künstlerischen Ausbildung, zu Ausstellungen, Pressemeldungen, Mitgliedschaften in Kunstvereinen etc. – also quasi die Künstlervita. Entsprechende Nachweise müssen bei Antragstellung digital vorliegen.

Siehe dazu auch auf der Website von VG Bild-Kunst: https://www.bildkunst.de/vg-bild-kunst/neustart-kultur-antragsportal-geschlossen/faq/antragstellung

Wer sich also seine Rechte für 2021 sichern und seine Anteile in 2022/2023 ausbezahlt haben möchte, kann sich sofort registrieren lassen. Die von den Berechtigten jährlich zu erstellende Meldung ist bis zum 30.06. jeden Jahres für das Vorjahr fällig und wird online ausgeführt.

Was kann gemeldet werden?

► Einzelbilder auf Webseiten: Bis zu 200 einzelne Abbildungen eigener Werke, die 2021 auf deutschen Webseiten gezeigt wurden – inklusive der eigenen Webseite (maximal 200 auf allen Webseiten insgesamt!)

Das sieht z.B so aus:

Einfach die URL der Website kopieren, auf denen eigenen Bilder zu sehen sind und Anzahl eintippen. Das Zählwerk zählt in roten Zahlen mit, wie viele Werke noch gemeldet werden können. Wenn noch keine 200 erreicht sind, EINTRAG HINZUFÜGEN. Danach JETZT MELDEN anklicken – fertig. Wenn etwas nicht meldefähig ist, bekommt man in der Regel eine E-Mail von der VG Bild-Kunst.

► Digitale Verlagsprodukte und Printausgaben der Presse: Zusätzlich können 200 einzelne Abbildungen eigener Werke melden, die in digitalen Verlagsprodukten veröffentlicht wurden (Onlineausgaben von Presseprodukten). Werke, die es in die Printausgaben der Presse geschafft haben, können in unbegrenzter Anzahl gemeldet werden. Hierzu zählen auch kleine Lokalzeitungen und Kunstzeitschriften.

► Werkpräsentationen (also Ausstellungen): Pro Jahr können bis zu 12 Werkpräsentationen / Ausstellungen in Deutschland gemeldet werden.

► Bücher: Wenn Ihre Werke in Büchern verwendet wurden, können Sie diese Bücher unter Angabe der Anzahl der dort verwendeten eigenen Werke melden. Museumskataloge lohnen sich besonders, denn dafür erhalten Sie eine Zusatzausschüttung! Außerdem ist es möglich, Bücher fünf Jahre rückwirkend zu melden – jetzt also ab dem Erscheinungsjahr 2017

► Honorare: Verwalten Sie Ihre Urheberrechte selber, so können Sie erzielte Lizenzhonorare melden. Achtung: Es geht hier nicht um Verkaufserlöse für Kunstwerke, sondern nur um Honorare für Nutzungsrechte, die Sie z.B. an Fotografien, Illustrationen oder Werken der bildenden Kunst eingeräumt haben!

Wie kann man melden?

Die Meldungen können bequem über das elektronische Meldeportal der Bild-Kunst eingereicht werden. Wenn es nur um wenige Meldungen geht, kann man auch von der Webseite der Bild-Kunst die Formulare herunterladen, ausdrucken, ausfüllen, scannen und per E-Mail oder per Post an die Geschäftsstelle schicken. Die Nutzung des Meldeportals vereinfacht der Geschäftsstelle die Arbeit sehr.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Kadée war unter anderem Zeitsoldat bei einer Fallschirmjägereinheit; Profi-DJ; – Moderator beim Privaten Rundfunk sowie auf Messen und Bühnen, Seminarleiter und Trainer für Moderation und Gründer und Präsident der Künstlervereinigung Fundus Artifex. Vor allem ist er aber eins – Künstler.

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 9. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil widmete sich Kadée; Emotionen auf dem Kunstmarkt. Diesmal teilt der Airbrush-Künsler Kadée seine Gedanken zum Kunstmarkt über „Die Kriterien der Wertermittlung bei Kunstwerken“. Dabei erläutert er die wichtigen Begriffe; Sujet, Provenienz, Marktfrische und Werkphase.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Teil 10

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Einerseits melden die großen Auktionshäuser Christie’s oder Sotheby`s Millionenumsätze beim Verkauf von Kunstwerken, andererseits können abertausende Werke gar nicht verkauft werden. Wie kommt das zustande?

In ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso & Co ein Vermögen aufbauen“ schreibt Dr. Franziska Ida Neuman dazu: „Neben der Größe des Kunstwerks und dem Bekanntheitsgrad des Künstlers zählen besondere Parameter wie die Attraktivität des Motivs (Sujet), die Herkunft des Objektes (Provenienz), die sogenannte Marktfrische sowie die Werkphase, in welcher das Kunstwerk entstanden ist, zu den Eckpfeilern der Wertermittlung.“ Vier Fachbegriffe, die es sich lohnt genauer unter die Lupe zu nehmen.

Zu 1.) Sujet

Das französische Wort „sujet“ [syˈʒɛ] steht für ein künstlerisch verarbeitetes Thema, also das Motiv eines Gemäldes. Für Galeriebetreiber/innen und Sammler/innen zählt hierbei ob und wie viele Gedanken sich der/die Kunstschaffende bei der Erstellung des Werkes gemacht hat. Besondere Bedeutung haben dabei neue, innovative und frische Ideen. „Sieht-so-aus-wie-Kunstwerke haben keine Chance auf eine nachhaltige Wertschätzung am Kunstmarkt, obwohl sie kurzfristig zahlreichen Kunstsammlern schmecken könnten“ erklärt dazu der Galerist und Kunstsachverständige Dr. Wolfram Völcker. Harald

Szeemann, Schweizer Museumsleiter, Kurator und Ausstellungsmacher stellt klar: „Den Betrachter des Kunstwerkes interessiert nämlich nicht das, was er schon weiß, sondern das Unbekannte, das Unglaubliche, das noch nie Gesehene, die Sensation, die dieses eigene Wissen übersteigt oder in verdichteter Form neu sichtbar werden lässt.“ Wolfram Völcker fasst zusammen: „Wir können also sagen, ein Kunstwerk hat eine hohe Qualität, wenn seine Wirkung auf den Betrachter besonders intensiv ist“.

Zu 2.) Provenienz

Provenienz ist aus dem Lateinischen hergeleitet von „provenire“ (entstehen, hervorkommen, geboren werden) und bezeichnet in der Kunstszene die Herkunft und verschiedenen Besitzverhältnisse eines Kulturguts. Die Verbindung zum Kunstmarkt erklärt die Provenienzforscherin Isabel von Klitzing: „Seit jeher spielt die Herkunft eines Werkes (Provenienz) für den Handel eine große Rolle.

Wie einem guten Wein ist eine einwandfreie Herkunft aus „erster Lage“ auch bei einem Kunstwerk ein Gütesiegel für Qualität, das Schlüsse auf die Echtheit eines Objektes zulässt und seinen Wert bezeugt.“ Zur einwandfreien Herkunft eines Kunstwerkes gehört insbesondere die Frage wer es geschaffen hat. „Der Name des Künstlers spielt im Bewertungsvorgang zur Erstellung des Handelswertes eine zentrale Rolle. Denn der Name ist gleichermaßen ein Zeichen der Herkunft und der Authentizität“, sagt der Kulturmanager Prof. Dr. Dirk Boll und ergänzt:

„Durch die Signatur des Künstlers wird das einzelne Werk gewissermaßen beglaubigt“ Auch in unterschiedlichen Berechnungsmodellen für Werke der bildenden Kunst wird der Künstlerfaktor als besonders preisrelevant angegeben, wie Prof. Boll bestätigt: „Für den Künstler- oder Kunstfaktor sind die Bekanntheitsgrade einer Künstlerin / eines Künstlers ausschlaggebend, die Beteiligung an wichtigen Ausstellungen, Art und Zahl von Stipendien und Preisen oder die Erwähnung in Feuilletons“ […] „War es früher so, dass der künstlerische Wert den Großteil des Handelswertes bestimmte, und damit Fragen der kunsthistorischen Legitimierung und der Seltenheit des Werkes den Preis bestimmten, so wurde die Bandbreite von Kriterien um Breitenwirkung, Provenienz, Marktgeschichte und Wertentwicklung erweitert“.

Zu 3.) Marktfrische

Werke der Gegenwartskunst werden zusätzlich auch nach ihrer Marktfrische beurteilt. Es wird die Frage gestellt: Wie oft wurde das Werk in den letzten Jahren öffentlich zum Verkauf angeboten – und nicht verkauft? Bei Ladenhütern, die schon in der zehnten Ausstellung und auf der fünften Messe gezeigt wurden, sinkt der Preis. Ein Faktor dabei ist auch ob in diesen Werken der sich regelmäßig ändernde Zeitgeist eingefangen und ausgedrückt wurde.

Zu 4.) Werkphase

Während der vielen Jahre künstlerischen Schaffens entwickeln sich Künstler/innen in der Regel weiter. Diese Werks- oder Schaffensphasen können zeitlich (z.B. Werke zwischen 1952 und 1961), räumlich (z.B. Pariser Arbeiten) oder thematisch (z.B. grüne Periode) gegliedert sein. Diese Einteilungen sind meist Zuschreibungen durch etwa Kunsthistoriker/innen oder Biograf/en/innen. Die Kunstwerke werden auch häufig in „frühes -“, „mittleres -“ oder „spätes Werk“ unterteilt. Häufig findet man im Zusammenhang mit dem Spätwerk Begriffe wie „abgeklärt“, „gereift“ o.Ä. Als Beispiel kann hier Pablo Picasso dienen:

Naturalistisches Frühwerk (1898–1901)
Rezeption des Post-Impressionismus (1901–1902)
Blaue Periode (Herbst 1902–1904)
Rosa Periode (1904–1906)
Frühkubismus (1907–1908)

Allgemein gilt was Prof. Wolfram Völcker sagt: „Neben der Authentizität und der Glaubwürdigkeit muss sich […] immer eine Eigenständigkeit ausmachen lassen“, womit sich der Kreis zum Sujet schließt. Fazit: Um auf dem Kunstmarkt sichtbaren und spürbaren Erfolg zu haben, reicht es leider nicht aus „einfach nur zu malen“ und zu glauben „meine Bilder sprechen für sich“ sondern es gilt sehr komplexe Vorgänge und Zusammenhänge zu kennen und darauf zu reagieren.

Der Kunsthistoriker, Kunstpublizist und Herausgeber der Fachzeitschrift KUNSTFORUM, Dr. Martin Seidel, sieht es so: „Erfolgsfaktoren sind weder die – nicht messbare – Qualität von Kunst noch Preise und Umsatzerfolge. Sondern die Wahrnehmung von Künstler/innen, die Zahl ihrer repräsentativen Einzel- und Gruppenausstellungen, die Ankäufe großer Museen und die Erwähnung in Feuilletons und Kunstmagazinen“.

„Ein fast ebenso wichtiger Erfolgsfaktor wie Reichtum und Vermögen ist das soziale Kapital: das Eingebundensein in familiäre und lokale Netzwerke und Berufsorganisationen, die Vernetzungsfähigkeit, Kontaktfreudigkeit, Liebenswürdigkeit und die charismatische Wirkung“ meint der Kunsthistoriker Dr. Christian Saehrendt und stellt weiter fest: „Unabhängig von materiellen und sozialen Startvorteilen sind psychische Stabilität und Eigenschaften wie Resilienz (also die psychische Widerstandskraft und Fähigkeit, schwierige Lebenssituationen ohne anhaltende Beeinträchtigung zu überstehen [Anm. Kadée] ) Beharrlichkeit und Zielstrebigkeit von Bedeutung“.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 8. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil definierte Kadée; Kreativität, Kunst und Kultur, denn die Begriffe sind nicht Deckungsgleich. Dieses Mal widmet Kadée sich Emotionen, eine wichtige Säule in der Kunst der Kommunikation. Hilfreich für Künstler, Galeristen und alle, die auf dem Kunstmarkt Fuß fassen möchten.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Teil 9

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Der Homo Sapiens, also der vernunftbegabte Mensch, wird entgegen seiner Bezeichnung größtenteils von Hormonen und Emotionen gesteuert. Logik und Vernunft sind oft mit den ständig wechselnden Emotionen schlecht vereinbar. Häufig kommt es vor, dass Werke emotionsgeladener Künstler/innen von auf Fakten beruhenden Rezensionen durch Journalisten oder Kunsthistoriker vermeintlich „verrissen“ werden.

Daher lohnt es sich einmal anzusehen, welche Emotionen unseren Blick auf die Welt beeinflussen und welche Auswirkungen sie auf die Kommunikation untereinander haben. Aufgrund der von mir durchgeführten Seminare über Kommunikation und Bühnenmoderation, sowie umfangreiche Recherchen und Auftrags-Illustrationen für Kurse und ein Buch über Empathie, habe ich 2017 eine Tabelle erstellt, die unterschiedliche Ansätze zu diesem Thema zusammenfassen. Die in der „Tabelle der Emotionen“  verwendeten Figuren, Sens (von lat. sensus = Empfindung, Gefühl) und Molli (von lat. mollis = gefühlvoll), zeigen stilisierte Gesichtszüge und Körperhaltungen zu den einzelnen Emotionsstufen. Die verwendeten Zahlen von 00 bis 500 sind quasi Energiepunkte. Je höher die Zahl, desto eher sind Menschen in der Lage zu agieren und zu kommunizieren.

Kunstwerke unterscheiden sich im Wesentlichen von purer Dekoration (wie etwa Gardinen oder Tapeten) dadurch, dass es Unikate sind und dass sie etwas kommunizieren wollen. Je höher die Kommunikationsbefähigung und die Kommunikationsbereitschaft sind, desto eher lassen sich Menschen auf einen Dialog mit Kunstschaffenden und ihren Werken ein.

Apathische, trauernde, empfindungslose, verzweifelte und besorgte Menschen (00 bis 102) sind – mit der Ausnahme von Musik – für die meisten Kunstformen kaum erreichbar. Auf der Maslowschen Bedürfnispyramide (siehe Teil 6 von „Kadée’s Gedanken zum Kunstmarkt“) befinden sich diese Leute auf den unteren Stufen und sind mit künstlerischen Darbietungen wie Konzerten oder Vorführungen nur sehr kurz auf ein höheres Emotionsniveau zu bringen. Häufig, wenn auch eher negativ, sind die darüber liegenden Emotionsstufen zu beobachten, zu hören und zu spüren (versteckt feindselig [110] bis antagonistisch [200]). Die Aussagen in diesen Beispielen sind weder objektiv noch sachbezogen:

Erst über diesen Stufen besteht die Möglichkeit zu einer sachbezogenen Kommunikation über die ausgestellten Werke. Von Monotonie bis zu mildem Interesse (240 bis 295) braucht es zwar schlagkräftige Argumente, die im Verkaufsgespräch zu verbesserter Laune und einem höheren Kommunikationsniveau führen, bei guter Vorbereitung ist das jedoch durchaus machbar.

Ein Bilderverkauf im Rahmen einer Ausstellung oder Messe findet am ehesten in den Levels zwischen Konservatismus (300) und Begeisterung (400) statt. Man rennt quasi offene Türen ein. Dabei ist stets zu Bedenken: Ich kann andere Menschen nur begeistern, wenn ich selbst begeistert bin. Je höher also mein eigenes Energielevel, meine eigene Emotionsstufe ist, desto eher kann ich andere Menschen überzeugen und ihnen mein Bild, von dem ich natürlich selbst überzeugt sein muss, näher bringen und schlussendlich auch verkaufen.

Eine gelangweilte Galeriebesucherin kann ich eher in ein Gespräch verwickeln als eine wütende, einen feindseligen Gast besser als einen enttäuschten. Dazu gibt es eine Regel, die Gold wert sein kann: Quatsche deine Gesprächspartner nicht voll, sondern höre ihnen zu und sorge dafür, dass sie reden, zunächst über sich und ihre Gefühle, später über dich und deine Werke. Sie werden dir allein für dieses Gespräch dankbar sein.

Für die Anwendung in der Praxis braucht es ein Quantum an abrufbarem Wissen über diese Abläufe und natürlich regelmäßige Übung. Am besten gleich bei der nächsten Ausstellung anfangen.

In 14 Tagen erscheint der 10. Teil von Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt. Das Thema: Top oder Flop – Die Kriterien der Wertermittlung bei Kunstwerken. Es bleibt spannend.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

In wenigen Tagen startet die erste Ausstellung von André Brümmer in Berlin!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 7.  Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil gab Kadée Antworten auf die Frage, wann ist man ein Künstler?. Diese Woche definiert Kadée; Kreativität, Kunst und Kultur, denn die Begriffe sind nicht Deckungsgleich.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kreativität, Kunst und Kultur – drei nicht deckungsgleiche Begriffe

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Jeder Mensch wird mit einer Anzahl verschiedener Begabungen kreativer, praktischer, intellektueller oder auch musischer Art in unterschiedlicher Intensität geboren. Schon in den ersten Lebensjahren sind erste Begabungen erkennbar. Sind es eher praktisch veranlagte Kinder, die gern mit Werkzeugen hantieren, körperbetonte Typen, denen sportliche Aktivität wichtig ist oder sind sie musisch interessiert, wollen Instrumente spielen oder ständig Bilder malen. In allen Bereichen sind Menschen auch kreativ.

Schon die Herleitung vom lateinischen Wort „creare“ das „erschaffen, hervorbringen“ bedeutet, zeigt die Bandbreite. Im DUDEN wird die Bedeutung von kreativ mit „schöpferisch; Ideen habend und diese gestalterisch verwirklichend“ definiert. Einfallsreichtum, Erfindungsgabe und Fantasie sind im Leben und in allen Berufen gefragt, die dann gestalterisch verwirklicht werden und so den Fortschritt der Menschheit begleiten.

Im Ingenieurswesen z.B. sind es geistig-kreative > logische < Prozesse, im Handwerk geistig-kreative > praktische < Prozesse, die Lösungen zu auftretenden Problemen liefern. Die Kreativen also ausschließlich im künstlerischen Umfeld zu suchen, wie es gern getan wird, ist also etwas kurz gegriffen. Kunst ist ein komplizierter, geistig kreativer, > musischer < Prozess, der durch Künstler/innen als Kunstwerk auf mannigfache Art und Weise sichtbar, hörbar oder fühlbar gemacht wird. Nur etwa 1-2% der Menschheit ist musisch kreativ als Künstler/in tätig. Klar ist: Die Fähigkeit, bewusst Kunstwerke zu schaffen, ist eine der elementarsten, die den Menschen vom Tier unterscheidet.

Das Wort Kunst kommt aus dem Alt- bzw. Mittelhochdeutschen und bedeutet: Wissen, Kenntnis, Weisheit, Geschicklichkeit, Erleuchtung des Innern (Quelle: Mittelhochdeutsches Taschenwörterbuch, Matthias Lexer, 1992)

Im allgemeinen Sprachgebrauch wird Kunst vornehmlich den bildenden Künsten zugeschrieben was unkorrekt ist: „Es wird Kunst und Musik geboten“ oder „Kunst und Literaturabend“ ist häufig zu lesen ,. Denn auch Musik, Schriftstellerei und Schauspielerei gehören zur Kunst.

Der DUDEN sagt daher zu Kunst: schöpferisches Gestalten aus den verschiedensten Materialien oder mit Mitteln der Sprache und der Töne.

Kunst entsteht als Idee im Kopf und tritt erst in Erscheinung, wenn sie von Kunstschaffenden als Kunstwerk (Buch, Partitur, CD, Gemälde, Plastik, Drehbuch, Bühnenstück, Film etc.) erschaffen oder als Aufführung kommuniziert wird.
Alles was der Kunst zugeschrieben wird ist Teil der menschlichen Kreativität, aber nicht alle Kreativität wird zu Kunstwerken. Kunst und das daraus entstehende Kunstwerk sind Ergebnisse eines kreativen Prozesses, ein menschliches Kulturprodukt.

Der Begriff „Kultur“ist abgeleitet von den lateinischen Wörtern „cultura“ bzw. „cultus“ und steht laut „PONS Wörterbuch Latein“ u.a. für: Bearbeitung, Wartung, das Schmücken, geistige Erziehung, Lebensweise etc. Kultur ist im weitesten Sinne alles, was der Mensch selbst gestaltend hervorbringt, im Unterschied zu der von ihm nicht geschaffenen und nicht veränderten Natur.

Kreativität ist also nur ein Teil der Kultur und somit nicht etwa deckungsgleich. So sind die Erfindungen des Buchdrucks und des Automobils wohl sicher ebenso kulturprägend wie die Werke Ciceros, Da Vincis Mona Lisa, „Der Herr der Ringe“ oder Coca-Cola und McDonalds. Diese Liste ließe sich mit tausenden von Beispielen fortsetzen.

Kunst unterteilt sich in die vier Genres „Wort, Musik, bildende Kunst und darstellende Kunst“. Sie ist ein Teil der allgemeinen Kreativität und somit ein Fragment der gesamten Kultur. Den Begriff „Kultur“ allein den schönen Künsten zuzuschreiben, wie es allgemein üblich geworden ist, halte ich daher für unangemessen. Es „Kunstkultur“ zu nennen, träfe eher zu.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil. https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 6. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil klärte Kadée auf; wer Kunst kauft und warum. Diese Woche wirft er einen differenzierten Blick auf Kunstschaffende. Wann ist man ein Künstler?

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Wann ist man ein/e Künstler/in?

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:
„Jeder Mensch ist ein Künstler“ ist eine häufig verwendete aber unvollständig zitierte Aussage von Josef Beuys. Tatsächlich hat er 1984 in einem Interview mit dem Nachrichtenmagazin DER SPIEGEL gesagt: „Jeder Mensch ist ein Träger von Fähigkeiten, er ist ein Künstler, ob er nun bei der Müllabfuhr ist, Krankenpfleger, Arzt, Ingenieur oder Landwirt“. Demzufolge wäre jeder Mensch – also auch jede/r Künstler/in – ebenfalls Sportler, Wissenschaftler, Handwerker etc. etc. nur weil er oder sie eventuell die Fähigkeiten dazu hat. Das darf in der Summe wohl eindeutig bezweifelt werden.

„Jeder Mensch sollte Künstler sein. Alles kann zur schönen Kunst werden.“ So drückte es der deutsche Philosoph Novalis Ende des 19. Jahrhunderts als Möglichkeit oder Wunsch aus, der die besondere Kunstfertigkeit der jeweiligen Profession – Handwerkskunst, Ingenieurskunst usw. – hervorheben soll.

Mit solch vagen Aussagen geben sich weder der Kunstmarkt noch die Gerichte zufrieden. Auch nicht die Finanzverwaltung, , die Künstler/innen als Freiberufler einstuft. Besonders das Finanzamt prüft gern, ob die künstlerische Tätigkeit als steuerlich „nicht relevante Liebhaberei“ eingestuft wird, weil keine „Gewinnerzielungsabsicht“ erkennbar ist.

Der Bundesfinanzhof (BFH) hat in einem Urteil aus dem Jahr 2003 Kriterien entwickelt, die in eine Gesamtwürdigung bei der Frage, ob eine Gewinnerzielungsabsicht vorliegt einzubeziehen sind. Bei einer durch folgende Punkte nachgewiesenen, hauptberuflichen künstlerischen Tätigkeit ist in der Regel nur in Ausnahmefällen eine steuerlich nicht relevante Liebhaberei anzunehmen:

1.) ► Art der künstlerischen Berufsausbildung und Ausbildungsabschluss
2.) ► Künstlerische Tätigkeit als alleinige Existenzgrundlage des Steuerpflichtigen
3.) ► Berufstypische professionelle Vermarktung (z.B. Teilnahme an Ausstellungen);
4.) ► Besondere betriebliche Einrichtungen (z.B. Atelier)
5.) ► Erwähnung in einschlägiger Literatur
6.) ► Erzielung gelegentlicher Überschüsse
7.) ► Schaffung von Werken, die für erwerbswirtschaftliche Verwertung bestimmt sind und daher bei entsprechender Marktnachfrage verkauft werden können.

Bei den Punkten 1.), 3.) und 5.) gibt es eine Übereinstimmung mit den Anforderungen, die in der für eine erfolgversprechende Teilnahme am Kunstmarkt notwendigen Künstlervita gestellt werden. Es wird also klar zwischen Hobbyismus / Amateurtum und Profitum / ernsthafte Künstlerschaft unterschieden.

Der Duden definiert den Begriff Künstler eher knapp mit: „jemand der Kunstwerke hervorbringt oder darstellend aufführend interpretiert“ Hier erlaube ich mir eine Verifizierung: Künstler/in kann man nicht werden, sondern man wird als Künstler/in geboren. Der Drang zu malen, zu musizieren, zu schreiben und sich auf einer Bühne präsentieren zu wollen, ist von klein auf zu spüren.

Ob und in welchem Maße man dann diese Berufung ausübt, entscheiden oft Beschränkungen oder Freiheiten, welche die Gesellschaft auferlegt oder gewährt. Jeder Mensch hat unterschiedliche, meist mehrere kreative Fähigkeiten. Bei Künstler/n/innen sind die Fähigkeiten musischer Art überproportional vorhanden und mit dem Verlangen gekoppelt, seine/ihre Kunst zu leben, zu produzieren und zu zeigen. Wer aufhört zu produzieren, hört auf ein/e Künstler/in zu sein. Ein/e gute/r Künstler/in vereint sowohl Fähigkeiten (Begabung) als auch Fertigkeiten (Handwerk) auf optimale Weise. Wer beides maximal verbinden kann ist ein Genius.

Es beginnt mit der Entscheidung sich selbst als Künstler/in zu deklarieren und diese Berufsbezeichnung überall zu verbreiten. Es hat zu tun mit der Entscheidung vom Verkauf seiner Werke oder künstlerischen Dienstleistungen leben zu wollen, sich eventuell einen Künstlernamen zuzulegen und ihn im Personalausweis eintragen zu lassen. Ernsthafte Künstler/innen können nur eine Produktivität, Gestaltungshöhe und Klasse erreichen, die von Kennern, Sammlern und Käufern akzeptiert und honoriert wird, wenn sie sie sich hauptsächlich oder sogar ausschließlich ihren künstlerischen Tätigkeiten widmen.

Als Künstler/in, gleich welchen Genres, sollte man sich zunächst eine möglichst hohe fachliche Kompetenz aneignen. Das allein ist schon ein enormer Aufwand. Ein akademisches Studium ist nicht zwingend notwendig, wenngleich es in der Vita klar von Vorteil ist. Es ist ratsam eine fundierte Ausbildung zu absolvieren, denn Kreativität ohne die handwerklichen Möglichkeiten für die künstlerische Umsetzung seiner Ideen zum Kunstwerk zu haben, wird in Frustration ohne brauchbares Produkt enden.

In 14 Tagen erläutert Kadée die Unterschiede zwischen Kreativität, Kunst und Kultur – drei nicht deckungsgleiche Begriffe

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil. https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 5. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“, in dem er sich der Wichtigkeit der Pressearbeit von Künstlern gewidmet hat. Das aktuelle Thema: Kunst- und Künstlermarketing. Heute geht der Künstler einer wichtigen Frage auf den Grund; Wer kauft überhaupt Kunst? – und aus welcher Motivation heraus werden Kunstwerke gekauft? Dem ein oder anderen Künstler kann Kadée mit seiner Erfahrung garantiert noch weiterhelfen.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler Kadée finden Sie hier:
Kadée im Interview &#8211; Normal ist langweilig

Wer kauft Kunst? –  und warum?

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Es ist wohl unstrittig, dass Menschen, unabhängig von Alter, Geschlecht, Herkunft oder gesellschaftlichem Status, Kunst um sich herum brauchen, um seelisch gesund zu bleiben. Musik und Tanz, Geschichten als Buch, Film oder Vorführung und die optisch ästhetische Gestaltung ihrer Umgebung ist ein inneres Bedürfnis, das von der Kindheit bis zum Alter erlebt und umgesetzt wird. In welchem Ausmaß das geschieht ist allerdings von der Erfüllung einiger Grundbedürfnisse abhängig.

Der amerikanische Psychologe Abraham Herold Maslow hat diese grundlegenden Bedürfnisse erforscht und in der „Maslowschen Bedürfnispyramide“ zusammengefasst. Seine achtstufige Fassung von 1970 habe ich als Grundlage für meine Betrachtung in Bezug zum Kunstmarkt genommen.

Solange also die Grundbedürfnisse des akuten und auch zukünftigen Überlebens nicht gesichert sind, besteht in der Bevölkerung kaum ein Interesse an einem Kauf von hochwertigen Kunst-Unikaten. Der Frage, weshalb Menschen überhaupt Kunstwerke kaufen, hat sich die FAZ (Frankfurter Allgemeine Zeitung) angenommen und als Statistik veröffentlicht. Ich habe zum besseren Verständnis die Verbindung zu den Stufen der Maslowschen Bedürfnispyramide eingefügt.

Dr. Franziska Ida Neumann schreibt dazu in ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso § Co. ein Vermögen aufbauen“: „Die im Mai 2018 erschienene Grafik zeigt deutlich, dass sich weder die Jagd nach einer attraktiven Rendite noch die Portfolioversifikation unter den drei am häufigsten genannten Gründen wiederfinden. Vielmehr geben ideelle und gesellschaftliche Motive den Ausschlag zum Kunstkauf.“ Und sie ergänzt: „Dass es die dekorativen Gründe auf Platz eins geschafft habe, ist wenig verwunderlich. Gerade in Europa und Nordamerika richtet sich nahezu jeder private Haushalt mit Kunstwerken im weitesten Sinne ein.“

In den öffentlichen Medien, die aus Gründen der Auflagenerhöhung zu Schlagzeilen mit Sensationsmeldungen neigen, kann der Eindruck entstehen, dass ausschließlich Multimillionäre den Kunstmarkt beherrschen. Für die Werke aus den TOP 100 des Kunstkompass mag das zutreffen. „Kunstbesitz ist so ziemlich die einzige anständige und von gutem Geschmack erlaubte Art, Reichtum zu zeigen“ sagte der Kunsthistoriker Max Jacob Friedländer schon vor über 60 Jahren, als die Preislevel noch deutlich unter dem heutigen Niveau lagen. Robert Fleck, Professor für Kunst und Öffentlichkeit an der Universität Düsseldorf, stellte 2013 fest: „Die Anzahl der mittleren und größeren Sammler, die zeitgenössische Kunst um mehrere hunderttausend Euro oder mehr pro Jahr erwerben, nahm in den letzten 15 Jahren deutlich zu.“

Dieser Trend hält trotz Corona-Pandemie offensichtlich weiter an. „Kunst wird zu einem erweiterten Statussymbol; der Eigentümer zeigt nicht nur seine finanzielle Potenz, sondern dass er über die ökonomischen Unterschiede hinaus über intellektuelle Fähigkeiten verfügt, die der Mehrheit abgehen“ wird der Kulturmanager und Präsident (EMEA) des Auktionshauses Christie’s, Prof. Dr. Dirk Boll, im Buch „Was kostet Kunst?“ zitiert.

Für die Werke der Künstler/innen auf den Plätzen 101 bis 10.000 des Kunstkompass’ stellt Professor Fleck etwas andere Bedingungen fest: „Die besondere konkurenzielle Situation unter Sammlern auf dem Kunstmarkt der letzten Jahre ist eine Erklärung dafür, dass viele Sammler eine aktive Kooperation mit den Künstlern suchen, für die sie sich interessieren.“

Die Kunstjournalistin Claudia Herstatt hat dazu für ihr Buch „Fit für den Kunstmarkt“ Sammler/innen befragt und sieht hier eine andere Seite. „Große Namen zu Spitzenpreisen zu kaufen ist nicht angesagt. Mit neuer Kunst umzugehen ist wie Roulette; Entdeckungen zu machen ist der Spaß des Sammlers“ sagt Inge Rodenstock, Sammlerin aus Grünwald bei München und Harald Falckenberg, Sammler aus Hamburg, meint: „Der Reiz für einen Sammler wie mich liegt darin, Neues zu entdecken“ Zu einem ähnlichen Ergebnis kommt auch Dr. Ida Franziska Neumann: „Gesammelt wird, was gefällt. Oder was thematisch in die Kollektion passt. Kunstsammler sind passionierte Kunstjäger, immer auf der Suche nach dem nächsten Objekt. Anders als finanzorientierte Investoren liegt die Befriedigung des Kunstsammlers nicht in der Rendite beim Wiederverkauf, sondern vielmehr darin, ein originelles, seltenes oder besonders begehrtes Objekt erstanden zu haben“

Die Betrachtungen sind hier breit gefächert, wie Professor Boll feststellt: „Der Käufer möchte durch den Erwerb eines Kunstwerkes einen Nutzen realisieren: Rezeption und Kunstgenuss, Dekoration des häuslichen Umfeldes, Prestigegewinn als ästhetischer -, Kapitalanlage als finanzieller Nutzen“.

Was bedeutet dies alles nun für die Künstler/innen, die sich auf dem Kunstmarkt behaupten wollen? Sowohl die Maslowsche Bedürfnispyramide wie auch die Umfragestatistiken zeigen, dass 62% also nahezu 2/3 aller preislich relevanten Verkäufe (über 1.000,- €) in den Bevölkerungsgruppen stattfinden, bei denen ein sicherer Wohlstand vorhanden ist und es kaum Zukunftsängste gibt. Das ist die definierte Zielgruppe für professionelle, ernsthafte Künstler/innen. Es sind meist Menschen im mittleren oder gehobenen Management, selbständige Unternehmer/innen oder auch Erben größerer Vermögen. Sie verfügen über ausreichend finanzielle Mittel und sind auch grundsätzlich am Ankauf von Kunstwerken interessiert. Meist aber fehlt es ihnen an ausreichend Zeit nach für sie geeigneten Werken zu suchen. Sie besuchen die zahlreichen Kunstmessen und Biennalen, wo hunderte von Galerien tausende Kunstwerke ausgewählter Künstler/innen zeigen.

„Nur in Kinofilmen schwärmen Sammler aus, um Gemälde von heruntergekommenen Künstlern zu kaufen. Mit sehr wenigen Ausnahmen wollen die meisten Sammler Arbeiten von Künstlern kaufen, die auf dem Weg nach oben sind“ gibt die amerikanische Kunstjournalistin und Kolumnistin Carole Katchen zu bedenken. „Selbst der Käufer, dem Kunst als Investition egal ist, der bloß ein schönes Bild will, um es über das Sofa zu hängen, möchte das Gefühl haben, dass das Bild von einem Künstler gemalt wurde, der es ‚zu etwas bringen wird‘ “.

Um diesen Anforderungen zu entsprechen, sollte es für die kaufinteressierte Kundschaft neben einem hohen Gestaltungsniveau der Kunstwerke zusätzlich auch eine aussagekräftige Künstlervita und umfangreiches Begleitmaterial von und über die Kunstschaffenden geben.

In 14 Tagen kommt der 7. Teil der Serie – Wann ist man ein/e Künstler/in – ein differenzierter Blick auf Kunstschaffende.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil. https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den vierten Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“.
Das aktuelle Thema: Kunst- und Künstlermarketing. Heute äußert Kadée sich zu dem Thema Pressearbeit. Dem ein oder anderen Künstler kann Kadée mit seiner Erfahrung garantiert noch weiterhelfen. Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler Kadée finden Sie hier:  Normal ist langweilig

Pressearbeit für Künstler

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Ein Wort mit mehr Gewicht als es scheint und mit einer Menge Tücken: Pressearbeit. Zunächst sollte klar sein, dass die Zeitungen nicht für die Kunstschaffenden schreiben, sondern für ihre Leser. Das Ziel ist möglichst hohe Auflagen zu verkaufen, damit die Anzeigen der werbetreibenden Industrie eine maximale Verbreitung finden.
Die Redaktionskonferenz entscheidet über den Abdruck eines Berichtes danach, ob es eine Schlagzeile gibt, die Interesse weckt.

„In der Zeitung steht nur der, der für Aufsehen sorgt. Der „normale“ Künstler, der solide und seriös seine Arbeit macht, fällt selten besonders auf“ schreibt Günter Weiler in seinem Buch „Lust auf Erfolg“. Der Galerist und Kunstsachverständige Wolfram Völcker stößt ins gleiche Horn: „Der Künstler muss etwas Neues, etwas Modernes machen, etwas, das vor ihm so noch keiner anderer getan hat.“

Viele Künstler/innen denken, dass die Qualität der Ausführung maßgebend dafür ist, dass sich Kunstsammler für ihre Werke interessieren. Es reicht aber nicht aus, Ideen sind gefragt. „Den Betrachter des Kunstwerkes interessiert nämlich nicht das, was er schon weiß, sondern das Unbekannte, das Unglaubliche, das noch nie Gesehene, die Sensation, die dieses eigene Wissen übersteigt oder in verdichteter Form neu sichtbar werden lässt“, sagt Harald Szeemann, Schweizer Museumsleiter, Kurator und Ausstellungsmacher von internationalem Rang.

Und genau so sehen es die Journalist/en/innen auch. „Zeitschriften interessieren sich selten einfach nur für die Qualität der Arbeit. Sie suchen nach etwas Ungewöhnlichem über die Arbeit oder den Künstler, dass für ihre bestimmten Leser von Bedeutung sein wird“ gibt die Kunstjournalistin Carole Katchen zu bedenken.

Natürlich ist es von Bedeutung, dass Kunstschaffende ihr Handwerk verstehen, es ist die Basis für jedwedes nachhaltige Marketing. Selbst das beste Bild der Welt findet erst dann eine angemessene Beachtung, wenn ein klangvoller Name dahinter steht. Ein guter und weitreichender Ruf entsteht nicht einfach so, sondern einen Namen muss man sich machen. Abgedruckt mit einem großen Foto daneben erreicht man diese Wirkung. Den ersten Bericht in der Tageszeitung des Wohnortes oder Landkreises zu bekommen, ist die größte Hürde. Er kommt aber nur dann, wenn die Redaktionen auch von den Künstler/n/innen regelmäßig über sich und ihre Aktionen informiert werden. Es kann ein, zwei oder mehr Jahre dauern, bis es klappt.

Die besten Chancen bieten sich im Sommerloch oder in der Zeit direkt nach Weihnachten, wenn es wenig Veranstaltungen und politische Aktivitäten gibt. Die Pressemitteilung sollte gut zwei Wochen vor einer Veranstaltung bei der Lokalredaktion eingegangen sein.

Wer auf Nummer sicher gehen möchte, sollte die Pressemitteilung von einer Presseagentur schreiben lassen, weil dort Journalist/en/innen arbeiten, die im Stil der Zeitungen schreiben. Solche professionell erstellten Mitteilungen haben eine deutlich höhere Chance im Ordner für Wiedervorlage statt im Papierkorb zu landen. Fernziel sollte es sein, in den einschlägigen Kunstmagazinen erwähnt zu werden ( von „arteMagazin“ bis „Zeitkunst“ gibt es davon etwa 50 im D-A-CH-Raum), um sich auf dem Kunstmarkt zu etablieren.

In 14 Tagen geht es weiter mit Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt und Kunst- und Künstlermarketing!

Künstler die Hilfe bei ihrer Pressearbeit brauchen können gerne Kontakt aufnehmen.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil. https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den dritten Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“.
Das aktuelle Thema: Kunst- und Künstlermarketing. Heute äußert Kadée sich zu Künstlernamen. Künstler stehen immer wieder vor der Frage, Klarname oder Pseudonym? – Dem ein oder anderen kann Kadée garantiert bei der Entscheidung helfen. Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler Kadée finden Sie hier:  Normal ist langweilig

Kunst- und Künstlermarketing #4 – Der Künstlername

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

In der Musikbranche und auch bei Schriftstellern ist es längst üblich, mit einem Pseudonym als Künstlernamen zu arbeiten, denn die Werke sollten sich mit einem Namen und/oder einem Erscheinungsbild verknüpfen lassen, um den Wiedererkennungswert zu erhöhen. Natürlich ist das grundsätzlich auch mit dem bürgerlichen Namen möglich. Spätestens bei der Eingabe in eine Suchmaschine wie Google stellt sich heraus, ob der Name ein sogenanntes Alleinstellungsmerkmal hat. Wenn die erste Ergebnisseite mit Links zur eigenen Person gefüllt ist und auch beim Klick auf „Bilder“ die ersten drei Reihen lückenlos eigene Werke zeigen, dann ist es okay, denn man wird gezielt gefunden.

Mit einem exotischen Künstlernamen ist dieses Ergebnis jedoch sehr viel leichter erreichbar. Wichtig ist und bleibt, dass der Name eine möglichst starke Verbreitung findet. „Weniger bekannte Namen – seien es die der Anbieter oder die der Künstler – werden weniger häufig angeklickt“ stellt Dirk Boll, Präsident für Europa des Auktionshauses Christie`s, fest.

„Nomen est Omen – der Name ist ein Zeichen“ wussten schon die alten Römer. Heute sagt man eher „Der Name ist Programm“. Für Künstler/innen und ihre Werke gehören die Titel der Werke und die Namen der Kunstschaffenden zum Programm, sollen einen guten Klang haben. „Als Künstler ist Ihr Name das Schlüsselelement Ihres ganzen Werbekonzepts. Ihr Name kennzeichnet beides, Sie und Ihre Arbeit. Die erste und größte Hürde ist es, die Leute dazu zu bringen, Ihren Namen zu kennen“, schreibt die amerikanische Publizistin Carole Katchen. Je bekannter also der Name ist desto eher wird das Werk beachtet und auch verkauft.

In 14 Tagen widmet sich der Künstler Kadée dem Thema Pressearbeit!

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil. https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde. Fotografien, Kunstdrucke in unserem Shop!

Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS  – Was ist schön?

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen:

The original interview with Kadée was published in German on June 13, 2021. Due to the frequent demand, it has now been translated into English.

Klaus –Kadée – Eberhardt was, among other things, a regular soldier in a paratrooper unit; a professional DJ; – moderator at commercial broadcasting as well as at fairs and stages, seminar facilitator and trainer for moderation and president of the artists’ association Fundus Artifex. But most of all he is one thing, an artist.

As of next Sunday, the 20.06.2021, Kadée will capture his thoughts regarding the art market at ARTTRADO. At “Kadée’s thoughts on the art market” there will be tips for artists, train of thoughts and reports based on real experiences. The first part will deal with art- and artist-marketing. Before it starts next week, we want to introduce the artist Kadée a bit. We have decided for an Interview at this point.

Kadée in an Interview

What does “Kadée” stand for?

Kadée is the phonetic spelling(2) of my initials of my (real) name in German.

Klaus = K = Ka (as in car)
Dieter = D = de (as in destination)
Eberhardt = E = e (as in ever)

The French acute accent on the first e (é) realises, that the name isn’t pronounced in an English or American way, like “Caddy”, but that it rather follows Central-European phonetics. Of course, I did work as a Caddy in a Golf-Club near Ratingen by Düsseldorf when I was a student, but that has been ages ago.

Are stage names important?

For those that want to live with and from their art, definitely: yes. In the music industry and also with authors it’s already very much common. Being good, or being very good isn’t just enough, the pieces should also be attachable to a name and persona. If I, for example, type in my normal name into Google, I won’t show up within the first 25 results at all. Same goes for “images”, only two from 25 hint on me as there exist thousand results with this name. If I type Kadée, however, the first page is filled with my persona and in “images” there is only one from 25 that shows a Belgian brewery, which is equally called Kadée.

You’re very present on Facebook, moderator of a variety of art groups with thousands of members and you manage several art sides. Do you do this besides your actual work, as an exchange, or do you see it as a direct part of your work?

As an art-creator I am a person of public interest. Therefore, everything I create is part of my work. The networking in the artist scene is as important as addresses of galleries, or art magazines, and the connection to newspapers et cetera. Since I believe that quiet many art-colleagues should receive this opportunity as well, I organised in 2015 a regional Facebook group for every state(3) including Austria and Swiss and a main group for all together. The term „fundus artifex“ with the abbreviation “fx” means, loosely translated from Latin; “collection or gathering of artists”. With the contribution of posts, answering of questions in the comment section, or personal messages on Facebook and LinkedIn I’m busy for several hours every day. Networking, you know. If I wouldn’t have done that, this Interview for example wouldn’t have ever happened.

Networking is important, more important is probably to know what one wants, since when did you know that you are an artist, or want to be one?

Since I can remember. I’ve always been drawing and since I was a kid I wanted to get on stage and into radio. Everything I did turn into reality, against every one of many pushbacks and despite one failure or another in between.

With what kind of medium, material and techniques did you start – with what do you work today?

At first with what you get taught in school: Pencils and water colours. Later, in the apprenticeship of becoming a window dresser, it was PLAKA-colours and professional marten-hair-brushes with which, besides the design of posters, I learned sign writing as well. In an interphase I then created 3D-pop-art pictures. Those were cling film stacked on top of each other and other various other coloured foils and papers, which produced a three-dimensional effect on the various layers.

A lot of materials and techniques are needed for my current VERTIGO-pictures. From the saw to the drill, hammer, diagonal cutter to glue and screws for the self-build frames, then 430g sail cloth, electric stapler, reflective foil, clear coat of different levels of quality for covering and varnish and, of course, my Airbrush-pistols next to the self-mixed Coelin-blue.

You’ve studied airbrush-design, how long does this study take and what could one envisage under it?

The study lasted 6 semesters and for the diploma I’ve added 4 semester masterclass by Roland Kuck. One learns the basics like perspective, lights and shadows, colour theory and anatomy, then the techniques how to showcase things like gold, silver and chromium or different forms of animal fur and much more. This includes the, at the beginning not-so easy to handle of the compressor and airbrush-pistol as well. Till now, this course is only available in Bochum’s „Institut für bildene Kunst und Kunsttherapie“(Institute for art and art-therapy) –short “ibkk” – as far as I know. By the way, it’s the best and most extensive education for airbrush-design in all of Europe.

Your works surely are something special. From 2022 on you’re planning to take part in different art fairs, could you tell us a bit about them already?

After two cancellations due to Corona-restriction, the ARTe in Sindelfingen is going to finally take place in 2022, for which I already booked a booth 2020 and 2021. There all of my VERTIGO-pictures will be able to be seen for the first time. And something that’s absolutely unusual in galleries and such fairs: Touching is wanted. Because the pictures should be twisted and turned, as well as combined with each other. Furthermore there will be one large-formated piece, which I create together with the Bremen Encaustic artist Njörn Unaveus. We call this mixed-technique “Aircaustic”; “Air-“ from Airbrush, which will be my part and “-caustic” from Encaustiv, Njörn’s partaking. In this, 20 image tiles measuring each 40x40cm will be combined into one 160x200cm big piece, which will bear the name of the Celtic forest-deity “Cernunnos” and which will, besides the unique performance, also touch upon the problematic of forest dieback. The base-photography of a foggy forest in autumn is contributed by the known and renowned Karlsruhe photographer Klaus Eppele. Something like that has been shown by no one.

How important are national or international art fairs for artists?

Nowhere else will you find a bigger gathering of people with a taste for art then on an art fair. For visitors, the appeal lies in the fact of viewing a gigantic selection of differing art styles and artworks, talking with the gallerists directly and being able to purchase from the selection directly. What is able to be done in one or two days here, would take weeks or months, till one managed to visit hundred or more galleries one at a time, or even gather art-creators in their hidden studios. For the artists this means, that they can face the competition directly, or even have to and should have good info-material on hand besides their paintings or plastics.

Which artist would you like to meet one day? Or rather; which artists have you already met?

Especially in my time as a moderator I’ve met a big number of known and lesser known stage-artists, announcing their shows or interviewing them. A few of my Facebook-contacts I know personally by now and will meet them, after the forced Corona break, finally at the artist regulars table “stuttgart artists”, which is hosted regularly by Martin Vogt from the Künstlerdienst(4). In the scene of the fine arts, there’ll be many more direct contacts through the planned fair visits alone. A difference between the art genres and if someone is famous or not is not made by me, I like to converse with everyone.

A wonderful character trait. Imagine we were the New York Times – what would you like to tell the world?

Oh, are we already at the point that the New York Times speaks for the whole world? So be it. I would call upon the political, economical and religious leaders of the world, to quickly change from agitation and propaganda to reason and logic, if a world end scenario-like state like “Armageddon”, “Ragnarök”, or scenarios like in End-of-the-World movies shall be avoided. My tip herby: More women in higher ranked positions!

…and what would like to change on the art market?

The crusted structures on one side and the insanity that takes places at auctions currently. It shall be granted to every male and female artist, the success which they’ve earned. If someone like Gerhard Richter, however, continues to be tip of the TOP 100 of the Kunstkompass since 17 years, certain doubts arise in me, if the evaluation criteria still correspond to our fast-paced time. Something like that doesn’t exist in any other genre of the fine arts.

…90 million dollars for an inflatable bunny? 69 million dollars for an NFT-Collage? 4.3 million dollars for a manipulated photography? Do you feel dizzy facing those numbers, or do you consider these prices “justified”?

These lunatic prices, most primarily the $450 million Dollar for the “Salvator Mundi”, have little to do with the artistic value of the artworks anymore. In this case, it’s rather about rich folks not knowing what to do with all their money. While, for example, the Gross domestic product, aka the economic output in the Euro-Zone has risen by 50% since 1999, there has also been a rise of 120% of the money supply in the same time. This means, there is at least twice to thrice as much money on the market as there are products and services. So someone that already owns a few houses and several cars, will buy so called “Wandaktie” (5) which will decorate their numerous walls.

Is art allowed to do everything, or are there boundaries?

Nothing and no one is allowed to do just everything. My freedom as an artist ends, where the freedom of others are restrained or ignored. Similarly as it is written in §1 of the Basic Law of the Federal Republic of Germany. For art creators there is an expanded framework though, as art isn’t just meant to entertain, but also to provoke and evoke discussions. I myself have given the rule to keep topics like politics and religion on a neutral and factual level, as it would otherwise always deeply hurt the ingrained feelings of some collection of people.

A tip for young artists?

Humans create artworks for human as we humans, contrary to all other lifeforms on this planet, need art around us to stay mentally sane. Therefore it is important, that you develop your birth-given aptitude for talent. To be good isn’t simply enough, one has to document it and confirm it by a third party. With this, you should always keep in mind that we’re surrounded by a system build on success and gain. It’s like with a car. The topic (sujet) of your work is like the bodywork and the interior. Here style, form and feeling take effect. The vehicle drives not without a driving engine though. That’s marketing, which your works need to be noticed. The selling of artworks, which won’t happen without a prior and continuous marketing-concept, is necessary to fuel your bolide or charge your battery.

My favourite question, what privat/secret information about you can never ever be released to the public eye?

Everything which I don’t actively or voluntarily share. I am not available for an RTL- or Pro-7-niveau(6).

I am curious with what you will share in your following posts actively and voluntarily with our readers. Thank you for your effort and time. I love to report about future expositions and projects!

1. Kunstkompass: a Ranking, which features the worldwide most wanted artists of the current time.
2. Note: he describes the GERMAN phonetic way of writing
3. Meant are the GERMAN states, aka “Bundesländer”. Not the 50 states of USA
4. Künstlerdienst: an agency which acts as a service provider between artists. Loosley translated; “artist service”
5. Wandaktie: loosely translated “wall stock/share”. A joke term, referring to a stock which is hung like a picture on a wall, instead of being used like a normal stock.
6. RTL & Pro-7: 2 German TV channels. Often known for their infamous content, displaying low-quality
reality-TV and sensational, absurd, Boulevard-like stories

More Informations

Cover picture: Authentic art photography – athanasios saitis

More about the artist Kadée on his Facebook profile: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Events selected by us can be found under >>>Events<<<

You can find all interviews here: Interview| Arttrado.de

If you want to inform us about your exciting art project, use ours Contact

Support ARTTRADO: