Anja Semling ist bildende Künstlerin und Grafikdesignerin. Als gelernte Graphikerin konnte Semling ihre graphischen Kenntnisse jahrelang in zahlreichen sowie vielfältigen Auftragsarbeiten für Print- und Non-Printmedien einbringen. Hauptsächlich konzentrierte Anja Semling sich dabei auf Logos, Bücher, Corporate Design, klassische Printmedien sowie Illustrationen & Internetgraphiken.

Seit 2012 widmet sich die Künstlerin verstärkt der Malerei mit Acrylfarben bevorzugt auf Keilrahmen. Zu ihrem Spektrum gehören seit 2019 Spachteltechniken sowie Acrylic-Pouring, die sog. Fließtechnik. Im illustrativen Bereich ist Semling mit vielen weiteren Techniken versiert. Einen Einblick in ihre Arbeiten finden Sie hier: Werk der Woche #40 – Totengesang.

Zuletzt stellte Anja Semling in Frankreich aus;  Tour des beaux arts-  Ausstellung im Festungsbau Vauban.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Interview mit der elefantastischen Künstlerin

Die Malerei im alten Ägypten – Ein Gastbeitrag von Anja Semling:

Die Bilderwelt des alten Ägypten ist einzigartig in der Kunstgeschichte des Abendlandes, keine vergleichbare Hochkultur hat solch ein immenses Bildrepertoire hervorgebracht und umgesetzt, über einen Zeitraum der mehr als drei Jahrtausende währte. Die alten Ägypter bedienten sich ihrer visuellen Kommunikation mit den Göttern und Lebenden sowie Toten, mittels malerischen Darstellungen ihrer realen und imaginären Lebenswelten.

Traditionsbewußte aber auch innovative bildhafte Darstellungen, reich an Farbenpracht, prägen die ägyptischen Wandmalereien; wechselseitig ergänzen und bereichern sich Bild und Schrift – die Hieroglyphen. Vielfach heute noch zu bestaunen in Königs- und Privatgräbern sowie an Tempelbauten.

Die alten Ägypter entwickelten schon früh einen Kanon ihrer vielseitigen Malereien, der über die Jahrtausende anhielt. Seit der prädynastischen Zeit (um 4000 bis 3000 v.Chr.), bildeten die Künstler die Natur mit bereits ausgemalten Zeichnungen ab. Die vollständig, mit gemalten Szenen zu Alltag und Jenseits, bedeckten Grabwände bezeugen wie die Ägypter eine Perfektion auf diesem Gebiet erreicht hatten. Die ägyptische Malerei besitzt ihre eigenen Normen, die seit dem Ursprung des Alten Reiches (um 2750–2130 v.Chr.) festgelegt waren. Sie waren von religiösen, sozialen und ästhetischen Überlegungen geprägt.

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch,

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch, was sich insbesondere in Personendarstellungen ausdrückt. Die Personen wurden im Allgemeinen im Profil dargestellt, wenn sie nach rechts gerichtet waren, konnten sie lediglich den linken Arm und den linken Fuß nach vorn strecken. Dafür gab es einen ästhetischen Grund, und zwar, dass im gegenteiligen Fall die Linien des Körpers sich kreuzen und damit der Harmonie der Zeichnung schaden würden. Vorderansichten in der ägyptischen Malerei sind äußerst selten anzutreffen!

Die ägyptische Kunst besaß religiösen Charakter, und die in Gräbern abgebildeten Personen, waren nicht reine Dekorationen, sondern waren Wesen, die magisch lebendig wurden. Eben dadurch dass sie auf malerische Art dargestellt wurden. Je größer eine Person dargestellt wurde, desto wichtiger war sie.

Gesichter und Körper stellte man in der Position dar, die sie am besten charakterisierten: das Auge von vorne, den Kopf im Profil, die Hände ausgestreckt von ihrer Außenseite, die Füße im Profil. Auffallend an der ägyptischen Malerei: die Lebendigkeit, die reiche Farbigkeit und die flächigen Formen, die dem Ganzen einen individuellen Malstil anhaften. Hieroglyphen, die Schrift der alten Ägypter wurden aus-oder angemalt, farbig oder schwarzweiß.

Insbesondere auf Papyri wurden die Hieroglyphen „aufgemalt“, oder besser: geschrieben, denn die alten Ägypter hatten ihr eigenes komplexes Schriftsystem. Aber je nach Schriftträger und Material, wurde die Schrift gemalt auf Kalkputz, Papyri, Holz, oder gemeißelt in Stein und dann ausgemalt!

Farben

Altägyptische Bezeichnungen

Wadj; bezeichnet im weiteren Sinne den Lebensraum Wasser. Die Vegetation (Grün) mit eingeschlossen, denn das Wasser bringt ja erst die Vegetation hervor.

Kem; Das Fruchtland, das jedes Jahr unter dem Nil versank, insofern umfasst der Begriff Kem alle Schattierungen des Erdbodens, also auch Braun, Grau, usw. Dominiert wird Kem aber von Schwarz. Kem ist somit lebensspendend und lebendig.

Kek; charakterisiert die Finsternis, das Gegenteil von Hedj (Helligkeit). Kek ist unbelebt und vage.

Descher;  verweist auf die Wüste und bezeichnet die diversen Facetten des Sandes am Tage. Die wesentliche Komponente dieser Farbe ist allerdings Rot, z.B. Sonnenuntergang.

Hedj; benennt das Sonnenlicht und im übertragenen Sinne alles Glänzende (z.B. Silber). Hedj bedeutet Helligkeit. Hedj muss als eine Art Nichtfarbe angesehen werden. Das Gegenteil von Kek, die Finsternis, ist Hedj.

Das Schwarz bestand weitgehend aus Ruß (wurde teils von den Kochtöpfen abgekratzt), das Weiß von dem Kalk, das Blau vom Lapislazuli, das Grün vom Malachit und das Rot dagegen aus Ocker, einem Mineral, das in großen Klumpen in den ägyptischen Wüstengebieten gefunden wurde und von gelber, oranger, roter oder brauner Farbe sein konnte.

Die Mischungen dieser Farben ergab eine reiche Farbpalette. Mit den Farben wurden Grabwände, Reliefs, Tempelmauern, Säulen, die reliefierten Hieroglyphen auf Mauern und Architekturteilen der Tempel sowie die Mauern der Paläste und Adligenhäusern, bemalt. Sowie auf Holz wurde gemalt, z.B. die Sarkophage und Särge. Selbstverständlich auch auf den Beschreibstoff Papyri malten die Ägypter, insbesondere ihre Totenbuch-Illustrationen.

Schwarz – kek und kem

Für die Ägypter existierten zwei Arten von Schwarz, nämlich ein unbestimmtes Schwarz, das Leere ausdrückt und zum Bereich der Finsternis (kek) gehört und ein klares Schwarz, das zur Wiedergabe greifbarer Dinge verwandt wurde und dem Bedeutungsfeld des Lebendigen (kem) zugeordnet ist.

Symbolik der Farben

Anfangs verwendete man nur die vier Grundfarben, später erst mischte man sie hell oder dunkel und fand Zwischentöne. Die Farben wurden stets symbolträchtig angewendet: Blau für Amun = Himmelsgott, Grün für Osiris als Jüngling, Schwarz, wenn er den Totengott verkörperte, Rot für Seth und überhaupt für böse, schlecht, hinterhältig und für alles Störrische, also auch für Bilder von Eseln oder Hunden oder auch für die Fehler, die der Schreiber Rot notierte. Rot oder Gelb für Unsterblichkeit dekorierte man gern die Gräber, Gelb (=> suggerierte Goldfarben) war auch beliebt für Hintergründe bei Szenen zum Totenbuch. Nachgewiesen werden konnte, dass Rosa als eigenständige Farbe benutzt wurde ab dem Neuen Reich; Rosa setzten die Maler beispielsweise für transparente Kleidung ein.

Herstellung der Farben

Die Farbpigmente wurden zu Puder vermahlen, mit Harz und Wasser angerührt und anschließend in Tablettenform getrocknet und auf die Palette des Schreibzeugs gesetzt. Ersatztabletten zum Nachfüllen lagen immer bereit. Gemalt wurde mit Wasserfarben.

Die ägyptischen Künstler nahmen Pinsel, Bürstchen, Wassergefäße und Scherben die zur Zubereitung der Farben dienten, zur Hilfe.

Gestaltungsprinzipien in der ägyptischen Kunst;

zweidimensionale Darstellungen und die Tatsache, dass die alten Ägypter eine räumlich-zeitliche Perspektive umsetzten, vier Dimensionen in eine einzige Bildfläche, die sich schon ab den frühesten Epochen findet. Die Unterteilung von Bildflächen in Register oder die typischen Kompositionen. Am verbreitetsten und zugleich die charakteristischste Ausdrucksform in der ägyptischen Malerei war der flächige Farbauftrag.

Schon im Alten Reich wurden die Gräber mit Malereien dekoriert, mit Bildprogrammen die Szenen aus dem Alltag wie Jagd, Fischfang oder Ernte zeigen. Den Ägyptern, denen eine gewisse Kontinuität in der Ausführung ihrer
künstlerisch-malerischen Werken anhaftet ist kaum zu übersehen, doch es gab viele Entwicklungen oder Veränderungen, sowohl in der Farbgebung als auch bei den Formen und Bildthemen. Vieles auch in idealisierter Darstellung.

Schlusswort

Die Farben des alten Ägypten auf Wandmalereien, strahlen noch heute! Sie  haben eine große Anziehungskraft auf die Menschen, die sie bestaunen. Wenn man bedenkt, dass diese Farbenpracht viele Jahrtausende im Dunkel verborgen war, so ist es ein kleines Wunder, sie heute wieder zu erblicken. Noch sind nicht alle wiederentdeckt, die Malereien in Gräbern der Könige und Adligen. Natürlich finden auch Restaurationen der Wandgemälde statt, um sie zu erhalten.

Buchtipp: Ägyptische Wandmalerei

Der Text-/Bildband der von etwa 3500 bis 1000 v.Chr. durch die ägyptische Malerei führt, beleuchtet die Ursprünge, Entwicklungen und Veränderungen sowie die ägyptischen Malereien an sich, anhand vielfältiger Beispiele. Zum Verständnis dieser Bereiche sind im ersten Teil des Werkes die Themen: Gestaltungsprinzipien, Chromatik und Farbsymbolik ausführlich erklärt; des Weiteren die Maltechniken. Mit diesen Themenbereichen bietet der Text-Bildband einen in die Tiefe gehenden Einblick in das künstlerische Schaffen.

Rezension des Buches: http://buch.mein- altaegypten.de/Geschichte+Kultur/2_GK-Wandmalerei.html

Weitere Informationen

Homepage über das alte Ägypten, von Anja Semling: www.mein-altaegypten.de

Mehr über das künstlerische Schaffen von Semling: www.viskom-semling.de

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Der letzte Gastbeitrag von MitoMito liegt bereits ein paar Monate zurück, aber einige Leser erinnern sich sicherlich noch an den kritischen Blick auf die Netflix Serie „Squid Game“. In dem offenen Brief gab es auch bereits den Hinweis, das im Hintergrund die Ausstellungsplanungen des Künstlers laufen – genaue Details des Konzeptes möchte MitoMito noch nicht verraten, aber vielleicht geben die folgenden Worte des Künstlers einen Fingerzeig, in welche Richtung es gehen könnte.

Ausgewählte Arbeiten von MitoMito finden sich auch bei uns im Shop: MitoMito – Arttrado.de

Stolen Art – Golden Heart von MitoMito

Kunst sollte frei sein.
Für alle, nicht nur für Menschen die sich das leisten können.
Denn das sich leisten wollen ist ja definitiv gegeben.
Glauben sie nicht?

In den letzten 30 Jahren hat sich die Anzahl der verkauften Kunstdrucke vervielfacht. Aus dem einzigen Grund, dass sich sehr wohl ein breiter Querschnitt der Bevölkerung mit Kunst beschäftigt. Für viele sind Kunstdrucke die einzige Möglichkeit sich einen Künstler ins Haus zu holen. Von den seltenen Exemplaren mal abgesehen, die sich ein Bild nach der Farbe aussuchen die zu ihrer Einrichtung passt. Ja auch sowas gibt es. Aber das sind die gleichen Leute, die sich auch Bücherattrappen aus dem Möbelhaus in ihr Regal stellen.

Für mich als Künstler ist es sehr schwer zu sehen, wie viele meiner Werke im Keller oder im Lager versauern. Nicht beachtet und im Dunkeln fristen sie dort ihr trauriges Dasein. Ich habe letztens auf EBay ein Angebot gesehen, das mich ins Grübeln gebracht hat.

Da wurde ein Künstlernachlass angeboten, eine stattliche Sammlung von 600 Werken in den unterschiedlichsten Größen. Welch Kreativität sich dort angesammelt hat, welches Genie sich dahinter verbarg wird wohl nie geklärt werden. Kunst zu verkaufen ist toll. Ein guter Künstler verkauft im Jahr etliche seiner Werke…mit Glück.

Allerdings ist meinem Verständnis nach der wirkliche Anreiz nicht im Mammon zu suchen, sondern in der Wahrnehmung. Bilder, Skulpturen, Plastiken werden gemacht, weil der Künstler etwas ausdrücken möchte.

Befreien wir die Kunst!

Was dabei raus kommt ist eine Gesellschaft, die wieder den Blick für die Schönheit entwickelt. Jeder der mich zu Hause besucht, bekommt von mir meine Werke unter die Nase gehalten. Beim ersten Mal ist es meistens ein “ah ja” beim zweiten oder dritten Mal ein “was soll es sein?” aber spätestens beim vierten Mal merke ich einen Fortschritt. Dann geht es plötzlich um Farbe oder “der Teil da oben sieht aus wie ein Gesicht…”.

Für mich ist das ein großer Schritt. Wenn ein Durchschnittsmensch, ohne nennenswertes Kunstverständnis, plötzlich die Entscheidung trifft zu sagen, “ich mag dieses Bild und das nicht so gerne” dann ist der erste Schritt getan.

Ich habe letzten Sommer immer mal wieder ein Werk vor mein Haus gestellt. Abends waren die jedes Mal weg. Ob sich das jemand an die Wand hängt oder im schlechtesten Fall ein Feuerchen damit macht, spielt für mich keine große Rolle. In diesem Sinne. Keine Kellerhaltung für Kunst.

Bilder brauchen Auslauf und Licht um zu strahlen, zu wirken und ihr Leben ein klein bisschen bunter zu machen.

Herzlichst
MITO

 

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Ein Beitrag geteilt von Mito (@mitomito_9)

Künstlern, die sich in den Worten von MitoMito wiederfinden, raten wir, sich beim Künstler zu melden – vielleicht verrät er unter 4 Augen mehr über sein kommendes Projekt – wir sind uns sicher, umso mehr Künstler sich zusammentun, umso größer und beeindruckender wird das Ergebnis!

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Einen weiteren Gastbeitrag des Künstler finden Sie hier:  In einer Welt von Habitus und Status?

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Kadée war unter anderem Zeitsoldat bei einer Fallschirmjägereinheit; Profi-DJ; – Moderator beim Privaten Rundfunk sowie auf Messen und Bühnen, Seminarleiter und Trainer für Moderation und Gründer und Präsident der Künstlervereinigung Fundus Artifex. Vor allem ist er aber eins – Künstler.

Vor 14 Tagen veröffentlichten wir den 9. Teil von „Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt“. Im letzten Teil widmete sich Kadée; Emotionen auf dem Kunstmarkt. Diesmal teilt der Airbrush-Künsler Kadée seine Gedanken zum Kunstmarkt über „Die Kriterien der Wertermittlung bei Kunstwerken“. Dabei erläutert er die wichtigen Begriffe; Sujet, Provenienz, Marktfrische und Werkphase.

Unser Interview mit dem Airbrush-Künstler finden Sie hier: Kadée im Interview – Normal ist langweilig

Kadée´s Gedanken zum Kunstmarkt Teil 10

Ein Gastbeitrag von Klaus – Kadée – Eberhart:

Einerseits melden die großen Auktionshäuser Christie’s oder Sotheby`s Millionenumsätze beim Verkauf von Kunstwerken, andererseits können abertausende Werke gar nicht verkauft werden. Wie kommt das zustande?

In ihrem Buch „Wie Sie mit Picasso & Co ein Vermögen aufbauen“ schreibt Dr. Franziska Ida Neuman dazu: „Neben der Größe des Kunstwerks und dem Bekanntheitsgrad des Künstlers zählen besondere Parameter wie die Attraktivität des Motivs (Sujet), die Herkunft des Objektes (Provenienz), die sogenannte Marktfrische sowie die Werkphase, in welcher das Kunstwerk entstanden ist, zu den Eckpfeilern der Wertermittlung.“ Vier Fachbegriffe, die es sich lohnt genauer unter die Lupe zu nehmen.

Zu 1.) Sujet

Das französische Wort „sujet“ [syˈʒɛ] steht für ein künstlerisch verarbeitetes Thema, also das Motiv eines Gemäldes. Für Galeriebetreiber/innen und Sammler/innen zählt hierbei ob und wie viele Gedanken sich der/die Kunstschaffende bei der Erstellung des Werkes gemacht hat. Besondere Bedeutung haben dabei neue, innovative und frische Ideen. „Sieht-so-aus-wie-Kunstwerke haben keine Chance auf eine nachhaltige Wertschätzung am Kunstmarkt, obwohl sie kurzfristig zahlreichen Kunstsammlern schmecken könnten“ erklärt dazu der Galerist und Kunstsachverständige Dr. Wolfram Völcker. Harald

Szeemann, Schweizer Museumsleiter, Kurator und Ausstellungsmacher stellt klar: „Den Betrachter des Kunstwerkes interessiert nämlich nicht das, was er schon weiß, sondern das Unbekannte, das Unglaubliche, das noch nie Gesehene, die Sensation, die dieses eigene Wissen übersteigt oder in verdichteter Form neu sichtbar werden lässt.“ Wolfram Völcker fasst zusammen: „Wir können also sagen, ein Kunstwerk hat eine hohe Qualität, wenn seine Wirkung auf den Betrachter besonders intensiv ist“.

Zu 2.) Provenienz

Provenienz ist aus dem Lateinischen hergeleitet von „provenire“ (entstehen, hervorkommen, geboren werden) und bezeichnet in der Kunstszene die Herkunft und verschiedenen Besitzverhältnisse eines Kulturguts. Die Verbindung zum Kunstmarkt erklärt die Provenienzforscherin Isabel von Klitzing: „Seit jeher spielt die Herkunft eines Werkes (Provenienz) für den Handel eine große Rolle.

Wie einem guten Wein ist eine einwandfreie Herkunft aus „erster Lage“ auch bei einem Kunstwerk ein Gütesiegel für Qualität, das Schlüsse auf die Echtheit eines Objektes zulässt und seinen Wert bezeugt.“ Zur einwandfreien Herkunft eines Kunstwerkes gehört insbesondere die Frage wer es geschaffen hat. „Der Name des Künstlers spielt im Bewertungsvorgang zur Erstellung des Handelswertes eine zentrale Rolle. Denn der Name ist gleichermaßen ein Zeichen der Herkunft und der Authentizität“, sagt der Kulturmanager Prof. Dr. Dirk Boll und ergänzt:

„Durch die Signatur des Künstlers wird das einzelne Werk gewissermaßen beglaubigt“ Auch in unterschiedlichen Berechnungsmodellen für Werke der bildenden Kunst wird der Künstlerfaktor als besonders preisrelevant angegeben, wie Prof. Boll bestätigt: „Für den Künstler- oder Kunstfaktor sind die Bekanntheitsgrade einer Künstlerin / eines Künstlers ausschlaggebend, die Beteiligung an wichtigen Ausstellungen, Art und Zahl von Stipendien und Preisen oder die Erwähnung in Feuilletons“ […] „War es früher so, dass der künstlerische Wert den Großteil des Handelswertes bestimmte, und damit Fragen der kunsthistorischen Legitimierung und der Seltenheit des Werkes den Preis bestimmten, so wurde die Bandbreite von Kriterien um Breitenwirkung, Provenienz, Marktgeschichte und Wertentwicklung erweitert“.

Zu 3.) Marktfrische

Werke der Gegenwartskunst werden zusätzlich auch nach ihrer Marktfrische beurteilt. Es wird die Frage gestellt: Wie oft wurde das Werk in den letzten Jahren öffentlich zum Verkauf angeboten – und nicht verkauft? Bei Ladenhütern, die schon in der zehnten Ausstellung und auf der fünften Messe gezeigt wurden, sinkt der Preis. Ein Faktor dabei ist auch ob in diesen Werken der sich regelmäßig ändernde Zeitgeist eingefangen und ausgedrückt wurde.

Zu 4.) Werkphase

Während der vielen Jahre künstlerischen Schaffens entwickeln sich Künstler/innen in der Regel weiter. Diese Werks- oder Schaffensphasen können zeitlich (z.B. Werke zwischen 1952 und 1961), räumlich (z.B. Pariser Arbeiten) oder thematisch (z.B. grüne Periode) gegliedert sein. Diese Einteilungen sind meist Zuschreibungen durch etwa Kunsthistoriker/innen oder Biograf/en/innen. Die Kunstwerke werden auch häufig in „frühes -“, „mittleres -“ oder „spätes Werk“ unterteilt. Häufig findet man im Zusammenhang mit dem Spätwerk Begriffe wie „abgeklärt“, „gereift“ o.Ä. Als Beispiel kann hier Pablo Picasso dienen:

Naturalistisches Frühwerk (1898–1901)
Rezeption des Post-Impressionismus (1901–1902)
Blaue Periode (Herbst 1902–1904)
Rosa Periode (1904–1906)
Frühkubismus (1907–1908)

Allgemein gilt was Prof. Wolfram Völcker sagt: „Neben der Authentizität und der Glaubwürdigkeit muss sich […] immer eine Eigenständigkeit ausmachen lassen“, womit sich der Kreis zum Sujet schließt. Fazit: Um auf dem Kunstmarkt sichtbaren und spürbaren Erfolg zu haben, reicht es leider nicht aus „einfach nur zu malen“ und zu glauben „meine Bilder sprechen für sich“ sondern es gilt sehr komplexe Vorgänge und Zusammenhänge zu kennen und darauf zu reagieren.

Der Kunsthistoriker, Kunstpublizist und Herausgeber der Fachzeitschrift KUNSTFORUM, Dr. Martin Seidel, sieht es so: „Erfolgsfaktoren sind weder die – nicht messbare – Qualität von Kunst noch Preise und Umsatzerfolge. Sondern die Wahrnehmung von Künstler/innen, die Zahl ihrer repräsentativen Einzel- und Gruppenausstellungen, die Ankäufe großer Museen und die Erwähnung in Feuilletons und Kunstmagazinen“.

„Ein fast ebenso wichtiger Erfolgsfaktor wie Reichtum und Vermögen ist das soziale Kapital: das Eingebundensein in familiäre und lokale Netzwerke und Berufsorganisationen, die Vernetzungsfähigkeit, Kontaktfreudigkeit, Liebenswürdigkeit und die charismatische Wirkung“ meint der Kunsthistoriker Dr. Christian Saehrendt und stellt weiter fest: „Unabhängig von materiellen und sozialen Startvorteilen sind psychische Stabilität und Eigenschaften wie Resilienz (also die psychische Widerstandskraft und Fähigkeit, schwierige Lebenssituationen ohne anhaltende Beeinträchtigung zu überstehen [Anm. Kadée] ) Beharrlichkeit und Zielstrebigkeit von Bedeutung“.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

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Der Upcycling-Künstler MitoMito macht seit gut 30 Jahren Kunst. In den unterschiedlichsten Formen. Angefangen hat MitoMito  mit darstellerischer Kunst, dann entstanden Schrottskulpturen, Batik und Seidenmalerei, Enkaustik und letztendlich fand er zum Action Painting. Seine Ausstellung sind grundsätzlich wild. Grundsätzlich finden diese im öffentlichen Raum statt, beispielsweise am Hamburger Hafen und alten Industrieanlagen.

Während im Hintergrund die Ausstellungsplanungen laufen, hat MitoMito sich die Zeit genommen, einen offenen Brief an die Gesellschaft zu verfassen. Kunst war schon immer ein Sprachrohr für Kritik, weshalb es uns eine Freude ist, diesen Beitrag mit unseren Lesern zu teilen.

Brot und Spiele?

Was haben Herrmann Nitsch, John Anna und Vincent Castiglia gemeinsam?
Alle drei sind Künstler. Und?
Alle drei malen mit Blut.
Nitsch mit Tierblut, Castiglia mit menschlichem Blut und Frau Anna mit Menstruationsblut.
Abstrakt, skurril oder Trend?

Die morbide Freude des Menschen am Blut scheint tief verwurzelt. Nicht nur in unserer, sondern in jeder Kultur der Welt. Einst rituell und als notwendiger Teil eines Clanlebens verkam die Faszination des Mordens zu reiner Belustigung, um den Nervenkitzel zu spüren.

300000-500000 Menschen starben in den Arenen des Römischen Reiches. Blutige Wettkämpfe haben sich bis in unsere heutige Zeit gehalten. Waren sie schon mal bei einem Boxkampf, beim Eishockey, Fußball oder beim Bare Nuckle Fight?

Die Spiele über die gesprochen wird, sind entweder blutig oder sonst anstößig. Aktionskunst in der mit Innereien und Kadavern hantiert wird, ist provokativ. Das soll auch so sein, will man schnell ins Gespräch kommen.
Vampire als Goth Ikonen bedienen sich des gleichen Fluids. Der köstliche rote Saft verlängert das Leben des Einen während es dem Anderen selbiges kostet.

Aber lassen wir das mal hinter uns.

Sind wir immer noch Steinzeitmenschen? Haben wir uns in all der Zeit nicht entwickelt? Sex und Crime bestimmen das Fernsehprogramm, die Kinos und die Printmedien. Wer zwitschert mit wem? Wer hat wo seine primären oder sekundären Geschlechtsteile gezeigt?

Wo fand ein Amoklauf statt und welcher Vater tötete mit einem Brotmesser seine Familie?

Langweilt das nicht irgendwann?  Wie oft habe ich schon Menschen dabei beobachtet wie sie auf hundert geschickte Arten ihre Gegner erdrosselten, erschossen oder sonst um ihr Leben brachten?

Haben Sie das schon mal im normalen Leben gesehen? Waren Sie schon mal Opfer eines Verkehrsunfalls? Wissen Sie wie ein Schuss sich anhört, riecht oder sogar anfühlt? 1.323.666 Verkehrstote weltweit im Jahr will niemand in Echtzeit sehen. Ich hoffe nicht. Menschen, die so etwas erlebt haben, sind meistens für ihr ganzes Leben traumatisiert.

Und jetzt SQUID GAME !

Die erfolgreichste Serie auf Netflix. Nach 25 Tagen haben sich bereits 111 Millionen Haushalte diese fröhliche Schlachterserie angesehen. Auf der Couch mit Pizza und Bier den Grusel aus Korea genießen, ist schon was Feines. Netflix hat mit diesem Schlachtwerk einen geschätzten Wert von 900 Millionen Dollar erzielt.

Jeder der sich ein bisschen in Geopolitik auskennt, sollte sich mal fragen wie weit Süd-und Nordkorea voneinander entfernt sind. Die Einen produzieren SQUID GAME, die Anderen haben schon seit Jahrzehnten fröhliche Hungerspiele.

Falls Amerika nach einem ähnlichen Kassenschlager sucht, würde ich eine Serie über Guantánamo empfehlen. Verkauft sich garantiert. Ich wette, das würden eine Menge Leute gerne sehen. Bei https://www.gettyimages.de/video/hinrichtung können Sie sich die schönsten Hinrichtungen aus allen Epochen ansehen. Sehr zu empfehlen.

Oder….
Sie hören damit auf.

Wir als Konsumenten haben die Macht den Medien mitzuteilen, was wir sehen möchten. Das ist wie mit dem Essen von Lebewesen. Damit aufzuhören ist erst ungewohnt und irgendwann ganz normal. 150000000 also 150 Milliarden Tiere sterben jedes Jahr für die Grills der Welt. 4756 Tiere pro Sekunde live-counter.com.

Aber SQUID GAME? Setzen wir der Verrohung ein Ende. Werden wir Vorbilder für unsere Kinder. An deutschen Schulen gibt es zunehmend Fälle, bei denen Kinder die Serie nachspielen, okay nur mit Prügel und ohne Genickschuss, aber immerhin.

In der Kunst ist es genauso. Oben genannte Künstler schaffen teilweise großartige Kunst. Das könnten sie auch ohne Gemetzel, nur würde sie dann wahrscheinlich niemand kennen.

Aber vielleicht sollte auch ich einfach mit abgetrennten Hühnerköpfen malen?
Ich werde darüber nachdenken.
In diesem Sinne
MITO

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Der Upcycling-Künstler MitoMito macht seit gut 30 Jahren Kunst. In den unterschiedlichsten Formen. Angefangen hat MitoMito  mit darstellerischer Kunst, dann entstanden Schrottskulpturen, Batik und Seidenmalerei, Enkaustik und letztendlich fand er zum Action Painting. Seine Ausstellung sind grundsätzlich wild. Grundsätzlich finden diese im öffentlichen Raum statt, beispielsweise am Hamburger Hafen und alten Industrieanlagen.

„Gerne bezeichne ich meine Kunst als Upcycling Art, da ich Materialien benutze, die ich finde. Beispielsweise Böden von Paletten, Schrankrückwände, Farb- und Lackreste und natürlich Wachs. Wachs ist wie Lack für mich, ein fließendes Element“. – so der Künstler. Ausstellungen sind im Moment nicht geplant, da erst mal wieder alles in die Gänge kommen muss. Dafür nutzte der Künstler seine Zeit, um diesen Gastbeitrag mit Kunstfreunden, Künstlern und jene die es werden wollen, zu teilen.

MitoMito – Lebenskünstler? Oder die Kunst zu Leben?

Welche Faktoren bestimmen die Entstehung eines Künstlers?

In meiner mehr als 30-jährigen Schaffensphase habe ich viele Künstler kennenlernen dürfen. Die unterschiedlichsten Formen von Künstlern: Maler, Musiker, Djs, Bildhauer, Kunstschlosser, Fotografen und die Reinform: den Selbstdarsteller. Letztere Spezies hat in Zeiten der Influencer drastisch zugenommen. Heutzutage kann jeder mit dem geeigneten Equipment sich mehr oder weniger gekonnt in Szene setzen. Fotos und Tweets aus dem anscheinend “normalen” Leben werden mit Filtern und viel Körpereinsatz solange frisiert, bis sie den Anforderungen der Like-willigen Community genehm sind

Ein Konzept das zu funktionieren scheint.

Wie sonst könnte sonst Lieschen Müller aus Buxtehude so viele Likes generieren? Die schiere Selbstentblößung allein als profane Befriedigung voyeuristischer Neigungen ist wohl der einfachste Weg dazu. Andere versuchen mit ihren interessanten Hobbys wie Tuning (Autos oder Körper) zu beeindrucken. Auch Hobbys wie das Sammeln von Merkwürdigem oder Alltäglichem wird zu etwas Außergewöhnlichem hochstilisiert.

Warum das alles?

Weil jeder gesehen werden möchte und sich der Wert eines Individuums über seine Präsenz bestimmt. Aber stimmt das wirklich? Für Künstler, die ein großes Publikum brauchen, ist das essenziell. Wenn Sie Sänger, Tänzer oder Zauberer sind, macht es natürlich keinen Sinn, wenn niemand von Ihnen weiß. Als Schauspieler oder Modell ist Ihre Medienpräsenz ihr Kapital. Sie brauchen das gute oder markante Aussehen wie der Maurer seine Kelle. Aber wenn Sie an Maler denken wie Van Gogh, Kaminski oder Pollock fällt ihnen wahrscheinlich zuerst ein Bild ein. Oder haben Sie ein Gesicht vor Augen?

Mein Leben war eine Achterbahn. Ein ständiger Kampf um ein bisschen Sicherheit. Ich habe 40 unterschiedliche Jobs gemacht, mich intensiv mit den großen Religionen beschäftigt, war an den unterschiedlichsten politischen Gedanken interessiert und an einem breiten Spektrum von Musik.

Die meisten Künstler, die ich kennenlernen durfte, hatten Ähnliches zu berichten. Fast nie waren es Menschen mit geradem Lebensweg. Haben Sie schon einmal von jemandem gehört, der sein Studium mit summa cum laude beendet hat, um gleich darauf einen erstklassigen Job zu finden? Der Familie, Haus und zwei Autos besitzt und sich trotzdem mit Herzblut der Kunst verschrieben hat?

Ich denke Kunst bedeutet oft sich zu quälen. Zu leiden wie ein Sportler auf dem Weg zu Olympia.

“Ich male niemals Träume oder Alpträume. Ich male meine eigene Wirklichkeit.” – Frida Kahlo

Es ist kein Wunder, dass viele berühmte Künstler dem Wahnsinn verfallen sind. Die Sucht nach berauschenden Mitteln öffnete vielen die Türe zu einem Universum voller Farbe! Diese Lebenskünstler lebten für ihre Kunst und opferten oft auch ihr Leben für jene. Allen, die dem Weg der wilden lebendigen Kunst folgen, stellt sich ein großes Problem.
Wie Künstler sein in einer Gesellschaft, die geprägt ist von Habitus und Status? Austauschbarem und Fastfood? Gedanken und Gegenständen ohne Wert, die nur mit Label wertig sind? Sicherlich gibt es eine Schar von Menschen, die nicht nur dem Mammon huldigen, sondern auf der Suche nach wahrer Schönheit sind.

“Kunst ist schön, macht aber viel Arbeit!” – Karl Valentin

Vielleicht ist ja Hedonismus die Antwort?

“Hedonismus im philosophischen Sinne bezeichnet eine Gruppe von Theorien, in denen der Begriff der Lust eine zentrale Rolle spielt. Laut dem psychologischen Hedonismus zielen all unsere Handlungen darauf ab, die Lust zu erhöhen und Schmerzen zu vermeiden.” (https://de.wikipedia.org/wiki/Hedonismus)

Hört sich gut an?
Das wäre eine schöne Art zu Leben. Wir frönen nur den Sinnesfreuden und wenden uns von allem Schmerzhaften ab. Herrlich!

Zurück zur Einstandsfrage: Lebenskünstler oder die Kunst zu leben? Künstlerisch leben, leben für die Kunst oder Kunst leben? Es ist ihre Entscheidung, aber bitte treffen Sie eine Wahl.

Namaste

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Titelbild: „Antimaterie“ (von uns 90Grad nach Rechts gedreht/75cm*125cm). Unterschiedlich gefärbter Wachs auf Sperrholz. Das Bild spielt mit den interstellaren Mächten ,die sich verschlingen um ein schwarzes Loch zu schaffen. Es soll an die schöpferische und gleichzeitig vernichtende Kraft des Kosmos gemahnen.

Zur Webseite des Künstlers: www.mito.de

MitoMito auf Instagram: Mic Thomas  • Instagram-Fotos und -Videos

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke

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Sie kennen bestimmt diesen 1. April Scherz, der in die Kunstgeschichte einging. David Bowie und der Schriftsteller William Boyd luden am 1. April 1998 zu einer Lesung über den vermeintlich großartigen und tragisch verstorbenen expressionistischen Künstler Nat Tate ein. Einige Anwesenden der Kunstszene waren so begeistert und redeten von Nat Tate so, als hätten sie ihn schon immer für einen der ganz Großen seiner Epoche wahrgenommen. Eine erfundene Person sorgte für Aufruhr in der Kunstszene. Es entstand ein kurzer Hype, der schnell erlosch als David Bowie und William Boyd sagten: April, April… und doch ging dieser Scherz in die Geschichte ein.

In meinen Workshops gebe ich unter anderem Künstler*innen richtungsweisend Inputs, wie sie aus ihrem kreativen Talent eine Karriere formen können und einen Markt für sich entdecken können. Oftmals werde ich gefragt: «Wie kann ich meine Kunst besser verkaufen?»

Es wäre natürlich wunderschön, wenn eine prominente Person auf eine Künstler*in aufmerksam werden würde. Aufgrund einer Empfehlung einer einflussreichen Person lässt sich leichter Kunst verkaufen. So entstanden auch schon großartige Karrieren.

Meine Antwort auf diese Frage ist immer: «Werde Dir klar darüber, was für Dich wichtig ist und was für Kunden wichtig ist, die Deine Kunst oder Projekte kaufen. Dabei ist zu unterscheiden, ob Du mit Unternehmen oder mit Kunden zusammenarbeiten möchtest.»

Die Arbeit mit Unternehmen ist dabei oftmals lukrativer. Künstler*innen müssen aber dazu bereit sein, ihr Talent für ein Projekt, für Auftragsarbeit einzusetzen, die für das Unternehmen funktionieren muss. Beispiele solcher Projekte lassen sich unter anderem in lllustrationsdesign für Magazine finden, Logo-Design, Video Game Design, Postkarten, Fashion, Werbung, Kinderbücher, usw.

In meinen Workshops evaluiere ich mit meinen Teilnehmer*innen diese Möglichkeiten und erarbeite konkrete Projekte für einen Markt, den sie mit ihrem kreativen Talent erobern möchten.

Was möchten Sie erobern?

Ein Gastbeitrag von Marianne Burri – Straßenmomente

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Übrigens! Das Buch über den erfundenen Künstler Nat Tate gibt es mit dem Titel: Nat Tate: An American Artist 1928–1960 – von William Boyd auf Amazon zu kaufen.

Marianne Burri lebt in Zürich in der Schweiz, absolvierte eine betriebswirtschaftliche Ausbildung und war viele Jahre als legal Compliance Officer tätig, bis sie ihre Passion förmlich auf der Straße fand. Ihr Hobby, die Street Photography führte sie zu Kunden, für welche sie nebenberuflich Social Media Workshops veranstaltete und Social Media Content erstellte. Das war der Beginn ihres Unternehmens Strassenmomente by Marianne Burri.

Mehr über Straßenmomente: www.strassenmomente.com

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Ein Gastbeitrag von Thomas Stephan aus der Galerie Inspire ART: 

Jeder hat seine eigenen Ideen zur Studiokreation, die sehenswert sind. Die Wirkung von Kunst hängt weitgehend von der Art und Weise ab, wie ein Kunstwerk in Szene gesetzt wird. Durch die Verwendung geeigneter Vitrinen und gut ausgeleuchteter Wandflächen ist es möglich, Kunst perfekt in Ihrem eigenen Lebensbereich auszustellen. Es ist dabei besonders wichtig, Skulpturen und Bilder richtig zu beleuchten und auf die vernünftige Kombination verschiedener Stile zu achten. Nur so kann Kunst ihr volles Potenzial entfalten und zum wahren Reichtum Ihres eigenen Hauses werden.

Noch heute verlassen sich Museen und große Ausstellungshallen auf die ausgewogene Anordnung der Kunstobjekte. Ein einzelnes Kunstwerk nimmt darin meist eine herausragende Stellung ein. Vitrinen haben verschiedene Lichtquellen, damit sie die künstlerischen Elemente perfekt beleuchten können. Die Glasoberfläche einer Vitrine muss gut gepflegt sein, damit das Kunstwerk immer ungestört wahrgenommen werden kann. Darüber hinaus sollte darauf geachtet werden, dass Stil, Größe und Struktur des Schaukastens mit der Umgebung der Vitrine übereinstimmen. Diese Bühne eignet sich besonders für Schmuck und Skulpturen.

Kunstgemälde hingegen können in einer Vielzahl von Umgebungen verwendet werden. Aufgrund ihres Themas und Farbdesigns können sie dem Raum eine ganz besondere Atmosphäre verleihen. Dies gilt unabhängig davon, ob abstrakte Muster, naturalistische Ausdrücke oder Porträts abgebildet sind. Einige Bilder haben politische Bedeutung, während andere sich auf die Schönheit der Natur beziehen.

Jeder hat seine eigenen Ideen zu Kunstkreationen, die sehenswert sind. Haben Sie sich schon einmal damit auseinander gesetzt, moderne Malerei von echten Künstlern zu erwerben? Sie suchen das Besondere und nicht nur ein Poster oder ein tausendfach kopiertes Bild an die Wand hängen, sondern interessieren sich auch für Gemälde von arrivierten echten Künstlern? Dann haben Sie bereits den ersten Schritt in Richtung Einzigartigkeit gemacht. Lassen Sie sich von realistischer Malerei, zeitgenössischer Kunst oder abstrakten Themen inspirieren und finden Sie Kunstwerke, die nicht nur Ihnen gefallen. Es erwartet Sie eine Vielzahl von Inspirationen und ein besonders umfassendes Wissen über die Kunstwelt

Theoretisch umfasst die abstrakte Malerei alle Arten von Bildern, die unter dem Konzept der objektbezogenen Schöpfung nicht verallgemeinert werden können. Wenn Sie einzigartige Bilder kaufen möchten, können Sie in unserem Produktportfolio besonders einzigartige Kombinationen von Farben und Formen erwarten. Aus diesem Grund zeigen Gemälde in zeitgenössischen Ausdrucksformen ihre einzigartigen Wirkungen vor dem Betrachter.

Inspire Art unterstützt aufstrebende Künstler und vermittelt besonders spannende Originalkunst von leidenschaftlichen Talenten. Tauchen Sie ein in eine äußerst reichhaltige Sammlung ausgewählter Gemälde und lassen Sie sich von den modernen Skulpturen und abstrakten Ölgemälden inspirieren.

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Seit vielen Jahren setzt sich die Dresdner Galerie für exquisite Themen und Kompositionen und nachhaltige Kunst ein und hofft, den Standpunkt der modernen Kunst in die Welt zu tragen. Mehr über die Galerie!

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Bei Gastbeiträgen geben wir Künstlern, Galeristen und allen Kunst- und Kulturschaffenden die Möglichkeit sich zu äußern, ihre Gedanken oder Beobachtungen zu teilen oder zu einer Diskussion einzuladen. Es folgt ein Gastbeitrag von Katja Kirseck auch bekannt unter KaKiKunst. Die Rebellin, Chemielaborantin, ehemalige Programmleiterin eines internationalen Bildungssenders, Malerin, Schreiberin und Filmemacherin – gewährt Einblicke in ihre Gedanken.

7,77 Milliarden – Du bist vielleicht ´ne Marke! von Katja Kirseck

„Jeder Mensch ist ein Künstler.“ Diese Aussage von Joseph Beuys ist wohl das schönste Kompliment an die Kreativität des Menschen. Ich hatte schon immer einen Heidenrespekt vor jedem, der sich Künstler nennt. Dazu braucht man, wie ich dachte, mindestens einen akademischen Grad oder ein Atelier voller halbfertiger wie vollendeter Werke; im Idealfall einen quälenden inneren Drang nach Perfektionierung der eigenen Fähigkeiten für die Schöpfung. Ich wurde 1975 geboren, bezeichne mich seit 2017 als Künstlerin, und noch bis vor zwei Monaten begleitete mich das miese Gefühl, den Anforderungen nicht gerecht zu werden, eine Lügnerin zu sein, einen Begriff zu beanspruchen, der mir nicht im Entferntesten zusteht. Ist es denn notwendig, sich Künstlerin zu nennen, wenn man daran zweifelt, eine zu sein?

Stellen Sie sich vor, dass von dem Moment an, da Ihre Erinnerung beginnt, jede Skizze, jede Zeichnung, jedes Bild, das Sie sehen, Bewunderung in Ihnen auslöst, es sei denn, Sie haben es selbst gemalt. Irgendwann finden Sie sicher eine Erklärung im fehlenden Selbstwert, an dem es stets zu arbeiten gilt, doch auch das ändert für Sie nichts daran, dass fremde Werke den eigenen immerfort überlegen sind. Kurz gesagt: Stellen Sie sich vor, Sie wären der untalentierteste Maler, den Sie sich vorstellen können.

Sie sind so weit? Dann stellen Sie sich nun vor, Sie wären stattdessen ein talentierter Geschichtenerzähler. Sie wüssten intuitiv um die Wirkung Ihrer Worte, die sich wie die Schneedecke vor Ihrem Fenster, über alle Farben des Lebens legen können. Wieso sollten Sie sich also Künstler nennen, wenn doch Schriftsteller – als Berufsbezeichnung gleichermaßen ungeschützt – weit mehr zutrifft und Ihrem Talent entspricht?

Ich sehe das genauso, und doch steckte ich über zwanzig Jahre lang in meinem inneren Konflikt fest. Ich hatte aus Respekt vor dem Begriff „Künstler“ nicht einmal darüber nachzudenken gewagt, mich an einer Kunsthochschule für das Studium der Malerei zu bewerben. Stattdessen ließ ich mich einschleusen, um vor allem die anderen Künstler für ihr Talent zu bewundern. Warum will ich mich also – geradezu verbohrt – als Künstlerin der Malerei sehen, ohne die Fähigkeit des Malens in die Wiege gelegt bekommen zu haben?

Ich weiß es nicht. Doch die Einsicht, niemals diesem Anspruch gerecht werden zu können, blieb wirkungslos. Stattdessen hoffte ich, eines Tages wenigstens einen Schattenwurf im Vorhang zeichnen zu können. Es wollte nicht gelingen. Natürlich hätte ich Strich für Strich einer Vorlage abmalen können, mich mit dem Malen nach Zahlen auseinandersetzen müssen, doch dafür fehlte mir die Ausdauer, und ich wollte auf keinen Fall meine Liebe zur Malerei durch das Kopieren von Strichen und Punkten gefährden. Wenn ein Bild nicht im Künstler selbst zu finden ist, hat er keinen Anspruch darauf, sich Künstler zu nennen. Keine Sorge, das gilt natürlich nicht für Sie und die 7,77 Milliarden Menschen. Das gilt nur für mich. Ich möchte mir nicht anmaßen, das Bild eines Künstlers danach zu bewerten, ob es aus ihm und der Tiefe seines Strebens entstand, den Anforderungen an einen Künstler gerecht zu werden.

Ich behaupte nur, dass das Streben jedes Einzelnen die Antwort darauf birgt, wie wertvoll seine Schöpfung für die Menschheit sein kann. Jeder Mensch hat das Recht, seine Schöpfung zum Erwerb anzubieten. Doch darf sich jeder Schöpfer der ungeschützten großen Begriffe wie Schriftsteller, Künstler oder Dichter bedienen?

Was ist mit der Erfindung des Teelichtes, welches – Sie werden mir zustimmen – jeden dunklen Keller in einen Ort der zeitlosen Romantik verwandeln kann? Ob sich Ericus Gerhardus Verkade angesichts seiner Schöpfung als Künstler sah? Und was ist mit einer Künstlerin auf dem Flohmarkt, die – wahrscheinlich ohne sich dessen bewusst zu sein, von Verkades Schöpfung inspiriert – bunt bemalte Papiertüten für Teelichter anbietet? Ist mir die Papiertüte für ein Teelicht weniger wert als ein handelsübliches Urinal? Ist mir der millionenfach verkaufte Handy-Klingelton „Crazy Frog“ weniger wert als die „Ode an die Freude“? Ist mir die Wand hinter dem Werk einer Mona Lisa weniger wert als das Gemälde selbst?

Worin unterscheidet sich der Wert einer Schöpfung von dem einer anderen? Am Ende doch im Streben des kreativen Geistes nach dem Leben, das er führen zu müssen oder zu wollen glaubt. Dem Streben nach Macht, Geld, Ruhm, Erfolg, Glück, Gott, Erleuchtung, einem besseren Leben, Heilung, Sicherheit, Sex, der ewigen Liebe …

Offenbart sich ein Künstler in seiner Schöpfung, sind wir Voyeure seiner Emotionen. Wir baden in ihrer Intensität. Je intellektueller wir zu sein scheinen, desto größer wird unsere Suche nach einem übergeordneten Sinn und der Hoffnung darauf, Antworten in künstlerischen Werken zu entdecken. Dabei ist es unerheblich, woraus die Schöpfung entspringt. Ob aus einer narzisstischen Sucht nach Bestätigung, dem histrionischen Streben nach Beachtung, der Flucht aus bitterer Einsamkeit oder der Hoffnung auf Unvergänglichkeit: Es scheint eine kreative Kraft zu geben, die danach strebt, sich als Teil der Gemeinschaft und dennoch als außergewöhnliches Individuum zu fühlen.

Im Spektrum der Kunst findet sich das Spektrum der kreativen Fähigkeiten jedes einzelnen der 7,77 Milliarden Menschen – vom absoluten Nullpunkt, dem leeren Raum, der Unbeweglichkeit von Körper und Geist bis zur aufopfernden Suche nach der Entschlüsselung der Natur. Wo befindet sich das eigene Schaffen in diesem kreativen Spektrum? Fragen, denen sich gut auf den Grund gehen lässt, wenn wir an prall gefüllten Regalen im Supermarkt vorüberziehen, wenn wir uns an der Wildheit der Natur erfreuen, deren Ressourcen wir unseren Bedürfnissen unterworfen haben, wenn wir uns Künstler nennen, ohne dass unser Schaffen an den fundamentalen Werken und Errungenschaften der Kunstgeschichte wächst.

Nach zwanzig Jahren unbeirrbaren Strebens, dem Titel Künstler gerecht zu werden, das ich weder aufgeben werde noch kann, wird es Sie vielleicht wie mich überraschen, dass ich es mir heute zugestehe.

Sollten Sie widersprechen wollen, bleibt mir immerhin dieses Zitat aus einem der bedeutendsten Werke der Literatur zu meiner Verteidigung: „Es irrt der Mensch, solang er strebt.“ – Prolog im Himmel; aus Goethes Faust

Vielleicht sehen wir uns eines Tages in unseren Werken?
Das würde mich freuen!
Ihre Katja Kirseck

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Titelbild: Anthropozän“, Acryl auf Leinwand, 120×80 by Katja Kirseck- nimmt mit diesem Werk Bezug auf die Anthropozän Hypothese: die Entstehung des menschlichen Bewusstseins, symbolisiert durch ein Mädchen mit einem Apfel in der Hand; der Einfluss des Menschen auf die Erde, symbolisiert durch Farbgebung und Abstraktion der Umgebung; die notwendige, bewusste Konzentration auf die gegenwärtige Situation, symbolisiert durch die Rune Algiz; schon im ersten Augenblick liegt der Same für den kommenden; ist sich der Mensch der Gegenwart bewusst, hält er seine Zukunft in der Hand.

Weitere Informationen über die Künstlerin Katja Kirseck: KaKiKunst | Filmproduktion | Berlin

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