Statt die bekannte Geschichte eines Meisters und seines Schülers zu erzählen, untersucht die Wifredo Lam & Pablo Picasso Schau den kreativen Austausch zweier Künstler, die die Moderne auf unterschiedliche Weise geprägt haben. Damit rückt sie zugleich einen Künstler ins Zentrum, dessen Bedeutung für die globale Kunstgeschichte heute neu bewertet wird.

Wifredo Lam & Pablo Picasso Ausstellung auf einen Blick

Titel: Wifredo Lam & Pablo Picasso
Ort: Galerie Gmurzynska, New York
Adresse: 595 Madison Avenue, New York, NY 10022
Laufzeit: 23. April bis 30. Juni 2026
Umfang: Rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978

Gezeigt werden: Gemälde, Arbeiten auf Papier, Collagen, Keramiken und Fresken von Wifredo Lam und Pablo Picasso

Besonderheit: Die Ausstellung beleuchtet die künstlerische Beziehung beider Künstler und präsentiert bislang wenig bekannte Aspekte ihres kreativen Austauschs.

Begleitpublikation: Wissenschaftlicher Ausstellungskatalog mit Archivmaterial und neuen Forschungsergebnissen.

Eine Ausstellung über mehr als nur eine Künstlerfreundschaft

Die New Yorker Galerie Gmurzynska widmet sich aktuell einer außergewöhnlichen Beziehung der Kunstgeschichte. Mit der Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“ rückt sie zwei Künstler in den Fokus, deren Wege sich 1938 in Paris kreuzten und deren Verbindung die Entwicklung der modernen Kunst nachhaltig beeinflusste.

Auf den ersten Blick scheint die Geschichte vertraut: Ein junger, talentierter Künstler trifft auf einen bereits weltberühmten Meister. Doch die aktuelle Neubewertung von Wifredo Lam zeigt, dass diese Erzählung zu kurz greift. Tatsächlich gilt Lam heute als einer der bedeutendsten transnationalen Künstler des 20. Jahrhunderts – und als eigenständige Stimme innerhalb der globalen Moderne.

Die Ausstellung kommt zu einem Zeitpunkt, an dem Museen, Kunsthistoriker und Sammler den Blick auf die Kunstgeschichte neu ausrichten. Künstler, die lange außerhalb des europäischen Kanons standen, erhalten zunehmend die Aufmerksamkeit, die ihnen jahrzehntelang verwehrt blieb.

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Óscar de la Concepción Lam y Castilla wurde 1902 in Sagua La Grande auf Kuba geboren. Seine Familiengeschichte vereinte unterschiedliche kulturelle Traditionen: Sein Vater war ein chinesischer Einwanderer, seine Mutter besaß afrikanische und spanische Wurzeln.

Diese kulturelle Vielfalt prägte sein gesamtes Werk.

Nach seinem Studium in Havanna zog Lam nach Spanien, wo er die Entwicklungen der europäischen Moderne aus nächster Nähe erlebte. Die politischen Spannungen der Zeit, der Spanische Bürgerkrieg und die Begegnung mit den Avantgarden Europas beeinflussten seine künstlerische Entwicklung nachhaltig.

1938 verließ Lam Spanien und zog nach Paris. Dort begegnete er Pablo Picasso.

Rückblickend markiert dieses Treffen einen Wendepunkt in der Geschichte der modernen Kunst.

Das Treffen mit Picasso

Als Wifredo Lam Picasso kennenlernte, war dieser bereits eine der bekanntesten Persönlichkeiten der internationalen Kunstwelt. Picasso erkannte schnell das außergewöhnliche Talent des kubanischen Künstlers und unterstützte ihn aktiv.

Er stellte Lam bedeutenden Persönlichkeiten der Pariser Avantgarde vor und öffnete ihm die Türen zu Netzwerken, die für seine weitere Karriere entscheidend werden sollten.

Über Picasso lernte Lam unter anderem André Breton kennen, den Begründer des Surrealismus. Gleichzeitig erhielt er Zugang zu Sammlern, Galeristen und Künstlern, die damals das kulturelle Leben Europas prägten.

Doch obwohl Picasso für Lam eine wichtige Rolle spielte, entwickelte sich der Kubaner keineswegs zu einem Nachahmer.

Warum Wifredo Lam heute neu entdeckt wird

Lange wurde Wifredo Lam vor allem über seine Verbindung zu Pablo Picasso wahrgenommen. Diese Sichtweise greift jedoch zu kurz. Zwar spielte Picasso eine wichtige Rolle für Lams Karriere und öffnete ihm die Türen zur Pariser Avantgarde, doch entwickelte der kubanische Künstler früh eine eigenständige Bildsprache.

Während Picasso sich intensiv mit afrikanischen und außereuropäischen Kunsttraditionen auseinandersetzte, brachte Lam diese kulturellen Erfahrungen bereits aus seiner eigenen Lebenswelt mit. Seine Werke verbanden afrokaribische Spiritualität, chinesische Herkunft, europäische Moderne und kubanische Identität zu einer Bildsprache, die innerhalb der Kunst des 20. Jahrhunderts einzigartig war.

Neuere Forschungen betonen zudem, dass die Beziehung zwischen beiden Künstlern keineswegs einseitig verlief. Picasso erkannte in Lam eine kulturelle Perspektive und Authentizität, die für die europäische Avantgarde von großer Bedeutung war. Die aktuelle Ausstellung zeigt deshalb nicht nur Einfluss, sondern auch Austausch – und rückt beide Künstler auf Augenhöhe zusammen.

Die Bedeutung von „The Jungle“

Wer sich mit Wifredo Lam beschäftigt, kommt an einem Werk nicht vorbei: „The Jungle“ aus dem Jahr 1943.

Das Gemälde gilt als Schlüsselwerk seines Schaffens und befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York.

Auf den ersten Blick zeigt das Werk ein dichtes Geflecht aus Pflanzen, Masken, menschlichen Körperteilen und fantastischen Wesen. Doch hinter der surrealen Bildwelt verbirgt sich eine tiefgehende Auseinandersetzung mit Kolonialismus, Identität und kultureller Unterdrückung.

„The Jungle“ machte deutlich, dass Lam die europäische Moderne nicht einfach übernahm. Er transformierte sie und schuf daraus eine eigene visuelle Sprache.

Heute gilt das Werk als eines der bedeutendsten Gemälde der globalen Moderne und als Schlüsselwerk der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Ein früher Vorreiter postkolonialer Perspektiven

Viele Themen, die heute die internationale Kunstwelt beschäftigen, finden sich bereits in Lams Werk.

Fragen nach kultureller Identität, Herkunft, Hybridität und kolonialen Machtstrukturen durchziehen seine Arbeiten Jahrzehnte bevor diese Begriffe Teil kunstwissenschaftlicher Debatten wurden.

Gerade deshalb wird Lam heute häufig als einer der bedeutendsten Vorläufer postkolonialer Kunstgeschichte bezeichnet.

Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand. Vielmehr entwickelte sie sich durch globale kulturelle Austauschprozesse.

In dieser Hinsicht verkörpert Lam eine moderne Vorstellung von Kunst, die heute aktueller erscheint denn je.

Warum Museen Wifredo Lam neu bewerten

In den vergangenen Jahren hat sich die internationale Wahrnehmung von Wifredo Lam deutlich verändert.

Große Ausstellungen in Europa und Nordamerika haben seine Bedeutung für die Kunst des 20. Jahrhunderts neu beleuchtet. Einen wichtigen Höhepunkt bildete die umfangreiche Retrospektive „Wifredo Lam: When I Don’t Sleep, I Dream“ im Museum of Modern Art in New York.

Die Ausstellung präsentierte Lam nicht als Randfigur der Moderne, sondern als zentrale Stimme einer globalen Kunstgeschichte.

Für viele Besucher war dies die erste Gelegenheit, die Vielfalt seines Werkes in diesem Umfang kennenzulernen.

Diese institutionelle Anerkennung wirkt sich zunehmend auch auf Forschung, Sammlungen und den Kunstmarkt aus.

Die Rolle der Galerie Gmurzynska

Vor diesem Hintergrund erhält die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska besondere Relevanz.

Anstatt Picasso als Hauptfigur zu präsentieren, untersucht die Galerie die Beziehung beider Künstler auf Augenhöhe. Die Ausstellung vereint rund 50 Werke aus den Jahren 1918 bis 1978, darunter Gemälde, Fresken, Arbeiten auf Papier, Collagen und Keramiken. Zu den Höhepunkten zählen eine seltene „Étude pour La Jungle“ von 1943 sowie bedeutende Werke aus dem Nachlass Lams. Ergänzt wird die Schau durch selten gezeigte Picasso-Arbeiten, darunter Fresken aus seiner Zeit in Biarritz.

Parallel erscheint ein wissenschaftlicher Katalog mit bislang unveröffentlichtem Archivmaterial zur Beziehung der beiden Künstler.

Damit verfolgt Gmurzynska einen Ansatz, der weit über klassische Ausstellungstätigkeit hinausgeht. Die Galerie positioniert sich als aktiver Akteur innerhalb kunsthistorischer Forschung und Neubewertung.

Warum die Ausstellung heute relevant ist

Die Neubewertung von Wifredo Lam steht exemplarisch für einen größeren Wandel innerhalb der Kunstgeschichte. Museen, Forschungseinrichtungen und Sammlungen hinterfragen zunehmend eurozentrische Erzählungen der Moderne und richten den Blick auf Künstler, die lange außerhalb des etablierten Kanons standen.

Lam nimmt in dieser Entwicklung eine Schlüsselrolle ein. Seine Werke zeigen, dass die Moderne nicht ausschließlich in Paris, Berlin oder New York entstand, sondern durch globale kulturelle Austauschprozesse geprägt wurde. Die Ausstellung der Galerie Gmurzynska macht deutlich, wie eng europäische Avantgarden mit Künstlern aus der Karibik, Afrika, Asien und Lateinamerika verbunden waren.

Gerade deshalb erscheint Wifredo Lam heute als eine der zentralen Figuren einer globalen Moderne – und nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos.

Warum Sammler auf Wifredo Lam blicken

Die steigende Aufmerksamkeit für Wifredo Lam hat auch Auswirkungen auf den internationalen Kunstmarkt.

Werke des Künstlers befinden sich heute in den Sammlungen führender Museen weltweit. Gleichzeitig wächst das Interesse privater Sammler an Positionen, die historisch bedeutend, aber lange unterrepräsentiert waren.

Lam vereint mehrere Faktoren, die für den Markt zunehmend relevant sind:

Internationale Museumspräsenz
Hohe kunsthistorische Bedeutung
Kulturelle Aktualität
Begrenzte Verfügbarkeit wichtiger Werke
Wachsende wissenschaftliche Forschung

Dadurch entwickelt sich Lam zunehmend zu einer der spannendsten Figuren innerhalb der klassischen Moderne.

Fazit

Die aktuelle Ausstellung der Galerie Gmurzynska zeigt weit mehr als die Beziehung zwischen zwei Künstlern.

Sie verdeutlicht, wie sich unser Verständnis von Kunstgeschichte verändert. Wifredo Lam erscheint heute nicht länger als Randfigur im Umfeld Picassos, sondern als eigenständiger Protagonist einer globalen Moderne.

Seine Werke verbinden Kulturen, Traditionen und historische Erfahrungen auf einzigartige Weise. Gerade deshalb gewinnt sein Schaffen heute eine neue Relevanz.

Die Geschichte von Picasso und Lam ist damit nicht nur eine Geschichte über Freundschaft.

Sie ist zugleich eine Geschichte darüber, wie Kunstgeschichte immer wieder neu geschrieben wird.

FAQ: Wifredo Lam und Pablo Picasso

Wer war Wifredo Lam?

Wifredo Lam (1902–1982) war ein kubanischer Künstler, der afrokaribische, chinesische und europäische Einflüsse mit Kubismus und Surrealismus verband. Heute gilt er als einer der bedeutendsten Vertreter der globalen Moderne.

Wie lernte Wifredo Lam Pablo Picasso kennen?

Die beiden Künstler begegneten sich 1938 in Paris. Picasso erkannte früh Lams Talent, unterstützte ihn mit wichtigen Kontakten zur Avantgarde und stellte ihn unter anderem André Breton vor.

Warum gilt Wifredo Lam heute als so bedeutend?

Lam entwickelte eine eigenständige Bildsprache, die kulturelle Identität, Spiritualität, Kolonialgeschichte und Moderne miteinander verband. Viele seiner Themen gelten heute als Vorläufer postkolonialer Kunstdiskurse.

Was ist „The Jungle“?

„The Jungle“ von 1943 ist das bekannteste Werk Wifredo Lams. Das Gemälde verbindet surrealistische Elemente mit afrokaribischer Symbolik und gilt als Schlüsselwerk der globalen Moderne.

Was zeigt die Ausstellung „Wifredo Lam & Pablo Picasso“?

Die Ausstellung untersucht die persönliche und künstlerische Beziehung zwischen Wifredo Lam und Pablo Picasso. Gezeigt werden rund 50 Werke aus sechs Jahrzehnten, darunter Gemälde, Collagen, Arbeiten auf Papier, Keramiken und Fresken.

Wo findet die Ausstellung statt?

Die Ausstellung wird in der Galerie Gmurzynska in New York gezeigt.

Wie lange läuft die Ausstellung?

Die Ausstellung läuft vom 23. April bis zum 30. Juni 2026.

Warum ist die Ausstellung relevant?

Die Schau zeigt, wie sich die Kunstgeschichte zunehmend von einer rein europäischen Perspektive löst und Künstler wie Wifredo Lam als zentrale Akteure einer globalen Moderne neu bewertet.

Die Ausstellung in Köln markiert nicht nur Josués Deutschland-Debüt, sondern auch einen besonderen Moment für die Ehren Art Galerie: Zum ersten Mal stehen Skulpturen im Fokus einer Ausstellung. Insgesamt 15 Skulpturen werden gezeigt, darunter bedeutende Werke aus Josués Debütkollektion sowie neue Arbeiten.

Einige der Skulpturen wurden vom international anerkannten, jungen Künstler Mikail Akar bemalt, der mit seinen farbenfrohen und dynamischen Akzenten Josués Werke auf eindrucksvolle Weise ergänzt.

Josue Benjamin Torres

Der venezolanische Künstler Josué Benjamín Torres begann 2020 seine Laufbahn mit einem Kunstprogramm beim Sender Nickelodeon. Anschließend eröffnete er seine eigene Galerie in Caracas. Eines seiner herausragendsten Werke ist die größte Skulptur des Heiligen Augustinus von Hippo weltweit, die sowohl durch ihre beeindruckende Größe als auch durch die künstlerische Vision und die technische Ausführung besticht.

Er ist vor allem für seine lebendigen und farbenfrohen Skulpturen aus Plastilin bekannt, mit denen er nicht nur eine verspielte Ästhetik, sondern auch tiefgründige Geschichten und Emotionen vermittelt. Seine Arbeit mit Plastilin verleiht seinen Werken eine einzigartige Textur und Flexibilität. Das Material ist in der bildenden Kunst eher unüblich, was ihn zu einem Innovator macht.

Josués Werke verbinden oft Elemente der Popkultur mit lateinamerikanischer Tradition und Mythologie. Seine Kunst nutzt er oft, um soziale und kulturelle Themen anzusprechen, fast immer mit einer humorvollen oder kritischen Perspektive. Josué sieht seine Kunst nicht nur als Ausdruck seiner Kreativität, sondern auch als Möglichkeit, Menschen zu inspirieren und Botschaften zu vermitteln. Seine Werke haben oft eine positive, lebensbejahende Wirkung und begeistern sowohl Kinder als auch Erwachsene.

Trotz seines jungen Alters von 15 Jahren hat Josué Benjamín Torres bereits international ausgestellt, unter anderem in Lateinamerika, Europa und den USA. Seine Werke haben große Aufmerksamkeit in der Kunstwelt erlangt und seine künstlerische Leistungen wurden von renommierten Medien, einschließlich Kunstzeitschriften und TV-Sendern, gewürdigt.

 

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Veranstaltungsdetails

Vernissage am 25. Januar 2025 um 18:30 Uhr
Ausstellung am 26. Januar 15 Uhr – 19 Uhr
Ab dem 27. Januar 02. Februar 2025 von Dienstags bis Freitags 12:00 – 14:00 Uhr + 16:30-19 Uhr

Veranstaltungsort: Gallery Ehren Art, Hüttenstraße 32, 50823 Köln.

Die Gallery Ehren Art ist bekannt für ihre vielfältigen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst und die Förderung junger Talente. Weitere Informationen finden Sie auf der offiziellen Website der Galerie.

Weitere Informationen

Zur Webseite der Galerie: GALLERY EHREN ART

Dhira Sarah Barein wurde in eine Künstlerfamilie geboren und entwickelte bereits im Kindesalter eine Leidenschaft für Kunst. Nachdem sie viele Jahre mit ihrer Mutter in Indien gelebt hatte, prägte diese Zeit ihren künstlerischen Stil maßgeblich. Später führten Studienreisen nach Spanien, Holland und Südamerika zu weiteren Veränderungen in ihren Werken.

Die innere Gespaltenheit und die ständige Suche nach der Bedeutung des Lebens inspirierten Barein zu einem Stil, der geprägt ist von idealistischen Weltbildern. In denen Menschen, Tiere und Umwelt in einer friedlichen Verbindung stehen. Seit 2001 hatte sie viele Ausstellungen in Indien, Spanien und Deutschland und nahm Aufträge entgegen, hauptsächlich in Pune/Indien, Ibiza/Barcelona/Spanien und Hamburg.

Ihre Werke wurden international ausgestellt, zudem erhielt sie als Künstlerin mehrere Stipendien und nahm an Kunstprojekten und  Messen teil. Ihre jüngsten Soloausstellungen und Performances fanden in Neu Isenburg, Wiesbaden und Darmstadt statt, sowie auf Mallorca und in Stuttgart. Gleichzeitig führt Dhira Sarah Barein auch ihre eigene Galerie – Dhira Art Galerie – nur einen Steinwurf von Frankfurt am Main entfernt. Im Interview möchten wir die Künstlerin und Galeristin besser kennen lernen.

Am SAMSTAG, den 20. April 2024 beginnt die Eröffnung von der neusten Ausstellung von Dhira Sarah Barein. In ihrer Galerie in der Kronengasse 5, 63263 Neu Isenburg. Um Anmeldung wird gebeten, nutzen Sie dafür auch gerne unseren Kontakt!

Dhira Sarah Barein im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Nachdem ich mein Leben lang in der Welt herum gebummelte bin ich nun seit 12 Jahren in Neu-Isenburg das ist 5 Minuten von Frankfurt am Main. Meine Arbeit beschäftigt sich schon immer mit Harmonie. Das sieht man nicht nur in den Sujets aber auch in den Farbgebung, wobei jetzt nur mehrere Begebenheiten in meinem Leben sehr stark noch die Komponente der Vergänglichkeit hinzu kommt. Außerdem versuche ich immer wieder Bewegung in das Gesehene zu bringen, sei es durch einen Schal oder ein paar Haare die davon fliegen.

Am 20.04 findet deine nächste Ausstellung statt – was können die Besucher erwarten?

Ich habe noch keinen Namen für die Ausstellung, aber es wird etwas mit Emotionen zu tun haben. Außerdem findet am selben Abend eine spannende Diskussionsrunde statt, zu der Künstler und Galeristen geladen sind in den Dialog miteinander zu gehen, es können Fragen über Kunst gestellt und beantwortet werden.

Wie würdest du deine Kunst einem Blinden erklären?

Abstrakte Hintergründe mit harmonischen Farbgebungen, Sujet mit schönen Frauen, mit Schmuck, Blumen oder Tieren oder anderem die in einer friedlichen Verbindung miteinander stehen. Idealistische Weltbilder, Schwung entsteht durch fliegende Kleider, Haare oder anderes was fliegt.

Du bist nicht nur Künstlerin, sondern auch Galeristin – wie bekommst du die verschiedenen Tätigkeiten unter einen Hut und wo liegt dein Schwerpunkt?

Mein Schwerpunkt liegt an meiner Herzensangelegenheit, ich sage immer „my best place to be“ ist hinter der Leinwand, da hält der beste Urlaub nicht mit. Manchmal ist es nicht einfach beides alleine unter einen Hut zu bekommen. Daher habe ich mich auch entschieden mir Hilfe zu holen.

Was war der Auslöser? Gab es einen Moment, in dem du dich entschieden hast, deine Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Ja, da war ich Anfang 20. Und jemand wollte ein 120×120 Bild kaufen. Damals gab es noch keine Digitalfotografie und er hat nur ein Bild von mir gesehen. Aber es gefiel ihm so gut, das war in Hamburg, er bot mir außerdem an in seinem Seminarhaus eine Ausstellung zu machen, das lief sehr gut, also habe ich weiter gemacht.

Gibt es etwas, was du auf dem Kunstmarkt gerne ändern würdest?

Ja, ich denke, im Moment wird so viel Fokus auf Individualität gelegt und so wenig auf das wahre Können eines Künstlers, das fängt schon im Studium an, zumindest bei vielen Unis. Ich bin manchmal schockiert welche Kunst juriert wird. Außerdem könnte der Staat etwas mehr für die Unterstützung von Künstlern tun. Der Beruf muss genauso ernst genommen werden wie jeder andere denn mal ganz ehrlich, wie sähe die Welt aus ohne Kunst?

Ich stelle hier die Fragen 😂. Im letzten Jahr 2023 hattest du 12 Events bei dir in der Galerie – dieses Jahr ist noch nicht soviel öffentlich gemacht worden – kannst du schon verraten, was die Besucher in den nächsten Monaten erwarten können?

Da ich einige Projekte, Solo und Gemeinschafts-Ausstellungen und Messen nicht nur in Deutschland vorhabe, habe ich bis jetzt nicht so viel in der Galerie geplant.

Die nächste Solo Ausstellung in meiner Galerie ist nach langem mal wieder mit meinen eigenen Werken, am 25.5.2024 kommt eine Foto Ausstellung mit Nabiha Dahhan und Irmin Bernstedt, am 8.6. ist ein persischer Abend mit Lesung und Musik angesetzt. Und dann erst im Herbst wieder eine Ausstellung mit Malerei von Irina Wolff und Vitali mit Skulpturen.

Aber ich plane ja längerfristig mit dir zu arbeiten. Und wenn alles gut geht, werden noch mehr Events dazu kommen und trotzdem kann ich mich dadurch mehr auf meine eigenen künstlerische Entwicklung konzentrieren.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Meine persönliche Meinung? Nein, es gibt Grenzen, da können wir ja am 20. mal drüber diskutieren.

Sehr gerne, danke für die Einladung! In deinen Werken finden sich Bezüge zu Tod, Geburt und dem Leben als solches, verarbeitest du damit auch persönliche Erfahrungen oder Erlebnisse?

Ja, manchmal schon, vor ein paar Monaten ist eine gute Freundin von mir gestorben, es ist ein Bild in orangenen Tönen entstanden es sieht etwas jugendstilmässig aus, eine Mutter mit Baby und vielen Blumen im Haar, die Blumen symbolisieren jedes Lebensjahr auf der Erde, das Bild heißt „The Beginning“.

Wie kann man sich deinen Schaffensprozess, die Entstehung einer Arbeit von dir vorstellen? Hast du eine bestimmte Herangehensweise? Rituale? Arbeitsabläufe oder kommt da auch viel aus der Situation selbst?

Meistens sehe ich ein Foto z.B. eine Frau in irgendeiner schönen Pose, das ist die Grundsubstanz, die wird dann geschmückt und verändert, dabei ist das ein sich wandelnder Prozess, das Bild sagt mir dann irgendwie was es noch braucht. Manchmal fange ich auch mit dem Hintergrund an und da wird dann das Sujet darauf montiert. Manche Künstler machen sich Zeichnungen oder Photoshop Kollagen, ich arbeite lieber frei. Und schaue was passiert, dadurch wird das Bild lebendiger. Außer natürlich bei einer Auftragsarbeit, da halte ich mich natürlich an das Gewünschte.

Wir brauchen Schlagzeilen, gibt es Künstler oder Kunstrichtungen mit denen du überhaupt nichts anfangen kannst?

Oh ja – es gab eine Ausstellung in Barcelona, als ich dort eine zeitlang gelebt habe. Da war ein Film der 20 Minuten in Schleife lief. Wo eine Frau mit einem blutigen Messer röchelnd und blutverschmiert am Strand entlang lief. Ich weiß nicht mehr, was der Künstler uns damit sagen wollte. Aber ich finde selbst weltkritische Dinge kann man mit einer gewissen Ästhetik ausdrücken. Da dachte mir die moderne Kunst kann nichts mit meiner Harmonie anfangen und habe fast ein Jahr nichts gemacht.

Was war denn bisher dein schönstes Feedback?

Oh da gibt es mehrere, erstens; es kam öfter vor, dass einer, der keine Ahnung von Kunst hat und kaum Geld auf dem Konto ein Bild kaufte und dieses in Raten zahlte, weil das Kunstwerk so berührt. Eines ist, wenn jemand, der echt viel Ahnung von Kunst hat, mir sagt, dass ich sehr talentiert bin. Oder mein Mann macht nicht oft Komplimente, aber wenn er sagte das Bild: „Dancing with the rain“ – „verkaufe es bitte nicht unter 10 000 Euro“ – dann ist das ein riesengroßes Kompliment.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times – oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Lass uns die Welt etwas schöner verlassen als wir sie vorgefunden haben.

Ein schönes Schlusswort! Ich freue mich auf den 20.04 bei dir in der Galerie. Und für Kunstfreunde und Leser, die nichts verpassen möchten, gehen weitere Informationen bereits in Kürze online!

 

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Zahlreiche Familienunternehmer aus Köln und Bonn trafen sich zu einem Galerierundgang im Belgischen Viertel in Köln. Mit dem Ziel, mehr  über den kreativen künstlerischen Prozess, den Kunstmarkt und die Tätigkeiten von Galeristen zu erfahren.

Galerie Boisserée

Erste Station: Die Galerie Boisserée. Die 1838 gegründete Galerie ist eine der ältesten Locations für den Verkauf von Kunst in Deutschland. Johannes Schilling, der die Galerie 1988 von seinem Vater übernommen hat und gemeinsam mit Thomas Weber leitet, begrüßte die Gäste.  Am Anfang erläuterte er die höchst geschichtsträchtige Historie seiner Galerie.

So erfahren die Teilnehmer des Rundgangs, dass die Cousins Josef und Wilhelm Boisserée bereits 1838 eine Buch- und Kunsthandlung im Kölner Minoritenviertel eröffneten. Das schuf die Basis für die heutige Galerie. Die Onkel der beiden Gründer waren die einflussreichen Kaufleute und Kunstmäzene Melchior und Sulpiz Boisserée. Letzterer war übrigens ein enger Freund von Johann Wolfgang von Goethe, der damals bereits Kunstgrafiken sammelte. Sulpiz Boisserée setzte sich zudem auch für die Vollendung des Kölner Doms ein.

Heute präsentiert die Galerie auf zwei Ausstellungsebenen internationale moderne und zeitgenössische Kunst. „Einer unserer Schwerpunkte ist der Verkauf von „modern and contemporary prints and works on paper“, das sind internationale Grafik- und Meisterarbeiten auf Papier aus dem 20. und 21. Jahrhundert“, erklärt Johannes Schilling.

Etwa vier bis fünf Ausstellungen im Jahr präsentiert die Galerie Boisserée auf etwa 250 Quadratmetern. Darunter Werke von Kunst-Ikonen wie Pablo Picasso, Georges Braque oder Joan Miró, Pierre Soulages und Eduardo Chillida oder Andy Warhol und Roy Lichtenstein.

AquaVision

Ein ganzes anderes Galerie-Konzept präsentiert die Kölner Unterwasser-Fotokünstlerin Gaby Fey. In ihrem Showroom „AquaVision“ an der Limburger Straße 37 präsentiert die Künstlerin ihre eigenen Arbeiten. Ein Highlight ihres umfangreichen Schaffens: Ihre beeindruckende fotografische Interpretation des „Abendmahls“ von Leonardo Da Vinci – aufgenommen in Südfrankreich mit Darstellern unter Wasser.

Zusammen mit dem Kunstexperten Nico Overkott, Projektmanager bei der Galerie Geuer & Geuer spricht Gaby Fey ausführlich über das „Making-of“ dieser Arbeit. Jeder Ausdruck, jede Geste der Darsteller sowie sämtliche Accessoires plant die detailverliebte Künstlerin. Bevor sie auf den Auslöser drückt. Alles in allem dauerte die Herstellung dieser großformatigen Arbeit etwa ein Jahr.

Gaby Fey betont: „Der Höhepunkt der Arbeit ist natürlich das Foto-Shooting unter Wasser.“ Sie führt aus: „Dabei geht es vor allem darum, genau im richtigen Moment auf den Auslöser zu drücken, um die Seele des Bildes festzuhalten.“ „Da alle Beteiligten ohne Sauerstoffgerät arbeiten, bleiben also immer nur ganz wenige Minuten, um das Foto zu machen“, ergänzt Nico Overkott.

Spektakulär sind auch ihre Interpretationen von Théodore Géricaults „Floß der Medusa“. Sandro Botticellis „Die Geburt der Venus“ oder Eugène Delacroix‘ „Die Freiheit führt das Volk“, in der ihre „Marianne“ mit einem Lichtschwert für eine bessere Zukunft kämpft. Ebenso Fotos ihrer Bilderserie „Danse Vulcanique“, die mit professionellen Tänzern umgesetzt wurden und ungewöhnliche Modefotografien, die bei dem Rundgang durch die Galerie vorgestellt wurden.

Einen konkreten Eindruck von Gaby Feys Arbeitsweise bekamen die Besucher dann durch die Vorführung der Film-Dokumentation „Gaby Fey – Im Bilderrausch des Meeres“. Moderator Wolfram Kons zeigt darin, wie die spektakulären Unterwasser-Fotografien in einem Pool oder im Mittelmeer an der Côte d’Azur, Gaby Feys zweiter Heimat, entstehen.

„Wir haben an diesem Abend viel gelernt und Neues erfahren“, so das Fazit von Frank Oelschläger. Oelschläger ist Vorsitzender des Regionalkreises Metropolregion Köln Bonn von DIE FAMILIENUNTERNEHMER. Er fügt hinzu: „Ich hatte den Eindruck, dass Galerist Johannes Schilling und Künstlerin Gaby Fey vor allem eines gemeinsam haben: Die brennende Leidenschaft für die Kunst und ihre Arbeit.“ Nicht nur in dieser Hinsicht sind Künstler und Galeristen eben auch Unternehmer.

Weitere Informationen

Titelbild: v.r.n.l.: Frank Oelschläger, Gaby Fey, Nico Overkott, Fotorechte Gaby Fey

Weitere Informationen über Gaby Fey: gaby-fey.com

Die Galerie Boisserée: www.galerie-boisseree.com

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Jutta Jungs kreative Handschrift lässt sich nicht in eine Schublade stecken. Die Künstlerin bewegt sich in ihrem künstlerischen Ausdruck zwischen Neo-Pop-Art, Figurativem Expressionismus und Magischem Realismus…

Die Neusser Künstlerin zeigt in ihrer kommenden Ausstellung in der Galerie ART ROOM-Düsseldorf neue realistisch-expressive Gemälde mit Frauenmotiven in denen sie textil anmutende Strukturen mit lasierend leuchtenden Farbschüttungen verbindet.

Als Gegenpol zu ihren Frauenbildern, die teilweise autobiografischen Ursprungs sind oder auch die Fantasie des Betrachters für eigene Geschichten anregen können, stellt sie in der Galerie auch eine aktuelle Serie von Flächengemälden vor. Diese sind in ihrer typischen Farbigkeit und in sich überschneidenden Formen und Strukturen gehalten. Hinzu kommt ein Auszug aus ihrer Kollektion von „Frauengeschichten und Traumlandschaften“ mit expressiven Porträtzeichnungen und abstrakten Gemälden.

FRAUENGESCHICHTEN UND TRAUMLANDSCHAFTEN

Jutta Jung: „Wir alle leben in einer Welt, und doch wieder nicht. Wir sehen alle das Gleiche, nehmen es aber unterschiedlich wahr. Die Vielgestaltigkeit von äußeren und inneren Ansichten hat mich schon immer fasziniert.“

Auf großen Leinwandformaten erarbeitet Jutta Jung sich malerisch-gestisch das was sie sichtbar machen will. Dabei trifft Kraft auf Farbe. Feiner Strich und Zeichnung gehen auf Papieren und kleineren Bildformaten Verbindung mit Malerei ein – von kontemplativ bis impulsiv.

Farbwelten, abstrahierte Landschaften, Symbole und Zeichen aufgreifende Kompositionen, figurative Elemente oder Darstellungen von Menschen: Jutta Jung verbindet in ihren Bildern eine Vielfalt von Materialien und künstlerischen Techniken, um ihre Perspektiven und Sehweisen darzustellen. „Es gibt immer wieder neue Welten zu entdecken“, sagt sie.

Jutta Jung – Vita

Die Künstlerin lebt und arbeitet im Rheinland. Ihr Fachabitur für Gestaltung absolvierte sie an der Albrecht-Dürer Schule in Düsseldorf. Es folgte ein Design-Studium (Schwerpunkt Textil-Design) an der Hochschule Niederrhein in Krefeld. Langjährige Tätigkeit als Textildesignerin und Kollektionsgestalterin in der rheinischen Textilindustrie.
Seit 2003 freischaffend als Designerin und Künstlerin im eigenen Atelier: Seit 2010 ausschließliche Konzentration auf die frei künstlerische Arbeit in Malerei und Zeichnung. Seit 1988 ist Jutta Jung auf Einzel – und Gruppenausstellungen präsent.

 

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Mehr über die Künstlerin: https://juttajungartwork.com/

Weitere Informationen über die Galerie: Galerie ARTROOM

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So langsam geht der Ausstellungsbetrieb wieder los. Die derzeit gelockerten Corona-Maßnahmen hat die Karlsruher Galeristin Bruneta Reinert genutzt eine Gruppenausstellung mit vier ausgesuchten Kunstschaffenden zu organisieren. Einer davon ist Kadée. Er nimmt die Gelegenheit wahr, ein zweites Preview seiner VERTIGO-Bilder zu präsentieren. Da der Ministerpräsident Kretschmann die Inzidenzbeschränkungen in Baden-Württemberg aufgehoben hat, gehen wir davon aus, dass die Vernissage wie geplant am 03.09.2021 stattfinden kann.

VERTIGO – KUNST AUF DEN KOPF

Der Esslinger Künstler Klaus „Kadée“ Eberhardt erschafft Kunstwerke, die je nach Gusto gedreht, gewendet und gestellt werden können und sollen. Daher gibt es bei diesen Werken weder oben und unten noch vorne oder hinten. Er nennt es VERTIGO-Kunst. Basierend auf dem lateinischen Begriff, der das Drehen und Herumdrehen ebenso beinhaltet wie Strudel, Wirbel und Schwindel. Jetzt zeigt Kadée erstmals eine Auswahl in Karlsruhe.

Ein gemaltes Kunstwerk hängt gewöhnlich gerade an der Wand. Kadée‘s Werke kann und soll man hingegen drehen und sie sogar mitten ins Zimmer hängen, weil sie eine vorzeigbare Rückseite haben, die je nach Gesichtspunkt auch die Vorderseite sein könnte. Jede Person, die es sich anschaut, sieht etwas Anderes und je nach Stimmung oder Tageszeit verändert es sich wieder und wieder – alles ohne Elektronik, Stromanschluss oder Batterien, wenngleich die Verbindung zur Welt der elektronischen Medien durchaus präsent ist.

Kunst zum Durchdrehen…

Es ist im wahrsten Sinne des Wortes zum Durchdrehen, denn man kann die Kunstwerke auch noch untereinander endlos kombinieren oder gar zur Plastik umbauen und auf den Boden stellen. Dabei bleibt jedes Bild in jedem der verfügbaren Formate ein Unikat. Sogar mit gesellschaftspolitischer Aussage, wenn die geneigten Betrachter es denn so wollen. Von der verspiegelten, als Platine gestalteten Seite führen stilisierte Datenleitungen aus der modernen Cloud in die Wolken der gegenüber liegenden Bildseite. Die schmalen Spiegelstreifen verbinden den dynamisch kreisenden Wolkenwirbel mit den mathematisch klaren Linien von Quadrat und gleichschenkligen Dreiecken. Zusätzlich stellen die stilisierten, verspiegelten Datenleitungen die Verbindung her zwischen der leichten, kaum fassbaren Konsistenz von Wolken und Spiegelbild mit den schweren, festen Metallecken und Hammerschlag-Nägeln.

Zusammen mit den massiven Rahmenhölzern und dem Malgrund aus robustem Segeltuch erreichen die VERTIGO-Werke eine einzigartige Haptik und Stabilität.

Geht doch alles gar nicht, sagen Sie? Machen Sie die Probe aufs Exempel! Kadée stellt aus und führt vor am 03.09.2021 in der Gallery Reinert, Hermann-Billing-Straße 9, 76137 Karlsruhe.

Weitere Informationen

Gastbeiträge von Kadée: Künstler und Pressearbeit – Gedanken zum Kunstmarkt #5

Mehr über die Galeristin Bruneta Reinert: @brunetareinert • Instagram-Fotos und -Videos

Die Gallery Reinert: www.galleryreinert.de

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Der Programmkalender der Berlin Art Week 2021 ist online. Damit nähert sich die 10. Ausgabe der Berlin Art Week. Vom 15. bis zum 19. September 2021 präsentieren neben Messen, Privatsammlungen und zahlreichen Galerien, über 20 der wichtigsten Berliner Museen und Ausstellungshäuser der zeitgenössischen Kunst ein besonders umfangreiches Programm. Im 3. Newsletter von der Berlin Art Week geben die Veranstalter einen aktuellen Statusbericht.

Berlin Art Week 2021

In Alicja Kwades Einzelausstellung ›In Abwesenheit‹ in der Berlinische Galerie steht die Künstlerin mit neuen, einem Selbstporträt ähnlichen Arbeiten zum ersten Mal selbst im Zentrum.

Der Gropius Bau zeigt Arbeiten von Thea Djordjadze und eine raumgreifende Lichthof-Installation von Emeka Ogboh, der mit seiner Soundinstallation ›The Way Earthly Things Are Going‹ gleichzeitig auch Teil von ›The New Infinity‹ der Berliner Festspiele im Zeiss-Großplanetarium ist.

In der Akademie der Künste widmet sich die Ausstellung ›Nothingtoseeness. leere/weiß/stille‹ der Farbe Weiß.

Im Mittelpunkt der Ausstellung ›Pallay Pampa‹ in der ifa-Galerie Berlin stehen Künstler*innen und Aktivist*innen aus Peru und auch das Times Art Center Berlin wählt mit ›Más Allá, el Mar Canta‹ einen südamerikanischen Fokus und nimmt die chinesische Diaspora in Mittelamerika und der Karibik als Ausgangspunkt.

Ein besonderes Highlight ist das Jubiläumswochenende ›30 Jahre KW‹ am 18. und 19. SEP mit einem vielseitigen Veranstaltungs- und Performanceprogramm rund um das KW Institute for Contemporary Art in der Auguststraße.

Das gesamte Jubiläumsprogramm der Berlin Art Week 2021: https://berlinartweek.de/programm

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Titelbild: Berlin Art Week/Quelle:Instagram

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Das KunstForumEifel wurde schwer vom Hochwasser geschädigt. Das Kunstforum schreibt auf der eigenen Webseite:

„Die Situation am 19. Juli 2021 war, das wir den Schlamm entfernt haben  und dabei die extremen Folgeschäden festgestellt haben:  das gesamte Inventar musste entsorgt werden. Die Wände in Trockenbauweise  sind durchfeuchtet und müssen  erneuert werden. Die Gebäudetrocknung wird noch Wochen in Anspruch nehmen.  Der Keller konnte wegen Schlamm und Geröll noch gar nicht betreten werden. An die Stromverteilung kommt man nicht dran. Es ist massiv viel zu tun. Da wir das KunstForumEifel gemietet haben, können wir nicht abschätzen, wann die Stadt Schleiden als Vermieter überhaupt mit Sanierungsarbeiten starten kann. Die Lage im gesamten Kreis Schleiden und Gemünd ist katastrophal.“

Künstler engagieren sich

Der Ludwigshafener Verein Kultur Rhein-Neckar organisierte nun eine Spendenaktion zur Unterstützung der kreativen Kollegen aus der Eifel. Die Künstler Andrea Esswein, Andreas Becker, Werner Degreif, Götz Diergarten, Hussein Ahmad, Sabine Dehnel, Bernd Köhler, Gerd Reutter, Barbara Straube, Markus Stürmer, Ulrich Thul, Helmut van der Buchholz und Wolfgang Vogel aus dem Rhein-Neckar Gebiet stiften Kunstwerke.

Spender erhalten als Dank für Ihre Geldspende ein Kunstwerk. Im Kulturcafé Franz & Lissy in Ludwigshafen werden die gestifteten Werke Freitags und Samstags von 17 bis 19 gezeigt. Online können Sie die Aktion auf www.kulturrheinneckar.de verfolgen.

Weitere Informationen

Mehr über das KunstForumEifel: www.kunstforum-gemuend.de

Das KunstforumEifel auf Instagram: @forumeifel • Instagram-Fotos und -Videos

Kunst kaufen – gutes tun! – Andreas Görzen spendet Kunst für Hochwasserkatastrophengebiet

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Anlässlich des 200. Jubiläums der Unabhängigkeit Perus präsentiert die Galerie Melbye-Konan zusammen mit dem Generalkonsulat von Peru in Hamburg vom 28. Juli bis zum 25. August 2021 eine Duo-Ausstellung. Die Galerie Melbye-Konan, die im September letzten Jahres eröffnete, vertritt in ihren 230m² großen Räumlichkeiten am Hamburger Jungfernstieg insbesondere Künstler*innen aus Afrika oder mit starkem Bezug zum Kontinent.

Ausgestellt werden die Werke des peruanischen Fotografen Uriel Montúfar, dessen Bilder sich auf indigene Weltansichten und die Beziehung zwischen Mensch und Umwelt beziehen, und die neuesten Porträts des ivorischen Malers Atowla die sich in ihrer Technik und ihren Sujets an Fotografien orientieren. Der Dialog, der zwischen Montúfars und Atowlas Werken entsteht, ist ein Beispiel für die Bedeutung des kulturellen Synkretismus im heutigen Peru und eine Anerkennung des Beitrags afrikanischer Kulturen zu den verschiedenen Bereichen der Entwicklung des Landes – in diesem Fall vor allem seiner kulturellen Aspekte.

Am 28. Juli 2021, findet die Vernissage mit exklusiv geladenen Gästen aus Politik, Diplomatie, Kultur und Gesellschaft statt.

ATOWLA

 
Der aufstrebende Künstler Atowla Kouadio (*1997, Côte d’Ivoire) studierte an der École Nationale des Beaux Arts in Abidjan. Er gewann bereits 2019 den “Young Artists of the Future (JAA) Prize” und den „Peace and Environment Prize“ in Abidjan. Atowlas Gemälde ähneln Fotografien – beim Näherkommen entpuppen sich die Bilder als eine Konstellation von Punkten, die die Umrisse von Gesichtern bilden. Der Hintergrund ist immer eine Allusion. Die Dynamik wird durch Farbabstufungen erzeugt. Seine Arbeit hinterfragt die Macht der bildlichen Darstellung auf vielen Ebenen! Von der Reproduktion historischer und ikonischer Bilder bis hin zum Phänomen des Social-Media-Zeitalters. Sein neuestes Werk, welches in der kommenden Ausstellung präsentiert wird, besteht aus drei Serien: Série Miss, Série Politique und Série Life.

Atowla auf Instagram: @atowlakouadio • Instagram-Fotos und -Videos
 

URIEL MONTÚFAR

 
 
Uriel Montúfar ist leidenschaftlicher Fotograf und Umweltanwalt. Er wurde als Quechua geboren und ist als Teil der Aymara aufgewachsen. Seine persönliche Verbindung zu diesen indigenen peruanischen Gruppen spielt eine große Rolle in seinen Fotografien, durch die er versucht, indigene Weltansichten und die Verantwortung der Menschen gegenüber der Erde zu vermitteln. Montúfar bezieht sich in seinen Bildern sowohl auf den Kapitalismus, als auch die vorschreitenden Auswirkungen der Industrialisierung auf unsere Umwelt. Sein beruflicher Bezug zur Thematik erlaubt ihm außerdem, eine emotionale und tiefgründige Verbundenheit zwischen Kunst, Umwelt, den Urvölker Südamerikas und sozialpolitischen Themen entstehen zu lassen. Insbesondere konzentriert er sich dabei auf die Beziehung des Menschen zu Pachamama – Mutter Erde.

Der Fotograf wurde unter anderem von UNESCO im Rahmen der Projects for the Safeguarding of Intangible Cultural Heritage und bei den Sony World Photography Awards ausgezeichnet.

Uriel Montúfar auf Instagram:  @urielmontufar• 376 Fotos und Videos
 

Weitere Informationen

 
Titelbild: Uriel Montúfar, Alaxa Pacha Series, 2020, Photograph (Alu-Dibond), 107 x 160 cm_3

Weitere Informationen über die Galerie, Öffnungszeiten etc. : Hier klicken

Melbye-Konan Galerie auf Instagram: @galerie_melbyekonan • Instagram-Fotos und -Videos

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Neuer Kunst-Kurzfilm von KaKiKunst: KaKiKunst: ICH BIN | JE SUIS – Was ist schön?

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Vor knapp einer Woche feierte die Galerie Kunst.lokal in Norddorf auf Amrum ihre Eröffnung. Die Betreiber Bernadette Ehl und Jonas Seigel sind selbst künstlerisch aktiv, freuen sich aber auch sehr darauf andere lokale Künstler auszustellen. Den Anfang macht Jens Gerdes, der aktuell seine Strandburgen-Bilder in der Galerie Kunst.lokal präsentiert. Veranstaltungen wie Lesungen oder kleine Konzerte können sich die jungen, frischen Galeristen ebenfalls vorstellen. Zuviel möchten die Beiden in der aktuellen Lage noch nicht verraten bzw. versprechen. Doch ein Highlight für Urlaubsgäste, lassen sie bereits durchschimmern. So sollen gesammelte Naturalien; wie Muscheln oder Blumen in der Galerie vergoldet werden können. Eine ganz besondere Urlaubserinnerung.

Die kleine aber feine Galerie, pflegt auch einen Instagram-Kanal auf dem über neue Projekte und Ausstellungen informiert wird:

 

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Standort der Galerie: Lunstruat 12, Norddorf auf Amrum

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Unsere aktuelle digitale Ausstellung „Die Sonne scheint für Alle“ von Julien Bouzoubaa

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