Im NIO Frankfurt läuft aktuell eine Ausstellung von Julia Mann bis zum 29. März. Am letzten Tag ist auch eine Finissage mit anwesender Künstlerin angesetzt. Die Vernissage läuft von 17:30 bis voraussichtlich 19:00 Uhr.

Ihre Leidenschaft für die Kunst entdeckte Julia Mann bereits mit 19 Jahren, doch erst später wurde die Malerei zu ihrem Lebensweg. Sie entwickelte eine eigene, unverwechselbare Handschrift: Mit intuitiven Pinselstrichen und leuchtenden Neonfarben erschafft sie Kompositionen, die den Betrachter visuell herausfordern, ihn einladen in eine unbeschwerte Welt einzutauchen und sich seiner eigenen Stärken bewusst zu werden. Besonders die harmonische Balance der fließenden Farben verleiht ihren Werken eine mitreißende Dynamik.

Die Künstlerin setzt sich Gegenwärtig mit dem Thema der Selbstverwirklichung auseinander. Die Entfaltung der eigenen Persönlichkeit und die Weiterentwicklung der Fähigkeiten der eigenen Person steht im Fokus.

Künstlerin Julia Mann im Interview

Nächste Woche ist deine Finissage im NIO Frankfurt, wie geht es dir und wie lief es bisher?

Vor einer Veranstaltung bin ich immer etwas nervös und versuche alles genau zu planen um auf alles vorbereitet zu sein an dem Tag. Meine Kunstwerke kommen sehr gut an bei den Menschen in Frankfurt. Sie passen toll in das NIO Haus und sind ein wahrer Eyecatcher. Deshalb freue ich mich einfach auf den Abend und erhoffe mir einen tollen Austausch mit Kunstliebhaber.

Wie hast du überhaupt zur Kunst gefunden und wie viele Werke sind bis heute entstanden?

Es war nicht geplant, eher Zufall. Wir sind in unser neues Haus gezogen und die Wände waren weiß. Zu weiß und dann habe ich selbst mit eine Leinwand und Farben gekauft und einfach mal angefangen. Das es so groß wird habe ich damals niemals gedacht. Das ist schon verrückt im Nachhinein. Ich denke zwischen 200-300 Werke, ob groß oder klein.

Wie kann man sich den Entstehungsprozess von deinen Werke vorstellen?

Keine Skizzen, nur gute Musik. Manchmal stelle ich mir die Farben zusammen, aber ganz oft entsteht es intuitiv.

Was macht gute Kunst für dich aus?

Schwer zu sagen. Es gibt so viele Künstler und so viele Geschmäcken. Jeder Mensch hat seinen eigenen Geschmack welche Kunst er gut findet. Für mich ist gute Kunst, kreativ, einzigartig, individuell und mit Liebe gemalt. Und es muss mir gefallen!

Muss Kunst immer eine Botschaft haben oder kann sie auch einfach „nur schön“ sein?

Jedes Kunstwerk hat seine eigene Botschaft für mich, ich dränge die aber nie meinen Sammlern auf. Jeder kann doch seine eigene Geschichte und Interpretation haben. Viele kaufen ein Kunstwerk, weil sie es schön finden und ich finde dies reicht auch, wenn es die Menschen so glücklich macht.

Was möchtest du mit deiner Kunst erreichen?

Ich bin noch am Anfang meiner Reise und bin so gespannt, wohin die Reise gehen wird. Ich möchte meine Kunstwerke in noch mehr Städten ausstellen, auch international. Da habe ich auch schon Angebote bekommen, die ich noch nicht angekommen habe, wegen meinen zwei kleinen Kindern, aber das möchte ich in Zukunft bald realisieren.

Wer soll deine Kunst auf keinen Fall kaufen?

Menschen die meine Werke und mich nicht mögen. Pessimisten und negativ eingestellte Menschen.

Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Puh schwere Frage, ich halte mein Privatleben so gut es geht aus Instagram und Co. Heraus, das hat auch dort nichts zu suchen meiner Meinung nach. Ansonsten bin ich eigentlich ein sehr offener und unkomplizierter Mensch, der auch gerne auf fast jede Frage antwortet.

Hattest du schonmal so etwas wie eine Schaffenskrise? 

Klar hat man mal ein Hängerchen, besonders wenn der Druck so groß ist. Hier das Auftragswerk, da die Ausstellung, schnell noch das und das machen. Das geht manchmal an die Substanz. Was ich gelernt habe, wenn es nicht mehr geht dann geht es nicht. Lieber mal ein Tag Pause machen, die Menschen warten auf ihr Werk, denn es soll ja etwas ganz besonderes sein. Manchmal sieht es nach einem Tag schon wieder ganz anders aus. Mir hilft wirklich immer gute Laune Musik und die Sonne, wenn sie mal da ist.

Gibt es etwas, was du auf dem Kunstmarkt gerne ändern würdest?

Ja, die Vorurteile. Ich werde oft gefragt, wie ich denn von meiner Kunst leben kann oder mir wird gesagt, die armen Künstler. Ich glaube manche suchen dann den Hut für die Münzen im Atelier 😉 das bringt mich oft zum schmunzeln. Des Weiteren fände ich es schöner, wenn es mehr Zeit in miteinander anstatt ein gegeneinander wäre. Jedes Kunstwerk ist anders und es gibt so viele Käufer für alle Möglichkeiten Kunstwerke. Da verstehe ich manchmal den Neid und die Missgunst nicht. Ich helfe wo ich kann und verbinde auch gerne Künstler mit Ausstellungsorten, why Not.

Kannst du nach NIO schon mehr über kommende Projekte oder geplante Ausstellungen verraten?

Also es ist im Sommer ein Event mit Mini geplant, da freue ich mich schon sehr darauf. Anfang Mai ist ein großes Event zusammen mit dem tollen Weingut Braunewell geplant. Vielleicht geht es Ende des Jahres nach Berlin in eine Galerie.

Warum sollte man unbedingt mal zu einer Ausstellung von dir kommen oder sich mit deinen Werken auseinandersetzen?

Man muss meine Kunstwerke einfach mal live gesehen haben. Die Tiefe und Details sieht man oft nur aus der Nähe, auch wenn das Licht darauf scheint ändert sich das Kunstwerk. Die Gold und Neon Akzente kommen zum Vorschein. Es ist eine kleine Reise, ein Eintauchen in meine Welt der Farben.

Danke dir für deine Zeit und Mühe und viel Erfolg für die Finissage!

 

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

 

Ein Beitrag geteilt von Julia Mann (@julia.mann_art)

Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Julia Mann Art | Künstlerin

Besondere Kunstwerke finden Sie auch bei uns im Shop!

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Besucherinnen und Besucher konnten in den letzten Wochen inhaltlich und formal um den „Sacred Planet“ kreisen: Mit Skulpturen und teils großformatigen Gemälden präsentierte Künstlerin Rita Sabo im Mars-Venus-Saal des Bayerischen Nationalmuseums ihre Werke rund um den heiligen Planeten und damit verbundene aktuelle Themen. Nach einer erfolgreichen, rund fünfwöchigen Laufzeit fand am 16. Januar die Finissage mit Abendveranstaltung statt. Die Ausstellung selbst ist noch bis einschließlich 19. Januar 2025 zu sehen.

Rita Sabo – „Sacred Planet“

Inhaltlich und formal umkreist Rita Sabo in den ausgestellten Werken das Thema Nachhaltigkeit. Im Mittelpunkt ihrer Auseinandersetzung steht die Erde als heiliger und damit unantastbarer Planet. Mit dem „Sacred Planet“, einer Kugel, die von zwei Ringen umfasst wird, die den kontinuierlichen Energiefluss symbolisieren, hat die Künstlerin ein starkes und einprägsames Symbol geschaffen, das sinnbildlich für die Würde und Unantastbarkeit der Erde steht und damit von größter Relevanz und Aktualität ist. Als Inspiration dienen Sabo die Gesetze der sakralen Geometrie und Erkenntnisse der Metaphysik, die sie in kaleidoskopartige Werke aus geometrischen Formen und Symbolen übersetzt.

Das Herzstück der Ausstellung bildet eine Gruppe von „Sacred Planet“-Skulpturen in verschiedenen Farben, die symbolisch für die 17 Ziele für nachhaltige Entwicklung (SDGs) der von der UN verabschiedeten Agenda 2030 stehen. Diese sind als ein künstlerischer Appell zu verstehen, der Erde als biodiversem Lebensraum wieder mehr Respekt entgegenzubringen. So bringt die Künstlerin ihre Vision von einer ganzheitlich gelebten, globalen Nachhaltigkeit zum Ausdruck und unterstützt die Kampagne #Art4GlobalGoals.

Der „Sacred Planet“, der mitunter auch in Sabos farbintensiven Gemälden zu finden ist, hat seine Wurzeln in antiken, heiligen Zeichen und ist nur ein Beispiel ihrer künstlerischen Auseinandersetzung mit mythischen Symbolen. Zusammen mit geometrischen Formen bilden sie das Gerüst ihrer hypnotisierenden Werke. In ihrer eigenen künstlerischen Handschrift und Bildsprache, die mitunter geradezu futuristisch erscheint, überträgt die Künstlerin sie in einen zeitgenössischen Kontext und ermöglicht somit deren Neuinterpretation.

„Mit meiner Kunst möchte ich die Menschen auf einer unterbewussten Ebene erreichen. Dafür mache ich mir die Symbolik zunutze, die ich aus der Vergangenheit in die Gegenwart transformiere und in die Zukunft transzendiere.“ – Rita Sabo

Rita Sabo im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und woran arbeiten Sie aktuell?

Ich bin gerade wieder nach Wien zurückgekommen, nachdem ich letzte Woche für die Ausstellungseröffnung im Bayerischen Nationalmuseum in München war. In den letzten Monaten habe ich viel Zeit in die neuen Bilder für die Ausstellung gesteckt. Nun freue ich mich auf einen entspannten Jahresausklang und darauf, was das neue Jahr bringen wird.

„Sacred Planet” ist ein wiederkehrendes Thema in Ihrer Arbeit. Was können Besucher in München erwarten? Gibt es neue Werke oder
Perspektiven, die Sie präsentieren?

Der „Sacred Planet“ bildet das Herzstück dieser Ausstellung. Es gibt 17 +1 Skulpturen, jede davon steht für eines der 17 Nachhaltigkeitsziele (SDGs). Der zusätzliche „Sacred Planet“ vereint all diese Ziele und repräsentiert unsere Erde und das Bestreben, sie zu beschützen, damit alle Menschen und die zukünftigen Generationen ihre Schönheit und Fülle genießen können. Zudem sind einige meiner
Bilder zu sehen, die sich auf einer unterbewussteren Ebene mit unserer Welt, dem Universum und der Verbindung von all dem auseinandersetzt.

Wie passen die Themen Ihrer Ausstellung in die aktuelle globale Diskussion über Nachhaltigkeit und Umweltschutz?

Mir geht es in meiner Kunst darum, zu verstehen, aber in erster Linie zu spüren, dass wir eine große Einheit bilden. Die Menschen, die Natur – wir sind niemals losgelöst voneinander. Unsere Erde schenkt uns alles, was wir brauchen. Daher ist es unsere Aufgabe, sie wertzuschätzen und zu erhalten.

Sie arbeiten oft mit Symbolik und heiliger Geometrie. Gibt es bestimmte Symbole, die in dieser Ausstellung eine zentrale Rolle spielen?

Anhand von Symbolen möchte ich eine nonverbale Kommunikation über Sprachbarrieren und verschiedene Kulturen hinweg ermöglichen. Diese Ausstellung kreist um „Sacred Planet“ – das Symbol für unseren Planeten und den ewigen Fluss des Lebens.

Sie integrieren alte Muster und spirituelle Konzepte in Ihre Arbeit. Gibt es eine besondere Kultur oder ein Mythos, der Sie aktuell inspiriert?

Meine größte Inspirationsquelle ist die sakrale Geometrie. Hinzu kommen Themen wie Architektur, Musik, Literatur, Philosophie und Psychologie, die in meine Werke einfließen. Ich beschäftige mich viel mit Themen aus der Metaphysik, die großen Fragen unseres Seins. Dazu gehört auch das Konzept der Zeit: Die Vergangenheit in die Gegenwart transportieren und in die Zukunft transformieren. All das webe ich in
meine Muster ein und möchte die Betrachter:innen auf einer tieferen Ebene berühren

Ihre Arbeit ist tief in den Konzepten von Natur und Kosmos verwurzelt. Wie beeinflussen persönliche Erlebnisse Ihre künstlerischen Entscheidungen?

Die Verbundenheit zur Natur und das Gefühl, Teil eines großen Ganzen zu sein, berührt mich sehr. Diese Einflüsse zeigen sich in meiner Kunst und auch in meinen Entscheidungen in Bezug auf meine Arbeit. Ich gehe mit offenen Augen durch das Leben und achte auf Zeichen und Symbole, die mir begegnen. Aus diesem achtsamen Zustand schöpfe ich sehr viel Inspiration für meine zukünftigen Werke.

Ihre Werke wurden in Venedig, Paris und Deutschland ausgestellt. Wie haben diese internationalen Erfahrungen Ihre Kunst geprägt?

Jede Ausstellung bringt eine eigene Magie, eine besondere Stimmung mit sich. Ich bin sehr dankbar, dass ich meine Kunst bereits an so vielen renommierten Orten zeigen durfte. Dadurch spüre ich immer wieder, dass meine Werke so vielschichtig sind und sich immer mit dem jeweiligen, vorherrschenden Thema verbinden — und den Menschen, die sie betrachten.

Sie haben sowohl mit Malerei als auch mit Skulpturen gearbeitet. Gibt es ein Medium, das Ihnen besonders am Herzen liegt, und warum?

Die Malerei ist sicherlich meine große Leidenschaft. Ich habe immer Zeichensachen mit mir, um Skizzen anzufertigen und meine Ideen schnell auf Papier bringen zu können. Ich genieße es aber auch, Skulpturen zu formen und mit neuen Materialien zu experimentieren. Mir ist es wichtig, jedem Kunstwerk, das ich im Kopf habe, die Form zu verleihen, die es am besten repräsentiert.

Wie gehen Sie an neue Projekte heran? Beginnt der Prozess mit einer Idee, einem Bild oder vielleicht einer Emotion?

Das ist sehr unterschiedlich. Manchmal ist es ein Traum, manchmal ein Zeichen – und ab und zu erscheint mir ein klares, fertiges Bild vor Augen. Ich bin eine sehr intuitive Person. Während des Prozesses kann sich noch viel verändern, wenn es sich für mich richtig anfühlt

Welche Rolle spielt Farbe in Ihrer Arbeit, und wie wählen Sie Ihre Farbpalette aus?

Farbe ist ein essenzieller Teil meiner Werke. Ich arbeite mit sehr auffälligen, intensiven Farben, die aus dem Dunklen herausstechen. Sie sind wie gute Ideen oder kraftvolle Gedanken, die sich von dem Rest, der uns im Kopf herumschwirrt, abheben. Zu Beginn habe ich bereits ein Gefühl, welche Farbe vorherrschen wird. Im Laufe der Arbeit kommt es dann zu Akzenten und neuen Farbwelten, die daraus entstehen

Wie balancieren Sie Intuition und konzeptuelle Arbeit in Ihrem künstlerischen Prozess?

Die konzeptuelle Arbeit in meinen Werken gibt mir den nötigen Rahmen, in dem ich mich frei entfalten kann. Manchmal kann es schwer sein, ein weißes Blatt zu füllen. Wenn sich darauf bereits ein paar Linien befinden, lenken sie das Denken in eine Richtung, die vorher vielleicht untergegangen wäre. Ich mag diese Wegweiser und habe das Gefühl, dass sie eine Art Anker bilden, an dem sich meine Fantasie
festhalten kann.

Wie verbinden Sie Ihre künstlerische Arbeit mit Ihrer Rolle als Mutter? Beeinflussen Ihre persönlichen Erfahrungen Ihre Kunst?

Ja, auf jeden Fall. Mutter zu sein, hat mich, mein Leben und damit auch meine Kunst verändert. Ich reagiere noch feinfühliger, emotionaler auf das, was um mich und uns alle herum geschieht. Die Kunst ist der Ort, an dem ich mich und wie ich diese Welt sehe, mit anderen teilen kann. Alles, was dieses Denken und Empfinden beeinflusst, spiegelt sich in meiner Kunst wider.

Welche Botschaft möchten Sie Ihren Besuchern vermitteln, besonders in Bezug auf die aktuellen globalen Herausforderungen?

Ich möchte meinen Besucher:innen bewusst machen, dass wir alle miteinander verbunden sind. Was wir tun, was wir denken und wie wir handeln, unsere Vision, zeigt sich im Außen. Dankbarkeit und Wertschätzung sind die wichtigsten Mittel, um diese Gemeinschaft zu bewegen und unseren Planeten zu beschützen.

Danke für Ihre Zeit und Mühe!

Mehr über die Künstlerin Rita Sabo

Im Nordkaukasus geboren wächst Rita Sabo mehrsprachig auf, unter anderem in Basel und Zürich. Nach dem Besuch mehrerer Kunstschulen absolvierte sie ein Studium der Malerei an der Invers Schule für Gestaltung in Olten (Schweiz). Während ihr Fokus zunächst auf der Malerei liegt, bildet sie sich später am renommierten Londoner Central Saint Martins College of Art and Design im Bereich Schmuckdesign weiter.

2022 wurde sie von der YOU Stiftung, einer Initiative von UNESCO-Sonderbotschafterin Ute-Henriette Ohoven, und der Association for Art in Public für die Kampagne #Art4GlobalGoals auserwählt, sich mit den 17 Zielen zur nachhaltigen Entwicklung (Sustainable Development Goals, SDGs) künstlerisch auseinanderzusetzen. In Deutschland unter dem Namen „Agenda 2030“ bekannt, wurden diese 2015 von den Vereinten Nationen mit dem Ziel verabschiedet, die Armut zu beenden, den Planeten zu schützen und Wohlstand für alle zu gewährleisten. Nach der Präsentation ihres Kunstwerks „Sacred Planet“ im Salle Ségur des UNESCO Headquarter in Paris erlangte die Künstlerin weitere internationale Bekanntheit.

2023 zeigte Rita Sabo ihre Arbeiten im Salone Sansoviniano der Biblioteca Nazionale Marciana am Markusplatz in Venedig, wo sie in einen eindrucksvollen Dialog mit Meisterwerken der Renaissance von Tizian, Tintoretto und Veronese traten. Es folgten vielbeachtete Ausstellungen im MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo in Rom und dem Ludwig Museum in Koblenz.

Die Künstlerin lebt in Wien und auf Ibiza.

Weitere Informationen

Sie planen einen Besuch der Ausstellung? Hotels in München finden Sie bei unserem Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Besondere Kunstwerke finden Sie auch bei uns im Shop!

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Mikail Akar möchte Ihnen exklusiv eine Serie neuer Gemälde vorstellen, die auf der Finissage am Samstag, dem 29.04.2023 ausgestellt werden. Die Gäste erwartet ein ganz besonderer Abend zum krönenden Abschluss der Ausstellung „Unbelievable“ von Mikail Akar. Es werden farbenfrohe Gemälde und bemalte Oldtimer ausgestellt. Sie haben die Möglichkeit, eins der begehrten Gemälde von Mikail Akar zu ersteigern und dabei noch Gutes zu tun. Ein Teil des Erlöses der Versteigerung geht an die gemeinnützige Hilfsorganisation „WeAreAllUkrainians“ – eine Initiative von Dr. Wladimir Klitschko und Tatjana Kiel – und ebenfalls in die Erdbebenregion Türkei und Syrien. Darüber hinaus wird in Zusammenarbeit mit Rolls-Royce das von Mikail bemalte Fahrzeugmodell „Cullinan“ zur Schau gestellt.

Schauen Sie Mikail live über die Schulter, wie er ein neues Unikat vor Ort auf die Leinwand bringt.

Veranstaltungsprogramm

Finissage am Samstag, dem 29. April 2023.

18.30 Uhr:Champagner Aperitif zur Begrüßung

19.30 Uhr: Live-Painting und Vorstellung der Spendenprojekte

20.00 Uhr: Benefiz-Versteigerung

Veranstaltungsort: Althoff Grandhotel Schloss Bensberg, Kadettenstraße, 51429 Bergisch Gladbach.

Weitere Informationen

Sie planen einen Besuch  der Ausstellung? – Hotels finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Ausgewählte Kunstwerke finden Sie bei uns im Shop!

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Insgesamt zeigt Yume No Yukari 13 Bilder aus zwei Fotoserien im Gitter Raum Viehofer Platz 17-18 45127 Essen. Die Bilder entstanden im Februar 2020 und August 2020 in Berlin. Für einige Aufnahmen nutze die Fotokünstlerin Lensbaby-Objektive, die auch für den verschwommenen und surreal wirkenden Look von einem Großteil der Bilder verantwortlich sind. Wie zum Beispiel auch bei  dem Werk „Strange Days 5“ – das Bild mit dem Prismalook, welches auch für den Ausstellungsflyer verwendet wurde.

Alle Ausstellungsstücke sind auf Hahnemühle oder  Epson Archival Fine Art Papier, also in echter Museumsqualität gedruckt und wurden von Hand auf Leichtschaumplatten gezogen. Alle Werke sind im Format A3. Eine Ausnahme ist ein Bild aus der Serie „From Buenos Aires to Berlin“ der Künstlerin.

Es entstand mitten im Lockdown in der komplett menschenleeren Halle der U-Bahn-Station am Potsdamer Platz in Berlin und wird erstmalig ausgestellt. Yume No Yukari hält fest, das es wichtig war, dieses Werk größer als die anderen zu präsentieren, um die beeindruckende Wirkung zu erzielen, die sie sich vor der Ausstellung erhofft hatte.

Ihr Bildstil und sowohl ihre fotografische als auch die kreative Herangehensweise hebt sich definitiv von anderen Fotograf*innen und Fotokünstler*innen ab. Warum können Kunstfreunde auf der Vernissage in Erfahrung bringen, die Künstlerin ist anwesend und freut sich auf einen Austausch.

Der Gitter Raum

Der Gitter Raum ist ein recht neuer kleiner Raum, in dem Kunst- und Kulturveranstaltungen stattfinden. Vernissage und Finissage sind hier meist als eine Symbiose aus klassischer Ausstellung und Party angelegt. Es treffen sich unterschiedliche Szenen. Oft gibt es als Begleitung DJ-Live-Sets oder Auftritte von Live Bands. Man kann sich am Tresen ein Bier oder Getränk holen und sich auch im Raum in geselliger Atmosphäre niederlassen und über die Ausstellungsstücke austauschen.

Weitere Informationen

Veranstaltungsort: Gitter Raum Viehofer Platz 17-18 45127 Essen

Mehr über die Künstlerin: Yume No Yukari Photography

Sie planen einen Besuch in Essen? – Unterkünfte finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Die spektakuläre Werkschau “Intangible World” des Düsseldorfer Multimedia-Künstlers Kanjo Také, die seit November 2021 von der Kunstinitiative “Wurzeln und Flügel e.V.” auf Schloss Reuschenberg gezeigt wird, geht in die letzte Runde.

Zur feierlichen Eröffnung waren mehr als 250 Kunstfans erschienen, darunter Prominente wie die ehemalige Bundestagspräsidentin Rita Süßmuth, Kunsthistorikerin Dorothee Achenbach und RTL-Moderator Wolfram Kons.

Die Finissage mit hochkarätig besetztem Talk und mehr als 80 geladenen Gästen findet am Mittwoch, dem 23. März 2022, ab 18 Uhr auf Schloss Reuschenberg an der Gerhard-Hoehme-Allee 1 in Neuss statt.

Moderiert wird die Gesprächsrunde von Anja Katharina Bezold. Gäste sind der Künstler Kanjo Také, Wolfgang Sohn, Fotograf und Veranstalter, Michaela Rentmeister, Vorstand Sterntaler e.V. und Alexandra Meffert, Kunsthistorikerin und Galeristin. Ebenso wird die Kuratorin und Gründerin vom “Wurzeln und Flügel e.V.”, Beate Düsterberg am Gespräch teilnehmen.

“Kanjo Také schafft eine Symbiose aus Motiven und geheimnisvollen Symbole seiner beiden Heimatländer Deutschland und Japan – faszinierende Visionen, die das Publikum begeistern”, erklärt Beate Düsterberg, und ergänzt: “Die Finissage ist der krönende Abschluss unserer großen Retrospektive, mit der wir uns vor diesem Ausnahmekünstler verneigen.”

Kunstinteressierte können sich unter post@wurzelnundfluegel.org anmelden.

Manga-Fontäne auf dem Schlossweiher

Nach dem Talk präsentiert Kanjo Také seine Lichtprojektion “Manga-Fontäne” – riesige Manga-Figuren, die auf einem ca. 10 Meter hohen Wasser-Schild im Schlossweiher erstrahlen. Darüber hinaus ist im Schwimmbad des Schlosses die Installation „Cosmo” zu sehen – eine Projektion ohne Horizont, in der sich eine Weltkugel, bestehend aus ineinander verflochtenen Menschenkörpern aller Hautfarben, zu Klängen aus dem Kosmos bewegt.

Kanjo Také

Kanjo Také studierte Malerei im spanischen Granada und Visuelle Kommunikation und Fotografie an der Hochschule der Künste Berlin. Als Art Director arbeitete er für internationale Agenturen in Tokio, New York, London, Zürich und Hamburg. Seine Werke wurden unter anderem bereits in Venedig, Taipeh, Miami, Shanghai, Tokio und Abu Dhabi gezeigt.

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler https://kanjotake.com

Weitere Informationen über den Verein „Wurzel und Flügel“ https://www.wurzelnundfluegel.org

Sie planen einen Besuch der Veranstaltung? – Unterkünfte finden Sie bei unseren Partner Booking.com

Weitere Informationen über den Künstler: https://kanjotake.com

Von uns ausgewählte Veranstaltungen finden Sie unter >>>Events<<<

Unsere Interviews finden Sie hier: Interview| Arttrado.de

Wenn Sie uns über ihr spannendes Kunstprojekt informieren wollen, nutzen Sie unseren Kontakt.

ARTTRADO unterstützen: