Mumienbraun war ein überwältigendes, tiefbraunes Pigment. Die Farbe wurde von Künstlern bereits seit der Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet – besonders in der Ölmalerei fand es seine Anwendung. In altmeisterlichen Techniken wurde es lasierend bis deckend verwendet und war aufgrund seiner Eigenschaften auch für Schattierung sehr beliebt.

Mumienbraun war keine gewöhnliche Pigmentmischung. Ihr Ursprung liegt in der Verwendung von gemahlenen ägyptischen Mumien – eine Praxis, die im Laufe der Jahrhunderte in der europäischen Kunst entstand und sich verbreitete. Diese Mumienreste, hauptsächlich von Menschen, Tieren und sogar Katzen – die als Heilig galten – , wurden aus ägyptischen Gräbern importiert und zu einem feinen Pulver verarbeitet.

Der warme, bräunlich-rote Farbton von Mumienbraun/Mumia fand seinen Platz auf den Paletten einiger renommierter Künstler. Es ist zwar schwierig, spezifische Werke zu identifizieren, in denen Mumienbraun verwendet wurde, da viele Gemälde im Laufe der Jahrhunderte auch restauriert wurden und die genaue Verwendung von Pigmenten oft schwer nachvollziehbar ist. Es wird jedoch angenommen, dass einige Künstler im 18. und 19. Jahrhundert, darunter auch bekannte Namen wie William Turner oder Eugene Delacroix Mumienbraun in ihren Gemälden verwendet haben.

Makaber, wenn man bedenkt, das sich an Kunstwerken wie „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugene Delacroix im Louvre in Paris jährlich Hunderttausende – wenn nicht sogar Millionen Besucher erfreuen.

Die Verwendung dieser Farbe war jedoch nicht ohne Kontroverse. Ethik spielte eine immer größere Rolle, als die viktorianische Ära Fortschritte machte. Die Idee, Pigmente aus menschlichen Überresten zu gewinnen, rief zunehmend Bedenken hervor, und viele Künstler wandten sich aus Respekt vor den Toten von der Farbe Mumienbraun ab.

Auch die Gesundheitsrisiken trugen zur Abkehr von dieser Praxis bei. Es wurde festgestellt, dass das Einatmen von „Mummy-Brown“-Pulver gesundheitsschädlich sein könnte, was die Verwendung dieser Farbe weiter zurückdrängte.

Wussten die Künstler, mit was sie da malten?

Ob und wie weit, die Künstler selbst wussten, womit sie da malten, lässt sich nur wage vermuten. Bis 1933 konnte man Mumienbraun beispielsweise im Katalog von C Roberson und Co. finden – damals einer der Marktführer für Künstlerfarben in ganz Europa. Und auch heute, auch wenn zum Glück nicht mehr die Überreste von Toten Menschen oder Tieren verwendet werden, finden sich bei einigen Verkäufern von Farben rund um den Globus noch Farbtuben mit Namen wie „Transparent Mummy“ – die wenigsten werden wissen, wo diese Farbtöne ihre Wurzeln haben.

Mumienbraun heute?

Heutzutage ist Mumienbraun nicht mehr in der Kunstwelt präsent. Die Verwendung von Mumienbraun ist heute höchst unwahrscheinlich und wäre mit Sicherheit, – zu mindestens in den meisten Teilen der Welt –  auch illegal. Die ethischen und gesundheitlichen Bedenken, die im 19. Jahrhundert zu einem Rückgang der Verwendung führten, gelten auch immer noch und auch die Nutzung von menschlichen Überresten zu künstlerischen Zwecken wird heute in den meisten Ländern als respektlos und ethisch unvertretbar betrachtet.

Darüber hinaus könnten Gesundheitsvorschriften und Umweltauflagen die Verwendung von Materialien, die potenziell gefährliche Substanzen enthalten, verbieten. Moderne Kunstmaterialien werden nach strengen Sicherheitsstandards hergestellt, und die Verwendung von historisch kontroversen oder problematischen Substanzen wie Mumienbraun würde diesen Standards wahrscheinlich nicht entsprechen.

Die obskure Geschichte dieser Farbe dient als Mahnung an die sich ändernden ethischen Standards in der Kunst und die komplexen Beziehungen zwischen Kreativität und sozialen Werten. Obwohl Mumienbraun einst auf den Leinwänden der Meister zu finden war, bleibt es nun als kurioses Kapitel in der Farbgeschichte erhalten, ein faszinierendes Rätsel, das die Dunkelheit vergangener Pinselstriche enthüllt.

In jedem Fall ist es wichtig, sich an die aktuellen Gesetze und Standards zu halten und Materialien zu verwenden, die ethisch und gesundheitlich unbedenklich sind.

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Wenn sie auf den Auslöser drückt, halten alle die Luft an: Fotokünstlerin Gaby Fey erschafft Kunstwerke mit Darstellern unter Wasser. Einzigartig sind ihre historischen „Composings“, für die sie Ikonen der Kunstgeschichte wie u.a. „Das Floß der Medusa“ von Thédore Géricault und „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugène Delacroix in ihrem Pool in Südfrankreich oder im Mittelmeer akribisch genau nachstellt und fotografiert. Ihr bekanntestes Werk dieser Reihe ist die großformatige Arbeit „La Cène“ – ihre Version von Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“.

Ab Gründonnerstag, 6. April, bis Pfingstsonntag, 28. Mai 2023, zeigt die Evangelische Ringkirche, Kaiser-Friedrich-Ring 7 in Wiesbaden, Gaby Feys „La Cène“.

Nach dem Gottesdienst mit Pfarrer Dr. Stefan Reder am Ostermontag, dem 10. April, der um 10.00 Uhr beginnt, findet die feierliche Eröffnung der Bildpräsentation statt: Um 11.30 Uhr führt Mireille Jautz (Kunstexperiment Wiesbaden) in die Kunst von Gaby Fey ein, im Anschluss daran ist die Filmvorführung »The Ruin of Exchange« (18 Min.) zu sehen. Für die musikalische Umrahmung sorgt Philipp Marguerre, Mitglied des Glasmusikensembles „sinfonia di vetro“, der auf seiner Glasharfe spielt.

Am Sonntag, 30. April, 11.30 Uhr, gibt es im Rahmen einer Matinee in der Ringkirche einen Gedankenaustausch zwischen der Künstlerin Gaby Fey und dem Kunstbeauftragten der Evangelischen Kirche in Hessen und Nassau (EKHN), Pfarrer Dr. Markus Zink.

Kunst im Kreuzfeuer

Neben den oben erwähnten Veranstaltungen sind weitere Führungen und Gesprächsrunden geplant. So findet am 15. Mai um 19 Uhr unter dem Titel „Kunst im Kreuzfeuer“, ein Streitgespräch statt mit Dr. Simone Husemann (Kath. Erwachsenenbildung Wiesbaden-Untertaunus und Rheingau) und Dr. Susanne Claußen (Fachstelle Bildung und Erwachsenenarbeit im Ev. Dekanat Wiesbaden).

Das vollständige Programm und weitere Informationen erhalten Sie unter:

www.dekanat-wiesbaden.de/startseite/einzelansicht/news/

Gaby Fey

Die Produktion von Gaby Feys detailgetreuen Unterwasser-Werken ist höchst aufwändig. Allein für die Herstellung von „La Cène“ verging vom Beginn bis zur Fertigstellung fast ein Jahr. So wurde beispielsweise für jeden Apostel-Darsteller ein Gewand von der Haute-Couture-Schneiderin Helena Gubajdulin aus Trier angefertigt und anschließend eingefärbt.

Wie Gaby Fey etwa den flüssigen Wein, der beim Abendmahl aus einem Glas schwappt, inszeniert, bleibt ihr Geheimnis. Jedes ihrer Kunstwerke erfordert nicht nur viel Planung, Kreativität und Präzision in der Vorbereitung, auch den Darstellern wird bei den Unterwasser-Shootings viel abverlangt. Was nicht zuletzt daran liegt, dass die Künstlerin und leidenschaftliche Taucherin Gaby Fey – wie auch die Darsteller – unter Wasser ohne Sauerstoffflasche arbeiten.

 

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Gaby Fey arbeitet zunächst vor der Kamera – als international gefragtes Model. Bereits in dieser Zeit wächst ihre Leidenschaft für Fotografie und fotografische Komposition. Es folgen Jahre der Tätigkeit als weltweit erfolgreiche Werbefotografin. Doch erst in der Unterwasser-Fotografie kann sie ihre künstlerischen Visionen frei realisieren sich konsequent der Umsetzung eigener Projekte widmen. Ausstellungen in Deutschland, Frankreich, Monaco, Österreich und der Schweiz belegen das Interesse an ihren Werken.

So stellte sie 2020, 2021 und 2022 auf der Sylt Art Fair aus, 2021 nahm sie an der NordArt in Büdelsdorf, einer der größten jährlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst teil, wo alle ihren gezeigten großformatigen Arbeiten von einem norddeutschen Sammler gekauft wurden. Auch dieses Jahr wird sie dort wieder ausstellen.

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Zahlreiche Familienunternehmer aus Köln und Bonn trafen sich zu einem Galerierundgang im Belgischen Viertel in Köln. Mit dem Ziel, mehr  über den kreativen künstlerischen Prozess, den Kunstmarkt und die Tätigkeiten von Galeristen zu erfahren.

Galerie Boisserée

Erste Station: Die Galerie Boisserée. Die 1838 gegründete Galerie ist eine der ältesten Locations für den Verkauf von Kunst in Deutschland. Johannes Schilling, der die Galerie 1988 von seinem Vater übernommen hat und gemeinsam mit Thomas Weber leitet, begrüßte die Gäste.  Am Anfang erläuterte er die höchst geschichtsträchtige Historie seiner Galerie.

So erfahren die Teilnehmer des Rundgangs, dass die Cousins Josef und Wilhelm Boisserée bereits 1838 eine Buch- und Kunsthandlung im Kölner Minoritenviertel eröffneten. Das schuf die Basis für die heutige Galerie. Die Onkel der beiden Gründer waren die einflussreichen Kaufleute und Kunstmäzene Melchior und Sulpiz Boisserée. Letzterer war übrigens ein enger Freund von Johann Wolfgang von Goethe, der damals bereits Kunstgrafiken sammelte. Sulpiz Boisserée setzte sich zudem auch für die Vollendung des Kölner Doms ein.

Heute präsentiert die Galerie auf zwei Ausstellungsebenen internationale moderne und zeitgenössische Kunst. „Einer unserer Schwerpunkte ist der Verkauf von „modern and contemporary prints and works on paper“, das sind internationale Grafik- und Meisterarbeiten auf Papier aus dem 20. und 21. Jahrhundert“, erklärt Johannes Schilling.

Etwa vier bis fünf Ausstellungen im Jahr präsentiert die Galerie Boisserée auf etwa 250 Quadratmetern. Darunter Werke von Kunst-Ikonen wie Pablo Picasso, Georges Braque oder Joan Miró, Pierre Soulages und Eduardo Chillida oder Andy Warhol und Roy Lichtenstein.

AquaVision

Ein ganzes anderes Galerie-Konzept präsentiert die Kölner Unterwasser-Fotokünstlerin Gaby Fey. In ihrem Showroom „AquaVision“ an der Limburger Straße 37 präsentiert die Künstlerin ihre eigenen Arbeiten. Ein Highlight ihres umfangreichen Schaffens: Ihre beeindruckende fotografische Interpretation des „Abendmahls“ von Leonardo Da Vinci – aufgenommen in Südfrankreich mit Darstellern unter Wasser.

Zusammen mit dem Kunstexperten Nico Overkott, Projektmanager bei der Galerie Geuer & Geuer spricht Gaby Fey ausführlich über das „Making-of“ dieser Arbeit. Jeder Ausdruck, jede Geste der Darsteller sowie sämtliche Accessoires plant die detailverliebte Künstlerin. Bevor sie auf den Auslöser drückt. Alles in allem dauerte die Herstellung dieser großformatigen Arbeit etwa ein Jahr.

Gaby Fey betont: „Der Höhepunkt der Arbeit ist natürlich das Foto-Shooting unter Wasser.“ Sie führt aus: „Dabei geht es vor allem darum, genau im richtigen Moment auf den Auslöser zu drücken, um die Seele des Bildes festzuhalten.“ „Da alle Beteiligten ohne Sauerstoffgerät arbeiten, bleiben also immer nur ganz wenige Minuten, um das Foto zu machen“, ergänzt Nico Overkott.

Spektakulär sind auch ihre Interpretationen von Théodore Géricaults „Floß der Medusa“. Sandro Botticellis „Die Geburt der Venus“ oder Eugène Delacroix‘ „Die Freiheit führt das Volk“, in der ihre „Marianne“ mit einem Lichtschwert für eine bessere Zukunft kämpft. Ebenso Fotos ihrer Bilderserie „Danse Vulcanique“, die mit professionellen Tänzern umgesetzt wurden und ungewöhnliche Modefotografien, die bei dem Rundgang durch die Galerie vorgestellt wurden.

Einen konkreten Eindruck von Gaby Feys Arbeitsweise bekamen die Besucher dann durch die Vorführung der Film-Dokumentation „Gaby Fey – Im Bilderrausch des Meeres“. Moderator Wolfram Kons zeigt darin, wie die spektakulären Unterwasser-Fotografien in einem Pool oder im Mittelmeer an der Côte d’Azur, Gaby Feys zweiter Heimat, entstehen.

„Wir haben an diesem Abend viel gelernt und Neues erfahren“, so das Fazit von Frank Oelschläger. Oelschläger ist Vorsitzender des Regionalkreises Metropolregion Köln Bonn von DIE FAMILIENUNTERNEHMER. Er fügt hinzu: „Ich hatte den Eindruck, dass Galerist Johannes Schilling und Künstlerin Gaby Fey vor allem eines gemeinsam haben: Die brennende Leidenschaft für die Kunst und ihre Arbeit.“ Nicht nur in dieser Hinsicht sind Künstler und Galeristen eben auch Unternehmer.

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Titelbild: v.r.n.l.: Frank Oelschläger, Gaby Fey, Nico Overkott, Fotorechte Gaby Fey

Weitere Informationen über Gaby Fey: gaby-fey.com

Die Galerie Boisserée: www.galerie-boisseree.com

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