Junge Kunst wird öffentlich häufig in Extremen erzählt. Entweder erscheint ein Kind als vermeintliches „Wunderkind“, dessen Bilder bereits für hohe Summen angeboten werden, oder junge kreative Arbeit bleibt weitgehend unsichtbar, bis eine Jury, Galerie oder Institution sie entdeckt.

Der Deutsche Jugendfotopreis 2026 zeigt, dass es auch anders gehen kann. Statt ein einzelnes Talent zur Sensation zu erklären, macht der Wettbewerb eine große Bandbreite junger Perspektiven sichtbar. Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene zwischen fünf und 25 Jahren konnten ihre Arbeiten einreichen – unabhängig davon, ob sie gerade erst mit dem Fotografieren begonnen haben oder sich bereits intensiv mit dem Medium beschäftigen.

Am 19. September wurden die diesjährigen Preisträgerinnen und Preisträger in der Kunsthalle Düsseldorf ausgezeichnet. Insgesamt gingen 8.304 Arbeiten von 1.236 Teilnehmenden ein. Die Jury vergab 40 Preise mit einem Gesamtwert von 14.000 Euro.

Seit dem 20. September sind die ausgezeichneten Arbeiten unter dem Titel „ECHT JETZT“ im KIT – Kunst im Tunnel in Düsseldorf zu sehen. Erstmals in der mehr als 60-jährigen Geschichte des Wettbewerbs bespielt die Preisträgerschau damit ein vollständiges Ausstellungshaus.

Das ist ein wichtiges Signal. Doch es sollte nicht das Ende der Förderung sein.

8.304 Bilder zeigen, dass junge Fotografie kein Randthema ist

Mehr als 8.000 Einreichungen sind nicht nur eine eindrucksvolle Zahl. Sie zeigen, wie selbstverständlich junge Menschen Fotografie als Ausdrucksmittel nutzen.

Fotografiert wird heute ständig. Smartphones haben die technische Schwelle nahezu verschwinden lassen, soziale Netzwerke verwandeln Bilder in alltägliche Kommunikation. Doch zwischen einem beiläufig aufgenommenen Foto und einer bewussten fotografischen Arbeit besteht weiterhin ein entscheidender Unterschied.

Die ausgezeichneten Projekte beschäftigen sich mit Familie, Alltag, Besitz, Flucht, Beziehungen, Zukunftsvorstellungen und sozialer Gerechtigkeit. Manche Arbeiten entstehen analog, andere digital. Einige beobachten, andere inszenieren oder experimentieren mit dem Medium selbst.

Ausgezeichnet wurde in den Kategorien „Freie Themenwahl“, „Experimente“ und zum Jahresthema „Ein Haus, ein Boot, ein Auto“. Dieses Thema greift ein bekanntes Wohlstandsversprechen auf und überlässt es jungen Menschen, Fragen nach Eigentum, Gerechtigkeit und Zukunft mit eigenen Bildern zu beantworten.

Zu den Hauptpreisträgerinnen und Hauptpreisträgern gehören Melek Ayla Reinalda, Kaddy Darboe, Mizgin Frotscher, Minze Gaus, Meret Eberl und Pha Croissant. Daneben wurden mehrere Gruppenprojekte ausgezeichnet.

Die Vielfalt der Namen, Altersgruppen und Arbeitsformen ist eine Stärke des Wettbewerbs. Sie verhindert, dass junge Fotografie auf ein einzelnes vermarktbares Gesicht reduziert wird.

Der Gegenentwurf zur Wunderkind-Erzählung

ARTTRADO hat sich in den vergangenen Wochen ausführlich mit sogenannten Kunst-Wunderkindern beschäftigt. Der Beitrag „Wunderkinder der Kunst: Wenn Kinder zu Kunstmarkt-Stars werden“ zeigte, wie schnell Talent, mediale Inszenierung, elterliches Management und hohe Verkaufspreise miteinander verschmelzen können.

Die Wunderkind-Erzählung funktioniert nach einem einfachen Prinzip: Je jünger ein Mensch ist, desto stärker wird sein Alter zur eigentlichen Sensation. Nicht das Werk allein erzeugt die Aufmerksamkeit, sondern der Gegensatz zwischen kindlicher Biografie und vermeintlich erwachsener künstlerischer Leistung.

Aus einem malenden oder fotografierenden Kind wird eine Schlagzeile.  Eine Schlagzeile bringt Reichweite. Aus Reichweite kann Nachfrage entstehen – und schließlich ein Markt.

Der Deutsche Jugendfotopreis setzt diesem Mechanismus ein anderes Modell entgegen. Hier soll nicht ein einzelnes Kind als Ausnahmeerscheinung aufgebaut werden. Im Mittelpunkt stehen unterschiedliche Sichtweisen junger Menschen, die durch eine Jury ausgewählt und in einem institutionellen Rahmen präsentiert werden.

Das ist zunächst die deutlich gesündere Form der Sichtbarkeit. Sie würdigt Arbeiten, ohne sofort eine internationale Künstlerkarriere oder einen zukünftigen Marktwert versprechen zu müssen.

Wann wird aus Förderung wieder ein Wettbewerb um Aufmerksamkeit?

Ganz frei von Auswahlmechanismen ist auch ein Jugendkunstpreis nicht. Aus 8.304 eingereichten Arbeiten wurden 40 ausgezeichnet. Das bedeutet zwangsläufig, dass ein sehr großer Teil der Beteiligten außerhalb der öffentlichen Präsentation bleibt.

Wettbewerbe können Sichtbarkeit schaffen, aber sie verteilen diese Sichtbarkeit ungleich. Eine Jury entscheidet, welche Arbeiten beispielhaft für junge Fotografie stehen, welche Themen institutionell gezeigt und welche Namen öffentlich genannt werden.

Diese Auswahl ist notwendig, sollte aber nicht mit einer objektiven Messung von Talent verwechselt werden.

Ein nicht ausgezeichnetes Bild ist nicht automatisch weniger interessant. Vielleicht passte es weniger gut zum Ausstellungskonzept, vielleicht überzeugte eine andere Serie stärker oder vielleicht traf es nicht die ästhetischen und inhaltlichen Vorstellungen der Jury.

Gerade junge Teilnehmende müssen verstehen können, dass eine Absage keine abschließende Bewertung ihrer Begabung bedeutet. Professionelle Nachwuchsförderung sollte deshalb nicht nur Gewinner produzieren, sondern auch vermitteln, wie subjektiv Auswahlprozesse im Kunstbetrieb sein können.

14.000 Euro sind Anerkennung – aber noch keine Struktur

Insgesamt werden beim Deutschen Jugendfotopreis 14.000 Euro Preisgeld auf 40 Auszeichnungen verteilt. Für einen Jugendwettbewerb ist die finanzielle Anerkennung wichtig. Sie signalisiert, dass kreative Arbeit nicht nur mit Urkunden und freundlichen Worten honoriert werden sollte.

Gleichzeitig darf Preisgeld nicht mit nachhaltiger Förderung verwechselt werden.

Eine junge Fotografin benötigt möglicherweise technische Ausrüstung, hochwertige Drucke, Rahmungen, Software, Atelier- oder Projekträume und fachliche Beratung. Wer später professionell arbeiten möchte, muss zudem lernen, Ausstellungen zu planen, Förderanträge zu stellen, Bildrechte zu verwalten, Honorare zu verhandeln und ein eigenes künstlerisches Profil zu entwickeln.

Dafür reichen eine einmalige Auszeichnung und ein Anteil am Preisgeld nicht aus.

Der Deutsche Jugendfotopreis bietet mit Festival, Ausstellung, Workshops und Austausch bereits mehr als einen reinen Geldpreis. Entscheidend ist jedoch, ob aus dieser ersten institutionellen Erfahrung weitere Möglichkeiten entstehen: Mentoring, Anschlussausstellungen, Stipendien, Portfoliosichtungen, Publikationen oder Kontakte zu Hochschulen und Ausstellungshäusern.

Die wichtigste Frage lautet deshalb nicht nur: Wer hat gewonnen?

Sie lautet auch: Wer begleitet diese jungen Menschen im nächsten Jahr weiter?

Eine echte Ausstellung ist wichtiger als tausend Likes

Besonders positiv ist, dass „ECHT JETZT“ nicht ausschließlich online stattfindet. Die ausgezeichneten Fotografien werden bis zum 15. November im KIT – Kunst im Tunnel gezeigt. Damit erhalten die Teilnehmenden etwas, das für ihre Entwicklung entscheidend sein kann: die Erfahrung, wie die eigene Arbeit in einem professionellen Ausstellungsraum wirkt.

Ein Bild auf dem Smartphone ist etwas anderes als ein gedrucktes, gerahmtes und kuratorisch eingeordnetes Werk. Größe, Material, Hängung, Licht, Reihenfolge und Nachbarschaft zu anderen Arbeiten verändern seine Wahrnehmung.

Die Ausstellung wurde von Studierenden der Hochschule Düsseldorf unter der Leitung von Mareike Foecking und Morgaine Schaefer konzipiert und produziert. Auch darin liegt ein sinnvoller Ansatz: Junge fotografische Positionen werden nicht lediglich an die Wand gehängt, sondern in ein professionell entwickeltes Ausstellungskonzept eingebunden.

Für die ausgezeichneten Teilnehmer kann diese Erfahrung langfristig wertvoller sein als kurzfristige Reichweite in sozialen Netzwerken. Likes bestätigen einen Moment. Eine ernsthafte Ausstellung vermittelt, wie aus Bildern ein Werkzusammenhang entstehen kann.

Junge Kunst braucht Schutz vor vorschneller Vermarktung

Sichtbarkeit ist grundsätzlich positiv. Bei Kindern und Jugendlichen bringt sie jedoch eine besondere Verantwortung mit sich.

Sobald ein junges Talent öffentliche Aufmerksamkeit erhält, können Erwachsene beginnen, daraus Erwartungen, Karrieren und Geschäftsmodelle zu entwickeln. Eltern, Medien, Galerien, Plattformen und Sammler meinen es möglicherweise gut – und können trotzdem einen Druck erzeugen, den junge Menschen kaum selbst einschätzen können.

Im Beitrag „Wunderkind oder Kunstmarktprodukt? Wie aus Talent ein Geschäft wird“ hat ARTTRADO untersucht, wie aus frühen Arbeiten mithilfe hoher Preisforderungen, medialer Vergleiche und professioneller Vermarktung ein Kunstmarktphänomen entstehen kann.

Das Problem ist nicht, dass Kinder Kunst zeigen oder sogar verkaufen. Problematisch wird es, wenn der kommerzielle Erfolg wichtiger wird als die künstlerische und persönliche Entwicklung.

Junge Menschen brauchen die Freiheit, ihre Interessen zu verändern, schlechte Arbeiten zu machen, Techniken auszuprobieren und zeitweise gar nichts zu veröffentlichen. Eine einmal aufgebaute Marke gewährt diese Freiheit nur selten.

Ein Förderpreis sollte deshalb nicht versuchen, möglichst schnell „die nächsten großen Stars“ zu produzieren. Er sollte Räume schaffen, in denen Entwicklung ohne unmittelbaren Marktdruck möglich bleibt.

Talent entwickelt sich nicht geradlinig

Der Kunstmarkt liebt klare Erfolgsgeschichten. Ein Kind zeigt früh Begabung, wird entdeckt, erhält Preise, verkauft Arbeiten und wird schließlich zum etablierten Künstler. In der Realität verlaufen kreative Biografien wesentlich unberechenbarer.

Manche früh gefeierten Talente arbeiten auch als Erwachsene erfolgreich weiter. Andere verändern ihren Stil, wechseln das Medium oder entscheiden sich für einen ganz anderen Lebensweg. Wieder andere verschwinden aus der öffentlichen Wahrnehmung, sobald ihr Alter nicht mehr für Schlagzeilen sorgt.

ARTTRADO hat diese Übergänge im Beitrag „Nach dem Hype: Was aus den Wunderkindern der Kunst wurde“ anhand verschiedener Lebenswege untersucht.

Der Deutsche Jugendfotopreis umfasst eine besonders große Altersspanne. Zwischen einem fünfjährigen Kind und einer 25-jährigen Fotografin liegen vollkommen unterschiedliche Entwicklungsphasen. Entsprechend verschieden müssen auch Beratung, Schutz und Förderung aussehen.

Ein Kind benötigt Freiraum und eine sensible Begleitung durch Erwachsene. Ein junger Erwachsener braucht möglicherweise professionelle Kontakte, Ausstellungsmöglichkeiten und konkrete Informationen über eine mögliche künstlerische Laufbahn.

Ein einheitlicher Begriff wie „Nachwuchs“ kann diese Unterschiede leicht verdecken.

Auszeichnungen dürfen nicht zum Endpunkt werden

Preise sind im Kulturbetrieb beliebt, weil sie Aufmerksamkeit bündeln. Es gibt eine Jury, Gewinner, eine Feier, Pressebilder und klare Namen für die Berichterstattung.

Langfristige Förderung ist komplizierter und weniger spektakulär. Sie besteht aus Gesprächen, Werkstattbesuchen, wiederholten Ausstellungen, Beratung, Zugang zu Technik und manchmal auch aus Unterstützung in Phasen, in denen noch kein sichtbarer Erfolg vorliegt.

Genau diese unspektakuläre Arbeit entscheidet jedoch häufig darüber, ob ein Talent seine eigene künstlerische Sprache entwickeln kann.

Der Deutsche Jugendfotopreis besitzt durch seine mehr als 60-jährige Geschichte und sein öffentlich zugängliches Archiv eine wichtige Grundlage. Die ausgezeichneten Arbeiten verschwinden nicht vollständig nach einer Preisverleihung, sondern bleiben als Teil einer langfristigen Dokumentation junger Fotografie sichtbar.

Noch stärker würde das Modell, wenn ehemalige Preisträger regelmäßig zurückkehrten – als Mentoren, Gesprächspartner, Jurymitglieder oder Beteiligte gemeinsamer Ausstellungen. So könnte aus einzelnen Jahrgängen ein generationsübergreifendes Netzwerk entstehen.

Nicht jedes Talent muss zum Kunstmarktstar werden

Eine der problematischsten Vorstellungen in der Nachwuchsförderung ist die Annahme, jedes sichtbare Talent müsse zwangsläufig in eine professionelle Karriere überführt werden.

Kunst darf auch eine wichtige Ausdrucksform bleiben, ohne zum Beruf oder Handelsobjekt zu werden. Ein Jugendkunstpreis sollte deshalb nicht allein danach bewertet werden, wie viele seiner Gewinner später an Kunsthochschulen studieren, Galerien finden oder Arbeiten verkaufen.

Erfolg kann ebenso bedeuten, dass ein junger Mensch lernt, die eigene Perspektive ernst zu nehmen. Dass er eine Sprache für Erfahrungen findet, die sich anders nur schwer ausdrücken lassen. Oder dass aus einer Ausstellung neue Begegnungen und ein stärkeres Vertrauen in die eigene Kreativität entstehen.

Auch der Artikel „Laurent Schwarz: Wunderkind oder Kunstmarkt-Phänomen?“ kam zu dem Ergebnis, dass weder uneingeschränkter Hype noch pauschale Abwertung jungen Kunstschaffenden gerecht werden.

Kinder und Jugendliche brauchen keine vorschnellen kunsthistorischen Vergleiche. Sie brauchen ernsthaftes Interesse an dem, was sie tatsächlich machen.

Was nachhaltige Förderung leisten müsste

Der Deutsche Jugendfotopreis zeigt, wie viel Potenzial vorhanden ist. Damit aus punktueller Aufmerksamkeit eine nachhaltige Förderung wird, wären weitere Schritte sinnvoll:

mehrjährige Mentoringprogramme für interessierte Preisträger
regelmäßige Portfolio- und Entwicklungsgespräche
Zugang zu Kameras, Drucktechnik, Studios und Laboren
Folgeausstellungen in unterschiedlichen Regionen
Reisekosten- und Produktionszuschüsse
Workshops zu Bildrechten, Honoraren und Selbstvermarktung
psychologisch und pädagogisch sensible Begleitung minderjähriger Talente
Netzwerke zwischen ehemaligen und aktuellen Preisträgern
eigene Förderwege für junge Erwachsene am Übergang zum professionellen Kunstbetrieb
Angebote auch für nicht ausgezeichnete Teilnehmer

Dabei geht es nicht darum, alle jungen Menschen möglichst früh zu professionalisieren. Es geht darum, ihnen Wahlmöglichkeiten zu eröffnen. Wer später künstlerisch arbeiten möchte, sollte Unterstützung erhalten. Wer Fotografie als persönliche Ausdrucksform weiterführen möchte, sollte nicht das Gefühl bekommen, ohne Preise oder Verkäufe gescheitert zu sein.

Der Deutsche Jugendfotopreis macht vieles richtig

Trotz aller kritischen Fragen ist der Deutsche Jugendfotopreis ein wichtiges Gegenmodell zur schnellen Wunderkind-Vermarktung.

Die Teilnahme ist kostenlos. Unterschiedliche Altersgruppen und Arbeitsweisen werden berücksichtigt. Neben Einzelpositionen erhalten auch gemeinschaftliche Projekte Anerkennung. Die Arbeiten werden professionell ausgestellt und bleiben über das Archiv des Wettbewerbs dokumentiert.

Vor allem wird nicht behauptet, mit 40 Auszeichnungen bereits abschließend entschieden zu haben, wer die bedeutenden Fotografen der Zukunft sein werden.

Die Ausstellung „ECHT JETZT“ zeigt Momentaufnahmen junger Perspektiven. Manche Beteiligte werden vielleicht später professionell fotografieren. Andere werden neue Medien entdecken, völlig andere Berufe wählen oder ihre Kamera irgendwann beiseitelegen.

All diese Wege sind legitim.

Fazit: Junge Kunst braucht Zeit

Der Deutsche Jugendfotopreis 2026 zeigt, dass junge Menschen sehr genau beobachten, was um sie herum geschieht. Ihre Bilder erzählen von persönlichen Beziehungen, gesellschaftlichen Widersprüchen, Ungleichheit, Herkunft und Zukunft.

Diese Arbeiten verdienen Aufmerksamkeit. Doch Aufmerksamkeit allein genügt nicht.

Junge Kunst braucht keine immer neuen Wunderkind-Erzählungen, in denen Alter, Preise und Reichweite wichtiger werden als die Entwicklung eines Werkes. Sie braucht Ausstellungsräume, professionelle Begleitung, finanzielle Möglichkeiten und langfristige Sichtbarkeit.

Ein Preis kann dafür eine Tür öffnen.

Entscheidend ist, was hinter dieser Tür geschieht, wenn die Urkunden überreicht, die Pressebilder veröffentlicht und die Scheinwerfer wieder ausgeschaltet sind.

„ECHT JETZT“ – Deutscher Jugendfotopreis 2026

Ausstellung: „ECHT JETZT“
Ort: KIT – Kunst im Tunnel, Düsseldorf
Laufzeit: 20. September bis 15. November 2026
Teilnehmende: 1.236 Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene
Einreichungen: 8.304 Arbeiten
Auszeichnungen: 40 Preise
Preisgeld: insgesamt 14.000 Euro
Kategorien: Freie Themenwahl, Experimente und „Ein Haus, ein Boot, ein Auto“

Weitere Informationen

Titelbild: Die Preisträgerinnen und Preisträger des Deutschen Jugendfotopreises 2026: Aus mehr als 8.000 Einreichungen wurden 40 Positionen ausgezeichnet. Foto: Katrin Chodor / Deutscher Jugendfotopreis 2026

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Mehr als 100 Jahre nach seinem Tod gehört Franz Marc zu den bekanntesten Künstlern der deutschen Moderne. Eine große Ausstellung in Düsseldorf widmet sich nun seinem Werk und einer Frage, die bis heute relevant bleibt: Warum wirken seine farbintensiven Tiere noch immer so unmittelbar?

Ein blaues Pferd, eine gelbe Kuh, ein Fuchs in dunklem Blau: Wer an Franz Marc denkt, denkt meist zuerst an Tiere – und vor allem an Pferde. Kaum ein anderer deutscher Künstler der Moderne entwickelte eine derart unverwechselbare Bildsprache. Marc starb 1916 im Ersten Weltkrieg im Alter von nur 36 Jahren. Trotzdem ist sein Name bis heute untrennbar mit dem deutschen Expressionismus und dem Blauen Reiter verbunden.

Vom 12. September 2026 bis zum 24. Januar 2027 zeigt die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen im K20 die Ausstellung „Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt“. Mehr als 120 Gemälde und Arbeiten auf Papier führen durch Marcs Entwicklung von seinen frühen Werken bis zu den zunehmend abstrakten Kompositionen seiner letzten Schaffensjahre.

Der Ausstellungstitel verweist auf eine zentrale Idee seiner Kunst: Marcs Tiere waren nie nur Tiere. Sie wurden zu Trägern einer Vorstellung von Natur, Reinheit und geistiger Erneuerung – und damit zu Gegenbildern einer Welt, die der Künstler als entfremdet und von tiefgreifenden Umbrüchen geprägt erlebte.

Warum malte Franz Marc blaue Pferde?

Warum malt ein Künstler ein Pferd blau, obwohl Pferde normalerweise nicht blau sind? In dieser scheinbar einfachen Frage liegt ein Schlüssel zu Marcs Kunst. Er wollte die Welt nicht ausschließlich so wiedergeben, wie sie vor seinen Augen erschien. Farbe sollte nicht nur beschreiben, sondern Gefühle, Spannungen und innere Zustände sichtbar machen.

Blau besaß in Marcs persönlicher Farbvorstellung eine geistige und symbolische Bedeutung. Dabei sollte man seine Farbwahl allerdings nicht wie einen starren Code lesen. Entscheidend war das Zusammenspiel der Farben innerhalb eines Bildes: ihre Wirkung, ihre Gegensätze und die Stimmung, die sie erzeugten.

Das Tier wurde für Marc zum zentralen Motiv. Pferde, Rehe, Füchse, Kühe und andere Tiere erschienen ihm näher an einer ursprünglichen Existenz als der moderne Mensch. In seinen Bildern werden sie deshalb nicht nur beobachtet. Sie verbinden sich mit Landschaften, Farbflächen und rhythmischen Formen zu einer eigenen Bildwelt.

Ein bekanntes Beispiel ist „Die gelbe Kuh“ von 1911. Das springende Tier leuchtet in kräftigem Gelb, während die Landschaft aus geschwungenen und kontrastreichen Farbflächen besteht. Marc interessierte sich nicht mehr allein dafür, wie eine Kuh tatsächlich aussieht. Er fragte, was Farbe und Form über Lebendigkeit, Bewegung und Empfindung ausdrücken können.

Heute erscheint diese Freiheit der Farbe beinahe selbstverständlich. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war sie Teil eines grundlegenden Umbruchs in der europäischen Kunst.

Franz Marc und der Blaue Reiter

Franz Marc gehörte zu einer Generation, die sich von den traditionellen Regeln der akademischen Malerei entfernte. Gemeinsam mit Wassily Kandinsky begründete er 1911 in München die Redaktionsgemeinschaft „Der Blaue Reiter“. 1912 gaben beide den gleichnamigen Almanach heraus.

Der Blaue Reiter war keine Künstlergruppe mit festem Programm und klar definierter Mitgliedschaft. Es handelte sich vielmehr um ein offenes Netzwerk von Künstlerinnen und Künstlern, die nach neuen Ausdrucksformen suchten. Zu seinem Umfeld gehörten unter anderem Gabriele Münter, August Macke, Paul Klee, Alexej von Jawlensky und Marianne von Werefkin.

Verbunden waren sie durch die Überzeugung, dass Kunst mehr sein könne als eine möglichst genaue Wiedergabe der sichtbaren Realität. Kandinsky bewegte sich zunehmend in Richtung Abstraktion, während Marc seine eigene Bildsprache vor allem über Tiere, Natur und Farbe entwickelte.

Marc vereinfachte Formen, löste Farben aus ihrer rein beschreibenden Funktion und ließ Tierkörper mit ihrer Umgebung verschmelzen. Unter dem Einfluss des Kubismus, des Futurismus und der französischen Avantgarde wurden seine Kompositionen zunehmend kantiger und abstrakter.

Die Suche nach einer besseren Welt

Um Franz Marc zu verstehen, lohnt sich ein Blick auf die Zeit, in der er lebte. Das frühe 20. Jahrhundert war von Industrialisierung, technischem Fortschritt und tiefgreifenden gesellschaftlichen Veränderungen geprägt. Städte wuchsen, Maschinen veränderten den Alltag und traditionelle Gewissheiten gerieten ins Wanken.

Marc setzte dieser Entwicklung keine bloße Naturidylle entgegen. Seine Bilder sind keine einfache Flucht aus der Moderne. Sie sind selbst Teil der künstlerischen Revolution ihrer Zeit – und Ausdruck des Versuchs, neue Formen für eine veränderte Wirklichkeit zu finden.

In den Tieren sah Marc eine Unmittelbarkeit, die der Mensch seiner Ansicht nach verloren hatte. Seine Malerei wurde damit zur Suche nach Reinheit, Harmonie und einer anderen Beziehung zwischen Lebewesen und Natur. Der Titel der Düsseldorfer Ausstellung, „Die Suche nach einer besseren Welt“, fasst diesen Gedanken zusammen.

Gleichzeitig wird Marcs Bildwelt gegen Ende seines kurzen Schaffens zunehmend spannungsvoller. Die Formen zersplittern, Farben prallen härter aufeinander und die Harmonie seiner früheren Tierbilder beginnt zu kippen. Seine Kunst führt nicht geradlinig in eine friedliche Utopie, sondern zeigt auch Unruhe, Bedrohung und Zerfall.

Wie Franz Marc zur Abstraktion fand

Die Ausstellung im K20 beschränkt sich nicht auf die berühmten Tierbilder. Sie verfolgt Marcs Entwicklung von den frühen Arbeiten bis zu den zunehmend abstrakten Kompositionen der Jahre vor dem Ersten Weltkrieg.

Dabei wird sichtbar, wie schnell sich seine Malerei veränderte. Ausgangspunkt waren Naturbeobachtung und Tierstudien. Schrittweise vereinfachte Marc die Körper, verstärkte die Farben und zerlegte Landschaft und Figuren in dynamische Flächen. Das Tier blieb häufig erkennbar, wurde aber immer stärker in die Gesamtkomposition eingebunden.

Dieser Weg führte Marc an die Grenze zur Abstraktion. In seinen späten Arbeiten lösten sich die gegenständlichen Motive teilweise fast vollständig auf. Farbe und Form wurden nicht mehr nur eingesetzt, um etwas darzustellen – sie entwickelten eine eigene bildnerische Kraft.

Genau diese Entwicklung macht die Düsseldorfer Ausstellung kunsthistorisch besonders interessant. Sie zeigt nicht nur die populären Ikonen, sondern macht nachvollziehbar, wie aus dem Tiermaler einer der wichtigsten Wegbereiter der klassischen Moderne wurde.

Franz Marc im Ersten Weltkrieg

Zu Beginn des Ersten Weltkriegs meldete sich Franz Marc freiwillig zum Militär. Wie andere Künstler seiner Generation verband er den Krieg zunächst mit der Hoffnung auf einen tiefgreifenden gesellschaftlichen Neubeginn. Diese anfängliche Begeisterung wich jedoch zunehmend der Ernüchterung angesichts der Realität an der Front.

Am 4. März 1916 wurde Marc während eines Erkundungsritts bei Verdun von Granatsplittern tödlich getroffen. Er war 36 Jahre alt. Die biografischen Eckdaten und sein freiwilliger Kriegseintritt sind durch das Deutsche Historische Museum dokumentiert.

Das Wissen um seinen frühen Tod verändert zwangsläufig die Wahrnehmung seiner Bilder. Die leuchtenden Farben und harmonischen Tierkörper wirken vor dem Hintergrund des Krieges verletzlicher. Eine künstlerische Suche, die auf Erneuerung und eine andere Form des Daseins zielte, endete in einer der größten Katastrophen Europas.

Dabei wäre es zu einfach, Marcs frühere Bilder rückblickend als Vorahnungen des Krieges zu lesen. Seine Suche nach einer anderen Welt hatte lange zuvor begonnen. Der Krieg setzte ihr kein logisches Ende, sondern ein gewaltsames.

Warum Franz Marc bis heute fasziniert

Ein wesentlicher Grund für Marcs anhaltende Popularität liegt in der unmittelbaren Zugänglichkeit seiner Bilder. Man muss kein kunsthistorisches Vorwissen besitzen, um von einem blauen Pferd oder einer gelben Kuh angesprochen zu werden. Die Tiere sind erkennbar, die Farben kraftvoll und die Kompositionen emotional erfahrbar.

Genau darin liegt jedoch auch eine Gefahr. Franz Marc ist so populär geworden, dass seine Kunst leicht auf einige dekorative Tiermotive reduziert wird. Das blaue Pferd funktioniert auf Postern, Tassen, Kalendern und in Kinderzimmern. Die radikale künstlerische Idee dahinter gerät dabei schnell aus dem Blick.

Marc wollte nicht einfach Tiere in ungewöhnlichen Farben malen. Er wollte mit den Mitteln der Malerei eine andere Wahrnehmung der Welt ermöglichen. Farbe sollte sich von der sichtbaren Wirklichkeit befreien. Tiere wurden zu Projektionsflächen für eine neue Beziehung zwischen Natur, Geist und menschlicher Existenz.

Seine Bilder sind deshalb gleichzeitig leicht zugänglich und kunsthistorisch komplex. Sie können ohne Vorwissen wirken – und verändern sich dennoch, sobald man sich mit Marcs Vorstellungen, seiner Zeit und seiner Entwicklung zur Abstraktion beschäftigt.

Die Franz-Marc-Ausstellung im K20 Düsseldorf

Mit „Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt“ präsentiert das K20 nach eigenen Angaben die erste umfangreiche Einzelausstellung des Künstlers in einem deutschen Museum seit 20 Jahren. Die Schau vereint mehr als 120 Gemälde und Arbeiten auf Papier aus unterschiedlichen Schaffensphasen.

Der Rundgang führt von den frühen Werken bis zu den wegweisenden, zunehmend abstrakten Kompositionen. Zu sehen sind berühmte Tierbilder ebenso wie Naturdarstellungen und weniger bekannte Arbeiten. Dadurch entsteht ein umfassenderes Bild eines Künstlers, dessen produktive Schaffenszeit erstaunlich kurz war.

Die Ausstellung ist eine Kooperation zwischen der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen und dem Kunstmuseum Bern. Nach ihrer Station in Düsseldorf wird sie vom 26. Februar bis 4. Juli 2027 in Bern gezeigt.

Für Besucherinnen und Besucher, die Franz Marc bislang vor allem mit seinen blauen Pferden verbinden, liegt gerade darin der besondere Reiz: Die bekannten Bilder werden nicht isoliert präsentiert, sondern als Teil einer rasanten künstlerischen Entwicklung.

Mehr als blaue Pferde

Franz Marc ist längst Bestandteil des kulturellen Gedächtnisses. Genau darin liegt auch das Problem: Wir glauben, seine Bilder bereits zu kennen. Wir kennen die Pferde, die leuchtenden Farben und den Namen „Der Blaue Reiter“. Die Ausstellung in Düsseldorf bietet die Möglichkeit, hinter diese vertrauten Motive zu schauen.

Marc malte keine blauen Pferde, weil sie lediglich ungewöhnlich oder besonders schön wirkten. Er setzte Farbe ein, um sich von einer rein äußerlichen Darstellung der Welt zu lösen. Seine Kunst sollte etwas sichtbar machen, das sich mit realistischer Malerei allein nicht ausdrücken ließ.

Franz Marc suchte nach einer besseren Welt. Gefunden hat er sie nicht. Seine Bilder haben diese Suche jedoch überlebt. Vielleicht wirken sie gerade deshalb mehr als ein Jahrhundert später noch immer so unmittelbar.

Franz Marc in Düsseldorf: Laufzeit, Ort und Öffnungszeiten

Ausstellung: „Franz Marc. Die Suche nach einer besseren Welt“
Laufzeit: 12. September 2026 bis 24. Januar 2027
Ort: K20, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Adresse: Grabbeplatz 5, 40213 Düsseldorf
Umfang: mehr als 120 Gemälde und Arbeiten auf Papier
Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag sowie an Feiertagen, 11 bis 18 Uhr
Audioguide: kostenlos auf Deutsch, Englisch und in einfacher Sprache

Weitere Informationen

Titelbild: Franz Marc: „Fuchs (Blauschwarzer Fuchs)“, 1911, Öl auf Leinwand, Von der Heydt-Museum Wuppertal. Foto: Derbrauni/Wikimedia Commons, CC BY 4.0.

Weitere Informationen und Tickets: Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen

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Düsseldorf zeichnet Boondawg mit dem Kulturpreis der Landeshauptstadt aus. Der Rapper erhält die mit 6.000 Euro dotierte Auszeichnung gemeinsam mit der Singer-Songwriterin Kira Hummen in der Sparte Musik. Doch die Preisvergabe vom 17. September 2026 ist mehr als ein besonderer Moment für die lokale Rap-Szene: Düsseldorf hat seine bisherigen Förderpreise neu aufgestellt und würdigt in vier Sparten insgesamt acht Kulturschaffende.

Rap und Hip-Hop haben längst einen festen Platz in der deutschen Kulturlandschaft. Dass nun auch die Landeshauptstadt Düsseldorf einen Rapper mit einer ihrer zentralen kulturellen Auszeichnungen ehrt, macht diese Entwicklung besonders sichtbar.

Am 17. September 2026 wurden im Malkastenforum erstmals die neuen Kulturpreise der Landeshauptstadt Düsseldorf verliehen. Die Stadt hatte die seit 1972 bestehenden Förderpreise zu Beginn des Jahres neu konzipiert und umbenannt. Die Auszeichnungen bleiben mit jeweils 6.000 Euro dotiert. Neu ist unter anderem eine begleitende Veranstaltungsreihe mit Lesungen, Performances und Ausstellungen der Preisträgerinnen und Preisträger.

Einer der Namen, die dabei besonders auffallen, ist Boondawg.

Boondawg erhält Düsseldorfer Kulturpreis für Musik

Der Rap- und Hip-Hop-Artist Boondawg wurde in der Sparte Musik ausgezeichnet. Gemeinsam mit ihm erhielt die Düsseldorfer Singer-Songwriterin Kira Hummen den Kulturpreis.

Für Boondawg ist die Auszeichnung auch deshalb bemerkenswert, weil seine Geschichte eng mit Düsseldorf verbunden ist. Der Künstler ist im Stadtteil Garath aufgewachsen und hat sich aus der lokalen Musikszene heraus weit über die Grenzen der Stadt hinaus einen Namen gemacht.

Seine Musik reicht nach Angaben der Stadt von Trap-Balladen über Pop-Rap-Kompositionen bis zu Club-Tracks. Mit „GANGSIGNS“ gelang Boondawg der überregionale Durchbruch. Veröffentlichungen wie „SAY LESS“, „KULT“ und „DON’T TRY THIS AT HOME“ folgten und machten seine musikalische wie visuelle Handschrift zunehmend erkennbar.

Boondawgs Arbeit beschränkt sich dabei nicht auf einzelne Songs. Gemeinsam mit anderen jungen Kulturschaffenden entwickelte er eine Plattform, die Musik, Mode und Kunst miteinander verbindet. Damit steht seine Karriere für eine Generation von Künstlern, bei denen Klang, Kleidung, Bildsprache und kulturelle Identität kaum noch voneinander zu trennen sind.

Die Jury würdigt Boondawg für seine eigenständige künstlerische Handschrift und seinen Beitrag zur jungen Düsseldorfer Musik- und Kulturszene. Besonders hervorgehoben wird die Verbindung internationaler Einflüsse mit einer klaren regionalen Identität.

Vier Sparten und acht Kulturpreisträger

Boondawg ist einer von acht Kulturschaffenden, die 2026 mit den neu konzipierten Kulturpreisen der Landeshauptstadt Düsseldorf ausgezeichnet wurden. Die Stadt vergab jeweils zwei Preise in den Sparten Bildende Kunst, Darstellende Kunst, Musik und Literatur.

In der Bildenden Kunst gingen die Auszeichnungen an die Mixed-Media-Künstlerin Sofía Magdits Espinoza und den Bildhauer Felix Schramm. Espinoza verbindet Textilkunst, Skulptur, Installation und Performance mit ökologischen Fragestellungen und partizipativen Elementen. Felix Schramm wurde für ein Werk geehrt, das die Grenzen zwischen Skulptur, Architektur und Fotografie erweitert.

In der Darstellenden Kunst wurden die Tänzerin und Choreografin Ruby sowie der Hip-Hop-Artist Flockey Ocscor ausgezeichnet. Ruby engagiert sich unter anderem für urbane Tanzkulturen und die Vernetzung der Street- und Clubtanzszene in Nordrhein-Westfalen. Flockey Ocscor unterrichtet bereits seit seinem 17. Lebensjahr am tanzhaus nrw und ist durch Wettbewerbe in Paris, London und Tokio auch international bekannt.

Die Kulturpreise für Musik erhielten Kira Hummen und Boondawg. Hummens Musik bewegt sich zwischen Indie, Alternative und Art Pop, während Boondawg Rap, Trap, Pop und Clubmusik verbindet. In der Literatur wurden die Schriftstellerin Thea Mantwill sowie die Autorin, Journalistin, Verlegerin und Kulturvermittlerin Alexandra Wehrmann ausgezeichnet.

Zusätzlicher Förderpreis für Nora Pfahl

Neben den acht städtischen Kulturpreisen wurde ein weiterer, davon unabhängiger Preis vergeben. Den Förderpreis der Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf erhielt 2026 die Performerin, Choreografin und Tanzvermittlerin Nora Pfahl.

Der Preis wird seit 2022 im Wechsel in den Bereichen Bildende Kunst, Darstellende Kunst und Musik vergeben und ist ebenfalls mit 6.000 Euro dotiert. In diesem Jahr stand die Darstellende Kunst im Mittelpunkt. Damit wurden bei der Preisverleihung insgesamt neun Kulturschaffende ausgezeichnet.

Warum Boondawgs Auszeichnung besonders auffällt

Die eigentliche Nachricht liegt nicht allein im Preisgeld. Boondawgs Auszeichnung zeigt, wie weit sich der Begriff des Kulturpreises von einem ausschließlich klassischen Kunstverständnis entfernt hat.

Düsseldorf ist international vor allem für seine Kunstakademie, seine Museen, Galerien und Kunstmessen bekannt. Gleichzeitig besitzt die Stadt eine lebendige Musik-, Tanz- und Subkultur, die lange in anderen Räumen und teilweise außerhalb der etablierten Institutionen stattgefunden hat. Mit Boondawg steht nun ein Künstler aus dieser urbanen Musikkultur auf derselben offiziellen Preisliste wie Bildhauer, Schriftstellerinnen, Tänzerinnen und Mixed-Media-Künstlerinnen.

Das ist kulturpolitisch bemerkenswert, denn ein Kulturpreis sagt immer auch etwas darüber aus, welche Formen künstlerischer Arbeit eine Stadt offiziell anerkennt und sichtbar machen möchte.

Mit der Entscheidung für Boondawg macht Düsseldorf deutlich, dass Rap nicht nur als Unterhaltung oder Jugendkultur betrachtet wird. Die Musik wird als eigenständige künstlerische Arbeit und als relevanter Bestandteil der städtischen Kultur anerkannt.

Vom Förderpreis zum Kulturpreis

Die Umbenennung der bisherigen Förderpreise ist dabei kein nebensächliches Detail. Seit 1972 zeichnet Düsseldorf Kulturschaffende für ihre Leistungen aus. 2026 werden diese Ehrungen erstmals als „Kulturpreise der Landeshauptstadt Düsseldorf“ vergeben.

Oberbürgermeister Stephan Keller begründet die Änderung damit, dass der frühere Begriff „Förderpreis“ zunehmend den Eindruck vermittelt habe, es würden vor allem junge Talente ausgezeichnet. Künstlerische Förderung und kulturelle Verdienste seien jedoch nicht an ein bestimmtes Alter gebunden. Mit dem neuen Namen soll die Bedeutung der Preise als zentrale städtische Auszeichnung für Kunst und Kultur deutlicher hervortreten.

Die finanzielle Ausstattung bleibt bei 6.000 Euro pro Auszeichnung. Gleichzeitig sollen die Preisträgerinnen und Preisträger künftig stärker in das öffentliche Kulturleben eingebunden werden. Bis zum Frühjahr 2027 ist eine spartenübergreifende Veranstaltungsreihe im Künstlerverein Malkasten, im Goethe-Museum und im Theatermuseum Düsseldorf vorgesehen. Geplant sind unter anderem Ausstellungen, Lesungen und Performances.

Damit könnte die neue Konzeption für die Ausgezeichneten langfristig wertvoller sein als das Preisgeld allein. Die Kulturpreise sollen nicht nur abgeschlossene Leistungen würdigen, sondern zugleich neue öffentliche Begegnungen ermöglichen.

Düsseldorf erweitert seinen Kulturbegriff

Die Auswahl der Preisträgerinnen und Preisträger zeigt ein auffällig breites Verständnis von Gegenwartskultur. Bildhauerei und Mixed-Media-Kunst stehen neben urbanem Tanz, Literatur, Indie-Musik und Rap. Klassische Grenzen zwischen Hochkultur, Popkultur und Subkultur verlieren dabei weiter an Bedeutung.

Besonders deutlich wird das an Boondawg und Flockey Ocscor. Mit ihnen zeichnet die Stadt zwei Künstler aus, deren Arbeit aus der Hip-Hop-Kultur hervorgegangen ist – einmal musikalisch, einmal tänzerisch. Düsseldorf würdigt damit nicht nur einzelne Karrieren, sondern erkennt auch jene kulturellen Räume an, in denen diese Karrieren entstanden sind.

Für Boondawg dürfte der Preis eine besondere Bestätigung sein. Für Düsseldorf ist seine Auszeichnung ein sichtbares kulturpolitisches Signal: Ein Rapper aus Garath steht 2026 auf der offiziellen Kulturpreisliste der Landeshauptstadt.

Rap ist damit nicht mehr nur Teil der Düsseldorfer Jugend- und Subkultur. Er gehört offiziell zur ausgezeichneten Kultur der Stadt.

Die Kulturpreisträger Düsseldorf 2026 im Überblick

Bildende Kunst: Sofía Magdits Espinoza und Felix Schramm
Darstellende Kunst: Ruby und Flockey Ocscor
Musik: Kira Hummen und Boondawg
Literatur: Thea Mantwill und Alexandra Wehrmann
Förderpreis der Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf: Nora Pfahl
Dotierung: jeweils 6.000 Euro
Preisverleihung: 17. September 2026 im Malkastenforum Düsseldorf

Weitere Informationen

Titelbild: Oberbürgermeister Dr. Stephan Keller (2.v.l.) und Miriam Koch (l.), Beigeordnete für Kultur und Migration, mit den Kulturpreisträgerinnen und Kulturpreisträgern 2026. Mit dabei: Vorstandsvorsitzender der Stadtsparkasse Düsseldorf Dr. Stefan Dahm (2.v.r.) und Esther Breinig (r.), Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf. (c) Landeshauptstadt Düsseldorf/Claus Langer

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Zum 93. Geburtstag von Eva Rubinstein würdigt Düsseldorf das Lebenswerk der Fotografin mit zwei Ausstellungen, einer Buchpräsentation und der Premiere eines Dokumentarfilms.

Es gibt Künstlerbiografien, die sich kaum in eine gerade Linie bringen lassen. Das Leben von Eva Rubinstein gehört dazu. Tochter des legendären Pianisten Arthur Rubinstein, Kind des europäischen Exils, Tänzerin, Schauspielerin und schließlich Fotografin – ihr Lebensweg verbindet die Kulturgeschichte des 20. Jahrhunderts mit einer außergewöhnlich persönlichen fotografischen Arbeit.

Am 18. August 2026 ist Eva Rubinstein 93 Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass steht ihr fotografisches Werk in Düsseldorf im Mittelpunkt eines umfangreichen Ausstellungsprojekts. Vom 28. August bis zum 31. Oktober 2026 sind Arbeiten der Künstlerin sowohl in der Galerie Clara Maria Sels als auch im Museum für Gartenkunst auf Schloss Benrath zu sehen.

Bereits im vergangenen Jahr haben wir auf Arttrado anlässlich der Ausstellung „Brief Encounters“ über Rubinsteins Fotografie geschrieben. Damals standen vor allem ihre Auseinandersetzung mit Liebe, Tod und Vergänglichkeit sowie ihre charakteristische, oft melancholische Bildsprache im Mittelpunkt. Die diesjährige Werkschau bietet nun die Gelegenheit, ihr Schaffen noch einmal umfassender zu betrachten.

Von der Bühne zur Fotografie

Eva Rubinsteins Weg zur Fotografie begann vergleichsweise spät. Nachdem sie zunächst als Balletttänzerin gearbeitet hatte und später als Schauspielerin auf der Bühne stand, fand sie Ende der 1960er-Jahre mit 34 Jahren zur Kamera.

Die Fotografie wurde für sie zu einer Möglichkeit, einen eigenen künstlerischen Ausdruck zu entwickeln – unabhängig von Bühne und Publikum. Ihre Bilder sind dabei selten spektakulär. Vielmehr liegt ihre Wirkung häufig im Unspektakulären: in einem leeren Raum, einem ungemachten Bett, einem Fenster, einem Körper oder einem Gesicht.

Rubinstein fotografiert das Sichtbare, um etwas Unsichtbares spürbar zu machen. Sie selbst beschrieb diesen Ansatz als Erforschung einer „dritten Dimension“ – einer Ebene zwischen dem fotografierten Gegenstand und den Gefühlen, Erinnerungen und Assoziationen des Betrachters.

Diese Haltung erklärt auch die eigentümliche Ruhe ihrer Fotografien. Viele ihrer Schwarz-Weiß-Bilder wirken still, manchmal entrückt und von einer schwer greifbaren Melancholie durchzogen.

Zwischen Intimität und Distanz

Zu den bekanntesten Arbeiten Rubinsteins gehören ihre Fotografien von Menschen aus ihrem persönlichen und künstlerischen Umfeld. Besonders eindrücklich sind ihre Aufnahmen ihres Vaters Arthur Rubinstein beim Musizieren.

Auch Künstlerpersönlichkeiten wie Diane Arbus, Robert Frank, Duane Michals und André Kertész hat sie fotografiert. Dabei ging es ihr nicht um das klassische Porträt einer prominenten Persönlichkeit. Rubinstein interessierte sich vielmehr für den Menschen hinter der öffentlichen Rolle.

Gerade darin liegt eine Besonderheit ihrer Fotografie: Nähe entsteht bei ihr nicht durch einen möglichst direkten Zugriff, sondern häufig durch Zurückhaltung.

Neben den Porträts bilden menschenleere Interieurs einen zweiten wichtigen Schwerpunkt ihres Werkes. Räume werden bei Rubinstein zu Trägern von Erinnerung. Ein leerer Stuhl oder ein Bett kann dadurch mehr über Abwesenheit erzählen als ein direkt fotografierter Mensch.

Eine Kindheit zwischen Europa und amerikanischem Exil

Die Sensibilität für Erinnerung und Verlust lässt sich auch vor dem Hintergrund ihrer Biografie lesen.

Eva Rubinstein wurde 1933 geboren. Nach dem Beginn des Zweiten Weltkriegs verließ die Familie Europa. Im Oktober 1939 bestieg die damals sechsjährige Eva Rubinstein mit ihren Eltern in Frankreich die USS George Washington und gelangte in die Vereinigten Staaten.

Die Familie ließ sich zunächst in New York und später in Los Angeles nieder. Das Haus der Rubinsteins wurde dort erneut zu einem Treffpunkt von Künstlern und Intellektuellen. Menschen wie Charlie Chaplin, Cary Grant, Grace Kelly, Thomas Mann und Albert Einstein gehörten zum Umfeld der Familie.

Rubinsteins eigene Karriere führte zunächst auf die Bühne. Sie arbeitete als Tänzerin und Schauspielerin und war unter anderem an der ursprünglichen Broadway-Produktion von Das Tagebuch der Anne Frank beteiligt.

Erst mit der Fotografie fand sie jene künstlerische Sprache, mit der sie später international bekannt werden sollte.

Die Spurensuche in Polen

Ein weiterer wichtiger Teil ihres Werkes entstand in Polen, dem Herkunftsland ihrer Eltern. Seit 1958 reiste Rubinstein regelmäßig dorthin. Besonders Łódź, der Geburtsort ihres Vaters, wurde zu einem Ort fotografischer Erinnerung.

In ihren Polen-Aufnahmen geht es nicht allein um dokumentarische Beobachtung. Rubinstein sucht nach Spuren von Vergangenheit und Geschichte – und nach dem, was an einem Ort zurückbleibt, wenn die Menschen längst verschwunden sind.

Damit schließt sich ein Kreis zu ihren Interieurs: Auch in den menschenleeren Räumen ihrer Fotografien scheint die Abwesenheit selbst zum Motiv zu werden.

150 Vintage-Prints in Schloss Benrath

Die umfassende Ausstellung „Eva Rubinstein. Proof of Life“ im Museum für Gartenkunst auf Schloss Benrath zeigt rund 150 von der Künstlerin selbst gefertigte und signierte Vintage-Prints.

Die Ausstellung eröffnet am Mittwoch, 2. September 2026 um 19 Uhr und ist bis zum 31. Oktober 2026 zu sehen. Der Eintritt ist frei.

Bereits am Freitag, 28. August, findet in der Galerie Clara Maria Sels eine Preview statt. Dort werden neben der Ausstellung auch das neue Buch über Rubinstein sowie der Dokumentarfilm „A conversation with Eva Rubinstein“präsentiert.

Der Film stammt von der in New York lebenden Fotografin und Regisseurin Renate Aller, die für das Projekt ein persönliches Gespräch mit Rubinstein geführt hat. Auch Eva Rubinstein selbst wird zu den Düsseldorfer Veranstaltungen live aus den USA zugeschaltet.

Das begleitende Buch „Eva Rubinstein. Photography“ umfasst 290 Seiten und versammelt Fotografien aus den Jahren 1967 bis 1995. Ergänzt werden die Arbeiten durch Gespräche, Erinnerungen und private Fotografien. Damit soll nicht nur Rubinsteins fotografisches Werk dokumentiert werden, sondern auch ihre eigene Stimme und persönliche Geschichte erhalten bleiben.

Ein Werk über Erinnerung

Vielleicht liegt genau darin die anhaltende Wirkung von Eva Rubinsteins Fotografie: Ihre Bilder versuchen nicht, die Zeit anzuhalten. Sie machen vielmehr sichtbar, dass Zeit bereits vergangen ist.

Leere Räume, vertraute Gesichter, Körper, Landschaften und Spuren vergangener Leben werden bei Rubinstein zu Bildern über Anwesenheit und Abwesenheit. Ihre Fotografie ist dabei selten laut. Sie verlangt dem Betrachter Zeit und Aufmerksamkeit ab.

Die Düsseldorfer Ausstellungen bieten nun die Möglichkeit, diese besondere Bildsprache in größerem Umfang zu erleben – und das Werk einer Fotografin neu zu entdecken, deren Lebensgeschichte selbst eng mit den großen kulturellen und politischen Bewegungen des 20. Jahrhunderts verbunden ist.

Termine

Galerie Clara Maria Sels
Eva Rubinstein
28. August bis 31. Oktober 2026
Poststraße 3, 40213 Düsseldorf

Museum für Gartenkunst, Schloss Benrath
Eva Rubinstein. Proof of Life
2. September bis 31. Oktober 2026
Benrather Schloßallee 100–106, 40597 Düsseldorf
Eintritt frei

Die Preview in der Galerie Clara Maria Sels am 28. August ist nur nach Anmeldung möglich. Die Ausstellungseröffnung auf Schloss Benrath findet am 2. September um 19 Uhr statt.

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Johnny Depp kommt Ende August 2026 gleich in zwei unterschiedlichen Rollen nach Nordrhein-Westfalen: als Musiker auf die Bühne in Köln und wenige Tage später als bildender Künstler mit einer eigenen Ausstellung nach Düsseldorf. Am 28. August steht der Hollywood Vampires-Frontmann in der LANXESS Arena in Köln auf der Bühne. Nur zwei Tage später, am 30. August, beginnt auf Schloss Benrath die Ausstellung „The Art of Johnny Depp“.

Für Fans des Schauspielers, Musikers und Künstlers ergibt sich damit ein ungewöhnliches Wochenende. Zugleich rückt eine Frage erneut in den Mittelpunkt, die Depp als Künstler schon länger begleitet: Wie viel Johnny Depp steckt eigentlich in Johnny Depps Kunst?

Johnny Depp Ausstellung in Düsseldorf: Termine und Informationen

Vom 30. August bis zum 27. September 2026 zeigt Schloss Benrath in Düsseldorf die Ausstellung „The Art of Johnny Depp“. Die Werkschau entsteht in Kooperation mit der Stiftung Schloss und Park Benrath, Marcus Schäfer Art und Queens Kunstgalerien.

Zu sehen sind unter anderem Originalkunstwerke und ausgewählte Editionen des Künstlers. Präsentiert werden Arbeiten aus verschiedenen Serien Johnny Depps, darunter „Friends & Heroes“ und „Five“. Einen weiteren Schwerpunkt bildet die Figur „Bunnyman“, die zu den charakteristischen Motiven in Depps künstlerischem Schaffen gehört.

Die Ausstellung rückt damit eine Seite des Hollywood-Stars in den Mittelpunkt, die neben seiner Film- und Musikkarriere zunehmend zu einem eigenständigen Teil seiner öffentlichen Wahrnehmung geworden ist.

Bunnyman, „Friends & Heroes“ und „Five“

Besonders interessant ist die Vielfalt der Motive. In der Serie „Friends & Heroes“ widmet sich Depp bekannten Persönlichkeiten aus Musik, Film und Popkultur, die ihn geprägt haben. Die Arbeiten verbinden Porträtkunst mit einer stark vom jeweiligen Charakter der dargestellten Personen geprägten Bildsprache.

Mit „Five“ widmet sich eine weitere Serie unterschiedlichen Porträts und Motiven aus Depps künstlerischem Universum.

Eine besondere Rolle nimmt außerdem der „Bunnyman“ ein. Die Figur basiert laut Ausstellungsmachern auf einer wiederkehrenden Traumgestalt, die Depp und sein Sohn Jack unabhängig voneinander erlebt haben sollen. Das Motiv ist damit weniger ein klassisches Prominentenporträt als eine persönlichere Seite seiner Kunst.

Der Bunnyman war zuletzt auch außerhalb klassischer Ausstellungsräume in Düsseldorf zu sehen: Bei einer Drohnenshow über der Rheinkirmes wurde die Figur als überdimensionales Motiv in den Himmel projiziert.

Konzert in Köln nur zwei Tage vor der Ausstellung

Noch bevor die Ausstellung in Düsseldorf beginnt, steht Johnny Depp in Köln auf der Bühne. Gemeinsam mit den Hollywood Vampires tritt er am 28. August 2026 um 20 Uhr in der LANXESS arena auf.

Die Band besteht neben Depp aus Alice Cooper, Joe Perry  und Tommy Henriksen. Der Kölner Auftritt ist laut Veranstalter der einzige NRW-Termin der Tour. Damit liegen Depps musikalischer und sein bildnerischer Auftritt in Nordrhein-Westfalen nur rund 48 Stunden auseinander.

Ob Johnny Depp persönlich bei der Ausstellung in Düsseldorf anwesend sein wird, ist bislang nicht offiziell bestätigt. Die zeitliche Nähe zu seinem Kölner Konzert macht einen Besuch zwar zu einer naheliegenden Spekulation, eine bestätigte Teilnahme gibt es derzeit jedoch nicht.

Johnny Depp als Künstler: zwischen Kunstmarkt und Prominentenbonus

Johnny Depps Kunst polarisiert. Während seine Arbeiten von Fans und Sammlern nachgefragt werden, stellt sich gleichzeitig die Frage, welchen Anteil seine enorme Bekanntheit als Schauspieler an der Wahrnehmung und am Marktwert seiner Kunst hat.

Diese Frage ist bei prominenten Persönlichkeiten, die sich neben ihrer eigentlichen Karriere als Künstler etablieren, nicht neu. Bei Depp ist sie besonders interessant, weil seine Arbeiten nicht ausschließlich als Fanobjekte vermarktet werden, sondern innerhalb eines internationalen Marktes für limitierte Kunsteditionen und Originalwerke auftreten.

Die Ausstellung in Düsseldorf bietet damit nicht nur die Gelegenheit, bekannte Motive des Hollywood-Stars zu sehen. Sie ist auch ein Anlass, die Entwicklung Depps als bildender Künstler genauer zu betrachten.

ARTTRADO hat sich bereits ausführlicher mit dieser Frage beschäftigt. In der Analyse „Johnny Depp als Künstler – Talent, Hype oder teures Branding?“ beleuchten wir die Entwicklung seiner künstlerischen Karriere, die Vermarktung seiner Arbeiten und seine Position zwischen Popkultur und Kunstmarkt.

Johnny Depp als Künstler – Talent, Hype oder teures Branding?

Ausstellung mit besonderem Abendprogramm

Neben der regulären Ausstellung ist für den 30. August auf Schloss Benrath eine sogenannte „Evening Experience“ angekündigt. Damit wird der Ausstellungsstart nicht ausschließlich als klassischer Museumsbesuch konzipiert.

Für Besucher, die Johnny Depp bislang vor allem aus seinen Filmen oder von der Konzertbühne kennen, dürfte die Ausstellung einen anderen Zugang zu seiner öffentlichen Person eröffnen: Im Mittelpunkt steht nicht Captain Jack Sparrow oder der Musiker der Hollywood Vampires, sondern Depp als bildender Künstler.

Lohnt sich ein Besuch?

Die Ausstellung richtet sich nicht ausschließlich an Fans des Schauspielers. Auch Besucher mit Interesse an Pop-Art, Porträtkunst, limitierten Editionen und der Schnittstelle zwischen Prominenz und Kunstmarkt dürften interessante Aspekte finden.

Gerade die Verbindung von Celebrity und bildender Kunst macht die Ausstellung für den Kunstbetrieb interessant. Johnny Depp bringt ein bereits vorhandenes weltweites Publikum mit, während seine Arbeiten gleichzeitig innerhalb eines etablierten Marktes für Editionen und Kunstwerke präsentiert werden.

Für Depp-Fans ergibt sich Ende August zudem eine ungewöhnliche Kombination: Am Freitagabend Konzert in Köln, am Sonntag anschließend Kunst im Schloss Benrath.

Tickets und Besuch

Die Ausstellung „The Art of Johnny Depp“ ist vom 30. August bis zum 27. September 2026 auf Schloss Benrath in Düsseldorf zu sehen. Am Eröffnungstag ist zusätzlich eine „Evening Experience“ angekündigt.

Tickets, Öffnungszeiten und aktuelle Informationen zum Besuch sollten direkt beim Veranstalter beziehungsweise bei Schloss Benrath geprüft werden.

FAQ zur Johnny-Depp-Ausstellung in Düsseldorf

Wann beginnt die Johnny-Depp-Ausstellung in Düsseldorf?

Die Ausstellung „The Art of Johnny Depp“ startet am 30. August 2026 und läuft bis zum 27. September 2026.

Wo findet die Ausstellung statt?

Veranstaltungsort ist Schloss Benrath in Düsseldorf.

Welche Werke werden gezeigt?

Zu sehen sind unter anderem Originalkunstwerke und Editionen aus den Serien „Friends & Heroes“ und „Five“. Einen weiteren Schwerpunkt bildet die Figur „Bunnyman“. Die Ausstellung umfasst Arbeiten aus verschiedenen Bereichen von Johnny Depps bildnerischem Schaffen.

Ist Johnny Depp bei der Ausstellung persönlich anwesend?

Eine persönliche Anwesenheit Johnny Depps bei der Ausstellungseröffnung ist derzeit nicht offiziell bestätigt. Depp tritt allerdings am 28. August, zwei Tage vor Ausstellungsbeginn, mit den Hollywood Vampires in Köln auf.

Wann spielt Johnny Depp in Köln?

Johnny Depp tritt am 28. August 2026 um 20 Uhr gemeinsam mit den Hollywood Vampires in der LANXESS arena Köln auf.

Was ist der Bunnyman?

Der Bunnyman ist eine wiederkehrende Figur aus Johnny Depps künstlerischem Schaffen. Nach Angaben der Ausstellungsmacher basiert das Motiv auf einer Traumgestalt, die Depp und sein Sohn Jack unabhängig voneinander erlebt haben sollen.

Was macht die Ausstellung besonders?

Die Ausstellung zeigt Johnny Depp nicht nur als Hollywood-Star, sondern als bildenden Künstler. Besonders ungewöhnlich ist die zeitliche Nähe zu seinem Konzert in Köln: Innerhalb von nur zwei Tagen ist Depp in Nordrhein-Westfalen sowohl als Musiker als auch mit seinen bildnerischen Arbeiten präsent.

Weitere Informationen

Titelbild: Harald Krichel, CC BY-SA 3.0 <https://creativecommons.org/licenses/by-sa/3.0>, via Wikimedia Commons

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Frauen haben die Geschichte des Landes Nordrhein-Westfalen entscheidend mitgeprägt. Sie waren Pädagoginnen und Politikerinnen, Müllerinnen und Malerinnen, Widerstandskämpfer- innen und Wissenschaftlerinnen, Kirchenfrauen und Kriegsberichterstatterinnen. Dennoch wurden sie lange Zeit von der Geschichtsschreibung übergangen. Informationstafeln machen diese Frauengeschichte nun sichtbar und würdigen ihre Leistungen. So auch in Solingen.

Dort gibt es seit 2024 einen FrauenOrt NRW! Er erinnert an das Leben und Wirken der Künstlerin Bettina Heinen-Ayech. Ausgewählt wurde sie als herausragende Künstlerin. Als wichtigste Protagonistin der Solinger Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ und für ihr Engagement als Botschafterin der Völkerverständigung zwischen Orient und Okzident.

Der FrauenRat NRW – ein Zusammenschluss von rund 50 Frauenverbänden und Gruppen – zeichnet mit den FrauenOrten NRW“ Frauenpersönlichkeiten aus. Frauen, die Geschichte des Landes Nordrhein-Westfalen entscheidend mitgeprägt haben, die Großes bewirkt und wegweisende Leistungen erbracht haben. Mit dem Projekt FrauenOrt NRW wurden bis Ende 2024 57 Frauen-persönlichkeiten aus über 1000 Jahren Geschichte an 52 Orten in Nordrhein-Westfalen ausgezeichnet. Das Projekt wird getragen vom FrauenRat NRW e. V. und gefördert durch das Ministerium für Kinder, Jugend, Familien, Gleichstellung, Flucht und Integration des Landes Nordrhein-Westfalen.

Besuchen Sie die Poster Ausstellung im Foyer des Landtags NRW in Düsseldorf und informier- en Sie sich über die bedeutesten Frauen Nordrhein-Westfalens vom 06. bis 27. März 2025.

ÜBER BETTINA HEINEN-AYECH

Bettina Heinen-Ayech (1937-2020) ist die Tochter des Journalisten und Dichters Hanns Heinen und von Erna Heinen-Steinhoff, die in den Häusern der Künstlerkolonie „Schwarzes Haus“ ihren Kunst- und Literatursalon unterhielt. Aufgewachsen in einem freigeistigen und intellektuellen Milieu in Solingen, in dem das Gefühlte und Gedachte besonders wichtig war, hatte sie die besten Voraus- setzungen und Bedingungen, um ihr beeindruckendes Talent zu entfalten.

Hier lernte Bettina auch ihren wichtigsten Lehrer und Mentor kennen, den Maler Erwin Bowien (1899-1972). Sie blieb ihm ein Leben lang verbunden und unternahm mit ihm zahlreiche Kunst- reisen durch ganz Europa. Vor allem aber waren es ihr Mut. Ihre unstillbare Neugier und ihr ungestümer Enthusiasmus, die sie die Welt von Norwegen bis Sylt, von Paris bis Algerien immer wieder neu sehen und malerisch erfassen ließen. Gemeinsam mit Bettina Heinen-Ayech und später Amud Uwe Millies gründete der Kosmopolit Erwin Bowien die Solinger Künstlerkolonie Schwarzes Haus. Die drei Maler der Künstlerkolonie bildeten das Solinger Malertrio.

Schon das 1951 im Alter von 14 Jahren entstandene „Selbstbildnis“, eine Collage in flächig freier Form- und Farbgebung, lässt erahnen, warum Bettina Heinen-Ayech auch als „Wunderkind“ bezeichnet wurde. Obwohl die wilde Emotionalität ihrer Arbeiten manchem Zeitgenossen mehr als ungewöhnlich erschien, wurde sie bereits mit 17 Jahren als ordentliche Studentin an den Kölner Werkschulen aufgenommen. Kein Geringerer als Karl Schmitt-Rottluff gab der 18-Jährigen wenig später den legendären Rat: „Bettina, bleib dir selbst treu!“

Deutsche Kunst der Gegenwart 1955-1956

Entdeckt hatte Bettina Heinen-Ayech übrigens die Frankfurter Galeristin Hanna Bekker vom Rath, eine Vertraute Schmitt-Rottluffs. Die Galeristin nimmt sie später auch in die weltweit beachtete Ausstellung „Deutsche Kunst der Gegenwart 1955-1956″ auf.

Damit katapultiert sich die junge Bettina in die erste Liga der zeitgenössischen Kunstwelt. Sie stellt neben Karl Schmidt-Rottluff, Paul Klee, Max Beckmann, Max Ernst, Ernst Ludwig Kirchner und Käthe Kollwitz aus. Ausgerechnet in Paris, der Stadt der Liebe, wo sie mit ihrem Lehrer und Weggefährten Erwin Bowien im ‚Jardin du Luxembourg‘ „pleinair“ malt, lernt die 23-Jährige ihren späteren Ehemann, den algerischen Unternehmer Abdelhamid Ayech, kennen.

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„Mein Atelier in Portugal ist ein Ort, an dem ich mir anders selbst begegne. Ich empfinde dort eine spezielle Einsamkeit, ein anderes bei mir sein als draußen. Genau das möchte ich mit meinen Bildern darstellen und fühlbar machen.“ So zeigen seine Arbeiten die Welt in ihm, innere Landschaften, bevölkert von schemenhaften Gestalten. Dahinter spiegeln sich seine Themen wider: Menschen, Freiheit, Weltoffenheit. Galeristin Antonia von Fraunberg betont: „Ich habe Leon kennengelernt, als er, gerade 17 Jahre jung, das erste Mal in meiner Galerie saß. Seitdem hat er seine Position in der Kunstwelt stark gefestigt, sowohl durch Ausstellungen in Museen und renommierten Galerien im In- und Ausland, als auch durch Kunstmessen Beteiligungen. Er hat zudem wichtige Preise bekommen, wie den Ernst-Barlach-Preis 2023. Sein Malstil ist ausgeprägter und seine authentische Position stößt gleichermaßen auf Begeisterung bei Sammlern und jungen Kunstinteressierten.“

Sie fährt fort: „Seine aktuellen Arbeiten weisen auch eine zarte, poetische Richtung auf, die den Betrachter in die Gedankenwelt des Künstlers eintauchen lässt. Mit seinen Arbeiten möchte er sichtbar machen, was hinter dem Horizont, hinter dem Sichtbaren liegt. „Wo das ist, was ich bin“, so Leon.

Die Eröffnung findet am Freitag, dem 14. März 2025 um 19:00 Uhr statt. Die Begrüßungsrede hält Bürgermeiser Josef Hinkel, im Anschluss findet ein kurzer Dialog mit dem Künstler statt. Die von fraunberg art gallery bittet um Anmeldung.

Leon Löwentraut – ultra-contemporary

Leon Löwentraut (Jahrgang 1998) hat mit seinem markanten und ausdrucksstarken Stil schnell Aufmerksamkeit erregt. Seine spürbar energievollen Arbeiten schweben zwischen Figuration und Abstraktion. Mit beeindruckender Geschwindigkeit hat sich der junge Künstler einen Namen in der internationalen Kunstwelt gemacht.

Leon Löwentraut begann bereits in jungen Jahren zu malen und entwickelte schnell einen eigenen Stil. Inspiriert von Künstlern wie Picasso, Basquiat und Keith Haring, vermischt er Einflüsse aus Street Art, Expressionismus und abstrakter Kunst zu dynamischen und provokanten Kompositionen.

Er gilt als Vorreiter einer jungen Künstler- und Sammlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht, sie förmlich erfrischt. Auf Instagram hat der 27-jährige Ausnahmekünstler mehr als 1,2 Millionen Follower.

Die Arbeiten des in der Nähe von Düsseldorf und hauptsächlich in Portugal lebenden und arbeitenden Künstlers wurden bereits in internationalen Museen wie u.a. dem Kunstforum Wien, dem Palazzo Medici Riccardi in Florenz, der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, dem Bayerischen Nationalmuseum in München, dem Osthaus Museum in Hagen, dem Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie in Galerien, u.a. in New York, Miami, London, Madrid, Ibiza, Kopenhagen und Zürich gezeigt.

Auch auf wichtigen Kunstmessen wie u.a. in Miami, Zürich, Madrid und Toronto sind seine Arbeiten präsent.

Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst

Die Ernst Barlach Gesellschaft verlieh Leon Löwentraut 2023 den Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst. Der Preis ehrt Künstler für besonders innovative Positionen. In seiner Laudatio erklärte Dr. Jürgen Doppelstein, Museumsdirektor und Vorsitzender der Ernst Barlach Gesellschaft: „Leon Löwentraut zeigt den modernen Menschen in seiner ganzen Isolation und Zersplitterung. Und diesen Menschen macht er zugleich zu einem großen Geheimnis. … Oftmals wirken seine Figuren wie maskierte Einsame. Damit berührt er einen Nerv der Gegenwart und begeistert besonders jüngere Menschen für seine Kunst.“

Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn 2021 unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren). Damit gehört der Düsseldorfer laut Forbes zu den jungen Deutschen, die 2020 Herausragendes geleistet haben und daran arbeiten, die Gesellschaft zum Besseren zu verändern.

2022 ist im teNeues Verlag eine großformatige Leon-Löwentraut-Monographie erschienen, die der Verlag auf der Frankfurter Buchmesse 2022 in Anwesenheit des Künstlers präsentierte.

Die Hochschule Kaiserslautern erteilte dem Düsseldorfer Maler für das Wintersemester 2021/2022 einen Lehrauftrag im Studiengang Virtual Design. Thema „Future Exhibition Design“. Ziel war es, intelligente Inszenierungsformate für den Kunstsektor zu entwickeln, um analoge Kunst mit digitalen Möglichkeiten greifbarer zu machen. Für das gemeinsam entwickelte Projekt „Volar“ gab es vom Art Directors Club (ADC) Gold.

Hintergrund: Im ADC Wettbewerb werden jährlich die kreativsten Arbeiten im deutschsprachigen Raum ausgezeichnet.

Von fraunberg art gallery

von fraunberg art gallery beschäftigt sich hauptsächlich mit contemporary art. Die Galerie konzentriert sich auf „junge Kunst“. Präsentiert werden hier sowohl „young fine artists“ als auch renommierte internationale Künstler.

 

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Zur Webseite der Galerie: https://vonfraunbergartgallery.com/

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In dem Rechtsstreit zwischen dem Künstler Leon Löwentraut und dem Galeristen Dirk Geuer haben sich die Parteien auf einen außergerichtlichen Vergleich geeinigt. Danach sind alle vorherigen Streitigkeiten, bei denen es u.a. um unterschiedliche Auffassungen zu Vertragsangelegenheiten ging, abschließend und unwiderruflich beigelegt sowie die Prozessverfahren vor dem Landgericht und Oberlandesgericht Düsseldorf endgültig beendet. Über den Inhalt des Vergleichs haben beide Parteien – wie in solchen Fällen üblich – Stillschweigen vereinbart. Mit der Einigung bleibt beiden Parteien eine womöglich langfristige gerichtliche Auseinandersetzung erspart.

Leon Löwentraut – ultra-contemporary

Leon Löwentraut (Jahrgang 1998) hat mit seinem markanten und ausdrucksstarken Stil schnell Aufmerksamkeit erregt. Seine spürbar energievollen Arbeiten schweben zwischen Figuration und Abstraktion. Mit beeindruckender Geschwindigkeit hat sich der junge Künstler einen Namen in der internationalen Kunstwelt gemacht. Auf Instagram hat der 26-jährige Ausnahmekünstler mehr als 800.000 Follower.

Die Arbeiten des in der Nähe von Düsseldorf und hauptsächlich in Portugal lebenden und arbeitenden Künstlers wurden bereits in internationalen Museen wie u.a. dem Kunstforum Wien, dem Palazzo Medici Riccardi in Florenz, der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, dem Bayerischen Nationalmuseum in München, dem Osthaus Museum in Hagen, dem Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie in Galerien, u.a. in New York, Miami, London, Madrid, Ibiza, Kopenhagen und Zürich gezeigt. Zudem werden seine Werke auf wichtigen Kunstmessen wie der Art Karlsruhe, der Art Miami, Art Salon Zürich und der Art Toronto präsentiert.

Malen versteht Leon Löwentraut als einen künstlerisch forschenden Erkenntnisprozess: Ergebnis offen.

 

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Das Oberlandesgericht in Düsseldorf hat den ehemaligen Kunstberater Helge Achenbach zu 16,1 Millionen Euro Schadenersatz verpflichtet.

Der Millionenbetrüger Helge Achenbach hatte den 2012 verstorbenen Aldi-Erben Berthold Albrecht beim Kauf von Kunst und Oldtimern durch versteckte Preisaufschläge hintergangen. Das Gericht befand, dass der heute 66-Jährige das «tiefe Vertrauen» Albrechts ausgenutzt hat. Es wurden sogar Rechnungen manipuliert, um das Vorgehen zu vertuschen.

Die Forderung wird der Kunstsammler vorraussichtlich nicht begleichen können. «Mein Vermögen hätte gereicht, der Familie Albrecht den Schaden zu erstatten», sagte Achenbach am Donnerstag der Deutschen Presse-Agentur.

Doch Millionenwerte seien durch das Insolvenzverfahren vernichtet worden. Immobilien wurden deutlich unter Wert abgetreten und Fahrzeuge sind verschwunden. Mit den Schulden scheint er sich abgefunden zu haben. Er jammere nicht, sei in seiner neuen Rolle sogar glücklich und zufrieden. Er möchte sich nun um Menschen kümmern den es noch schlechter geht. So hat er sich als Ziel gesetzt politisch verfolgten Künstlern zu helfen.

Bei der letzten Fussballweltmeisterschaft war Achenbachs Welt noch in Ordnung. Da hatte er das WM-Quartier der deutschen Nationalelf in Brasilien mit Kunst ausgestattet, die Mannschaft war auf dem Weg zum WM-Titel. Doch bei seiner Rückkehr aus Brasilien wurde Achenbach festgenommen und der Skandal nahm seinen Lauf.

Deutschlands bekanntester Kunstberater wurde zu sechs Jahren Haft verurteilt. Erst vor wenigen Wochen kam er nach Verbüßung von zwei Dritteln der Strafe auf freien Fuß. Seine Firmen gingen mit dem Skandal pleite. Rund 2500 Kunstwerke aus ihrem Bestand wurden in mehreren Auktionen zwangsversteigert.