Besonders jüngere Künstlerinnen und Künstler profitieren von der unmittelbaren Reaktion ihres Publikums. Traditionelle Barrieren, die früher den Zugang zu renommierten Ausstellungen erschwerten, sind nicht mehr so stark spürbar. Gleichzeitig verschärft sich jedoch der Konkurrenzdruck, weil digitale Plattformen mit unzähligen Stimmen gefüllt sind. Eine eindimensionale Betrachtung reicht längst nicht mehr aus, um den künstlerischen Werdegang fundiert zu beurteilen.

Möglichkeiten der digitalen Präsenz Plattformen, die sich auf moderne Werke konzentrieren, eröffnen neue Wege und Zielgruppen. Insbesondere jüngere Talente können Kunst aus dem universitären Umfeld unkompliziert vermarkten. Diese Fokussierung auf aufstrebende Positionen beseitigt Hindernisse, die zuvor in klassischen Galerien geherrscht haben.

Algorithmen helfen dabei, passende Interessenten für unterschiedliche Stilrichtungen zu finden. Gleichzeitig stellt die rasche Interaktion sicher, dass Feedback auf Werke zeitnah eingeholt werden kann. Dadurch werden künstlerische Prozesse beschleunigt, während Sammler und Neugierige mehr Möglichkeiten erhalten, authentische Kunst zu entdecken. Die digitale Sichtbarkeit bringt aber auch organisatorische Herausforderungen mit sich: Gezielte Selbstvermarktung ist heutzutage unabdingbar.

Neue Formen des künstlerischen Dialogs

In virtuellen Räumen erweitern sich die Chancen für Kooperationen und Gedankenaustausch. Das Publikum kann etwa abstrakte Kunst verschiedener Studierender erkunden und mit anderen Interessierten diskutieren – unabhängig vom eigenen Standort. Hierbei entsteht eine globale Gemeinschaft, die sich binnen Sekundenbruchteilen über Neuerscheinungen informiert und diese kommentiert. Gleichzeitig entfaltet sich eine tiefere Auseinandersetzung mit dem Werk selbst, da digitale Plattformen häufig Hintergrundinformationen zu Techniken oder Inspirationsquellen bereithalten.

Auf diese Weise wird die Hemmschwelle reduziert, sich aktiv in das Kunstgeschehen einzubringen: Dialogforen, Likes oder Kommentare
stärken das Gemeinschaftsgefühl und fördern ein konstruktives Miteinander.

Vernetzung und Unterstützung

Der Austausch mit Mentoren, Kunstliebhabern und Institutionen fällt im digitalen Zeitalter bemerkenswert leicht. Um neue Optionen für Künstler zu eröffnen, sind Hilfsangebote und Kollektionen im Netz breit gefächert. Unterschiede im Erfahrungsgrad treten dabei in den Hintergrund, weil jede Kunstschaffende Person die Chance hat, unverzüglich Feedback aus einem breiteren Kreis zu erhalten.

Mentorenschaft und gemeinsame Projekte bereichern das Schaffen, indem sie interdisziplinäre Einflüsse fördern. Im Zuge dessen ziehen kleinere Netzwerke immer mehr Förderer an, die sich gezielt für unbekannte Talente interessieren. Langfristig entstehen somit Kooperationen, die digitale Impulse auch in den realen Kunstkontext übertragen.

Technologische Fortschritte in der Rezeption

Neue Trends wie Augmented Reality oder Virtual-Reality-Galerien begünstigen das Eintauchen in Kunstwelten, ohne dass physische Mauern den Zugang begrenzen. Zum Beispiel sind einige Institutionen bemüht, innovative Projekte für digitale Kunstvermittlung weiter voranzutreiben, indem sie mit Hochschulen zusammenarbeiten. Häufig geschieht das in Form von Forschungsprojekten oder
Ausstellungen, die virtuell besucht werden können. Ein vielfältiges Spektrum solcher Initiativen dient auch dazu, die allgemeine Aufmerksamkeit auf moderne Ausdrucksformen zu lenken, weshalb der Schritt zur überregionalen Sichtbarmachung viel leichter fällt.

Gerade in diesem Kontext arbeitet so manche Akademie eng mit externen Partnern zusammen, um neue Technologien in die Lehrpläne einzubringen und dem wachsenden Bedarf gerecht zu werden. An dieser Stelle lohnt ein Blick auf traditionelle versus moderne Präsentationsformen.

Viele klassische Galerien setzen auf den direkten Kontakt zwischen Mensch und Werk, während digitale Projekte oft spontane und experimentelle Herangehensweisen erlauben. Zur Veranschaulichung der Kontraste und Gemeinsamkeiten bietet sich folgende Tabelle an:

Durch die digitale Erweiterung des Kunstraums entstehen dynamische Synergien. Solche Veränderungen haben das Zeug, nachhaltig die Wahrnehmung von innovativen Ideen zu beeinflussen. Die Chance auf Resonanz ist groß, sofern eine gewisse Dialogbereitschaft besteht. Neben auffälliger Kuratierung in virtuellen Netzwerken bleibt dennoch ein gewisses Maß an Authentizität unerlässlich: Spontane Einblicke hinter die Kulissen, ungeschönte Prozessdokumentationen und originelle Formate überzeugen das kunstaffine Publikum oft mehr als bloß hochglanzpolierte Präsentationen.

Richtige Balance ist hier das Schlüsselwort, damit eine wirkungsvolle, aber glaubwürdige Selbstdarstellung gelingt. Der Markt für Kreative lebt vom Zusammenspiel technischer Innovationen und klassischer Aspekte. Handwerkliche Exzellenz und konzeptionelle Tiefe heben sich
aus der Flut digitaler Inhalte nur hervor, wenn konsequent daran gearbeitet wird, eine unverwechselbare künstlerische Handschrift zu formen.

Gleichzeitig sind Reichweite und Vernetzung eminent wichtig, um langfristig bestehen zu können. So wächst mit fortschreitender Digitalisierung der Wunsch nach Projekten, die Menschen virtuell und real zusammenbringen. Besonders spannend ist es, wenn individuelle Herangehensweisen zu hybriden Formaten führen, die Ausstellungen im Museum mit interaktiven Elementen auf Social Media verbinden. Solche Trends zeigen, wie dehnbar die Grenzen des Kunstmarktes geworden sind.

Kreativität entfaltet im digitalen Raum ein ungeahntes Potenzial, das traditionelle Beschränkungen auflöst. Soziale Medien haben die Kunstwelt dabei nicht nur schneller gemacht, sondern auch risikofreudiger, was Stilrichtungen und Konzepte angeht. Gerade für junge Talente, deren Werke in konventionellen Strukturen leichter übersehen würden, ist dies ein entscheidender Vorteil. Der kontinuierliche Wandel zeugt von einem lebendigen Dialog, in dem experimentelle Impulse wertgeschätzt werden und das Publikum eine aktive Rolle in der Sichtbarmachung neuer Perspektiven einnimmt. Die Reise bleibt spannend, da Technologien und Trends einen konstanten Nachschub an frischen Impulsen gewährleisten.

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Die autodidaktische Künstlerin Nina Florence Juncker arbeitet digital sowie physisch und auf eine leidenschaftliche Art und Weise. Das erste Werk entstand bereits 1999 und bis heute sind über 2000 Motive und Hunderte reale Werke entstanden. In der Nicoleta Gallery in der Kantstraße 17, 10623 Berlin können bis zum Ende des Monates noch 3 Werke von NFJ betrachtet werden.

Nina Florence Juncker ist eine interessante, aufstrebende Künstlerin aus dem Berliner Speckgürtel. Ihre produktive, künstlerische Reise, reicht von Designs für Taschen und Mode über abstrakte oder figurative Grafiken- oftmals bildet die Fotografie die Grundlage der Kunstwerke von Nina Juncker.

So auch beispielsweise bei dem gezeigten Werk „The hiker“ in der Nicoleta Gallery. Es ist ein Foto eines ihrer Drucke mit der Gelplatte (Acryl auf Papier) und digital wurde die Silhouette mit Strickmuster ergänzt. Dadurch wird daraus ein hybrides, digitales Gesamtwerk.

Auch bei den anderen beiden dynamischen Figuren Breakdancer und Parcoursläufer bildet ein Gelplattendruck, welcher abfotografiert wurde, die Grundlage. Entsprechend dem Motiv wurden die Werke noch digital eingearbeitet. Die Figur selbst hat dabei eine eigene Struktur z.B. ein Strickmuster. Diese Werke vereinen Handarbeit mit Druck und digitaler Bearbeitung.

 

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Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Nina Juncker im Interview &#8211; Vielseitige Kunstwerke aus Berlin.

Die Kooperation zwischen Nina Florence Juncker mit der Nicoleta Gallery kam über ARTBOXY zustande. Ausgewählte physische Kunstwerke von Nina Juncker finden Sie auch bei uns im Shop!

Nicoleta Gallery Berlin

Nicoleta Albei-Wigger ist mehr als nur eine Künstlerin – sie ist eine Vorreiterin, deren Arbeiten gleichermaßen Ausdruck von Innovation, Kreativität und dem Mut sind, konventionelle Wege zu verlassen und das Unbekannte zu erkunden. Ihre Hauptausstellung, die in der Nicoleta Gallery Berlin zu sehen ist, ist ein lebendiges Zeugnis für ihre Schaffenskraft und ihr Streben, neue Ausdrucksformen in der Kunst zu finden und zu etablieren.

Mehr über die Gallery finden Sie hier: Nicoleta Albei-Wigger: Zeitgenössische Kunst |

 

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Die Kunstwerke von Judith Riemer befinden sich in Privatsammlungen in Deutschland, Italien und Österreich.  Mit der Entwicklung und Fortschritt der Technik, dürften durch die neue NFT Collection über Private Museum auch sicherlich neue Länder hinzukommen. Insgesamt sind in der neuen NFT Collection „Feminine Vibrations – Spiritual Essence“ 20 Werke von Judith Riemer enthalten. Der ganze Prozess wird über die Blockchain Polygon abgewickelt.

Feminine Vibrations – Spiritual Essence

„Feminine Vibrations – Spiritual Essence“ taucht tief in das komplexe Geflecht der Existenz ein. Die Kollektion lädt den Betrachter dazu ein, eine tiefe Verbindung mit der spirituellen Essenz der Weiblichkeit herzustellen und lädt ihn ein, in die mystische Energie der Natur einzutauchen.

Riemers Werke zeichnen sich durch eine fantasievoll-geheimnisvolle Ästhetik aus. Sie laden den Betrachter ein, in ein vielschichtiges Universum einzutauchen, in dem Zeit und Raum bewusst vage bleiben. Bekannte Elemente wie Blätter, Menschen und Tiere werden neu interpretiert, um das wahre Wesen der Dinge widerzuspiegeln. Der Fokus des Künstlers liegt auf der aufmerksamen und sensiblen Beobachtung des Verborgenen.

Zur NFT Collection: FEMININE VIBRATIONS – SPIRITUAL ESSENCE | Private Museum

PS: Kunstsammler die physische Werke bevorzugen, haben mit der nächsten Auktion vom Wiener Auktionshaus der Gallery1503, die Gelegenheit auf 2 ganz besondere Werke von Judith Riemer zu bieten.

 

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Judith Riemer

Judith Riemer wurde 1975 in Braunschweig geboren und absolvierte nach dem Abitur eine Ausbildung als Bauzeichnerin. Im Jahr 2001 schloss sie ihr Studium der Innenarchitektur an der Fachhochschule Hildesheim mit dem Diplom ab. 2016, nach ihrer ersten erfolgreichen Ausstellungen, entschied sich Judith Riemer, die Karriere als freischaffende Innenarchitektin zu beenden und sich als professionelle Künstlerin zu etablieren.

​Seitdem erhielt sie mehrere Auszeichnungen, und ihre Werke wurden in Magazinen und Kunstbüchern in Belgien, Österreich, Großbritannien und Japan veröffentlicht. Zuletzt wurde Riemer im Jahr 2022 als Preisträgerin des „Talented Award“ der Ausschreibung „Flower“ durch die „Artshow International Los Angeles“ geehrt. Im Jahr 2021 war sie außerdem als Finalistin für den „Emerging Scene Art Prize Dubai“ nominiert und ihre nominierten Werke wurden auf über 1000 Screens der Elevision Media Group in Dubai und Abu Dhabi präsentiert. Ebenfalls im Jahr 2021 erhielt sie eine Doppelseite im japanischen Kunstmagazin „365art+“ in Tokio.

Eine ganz besondere Arbeit von Judith Riemer haben wir auch in unserer Kategorie „Werk der Woche“ vorgestellt: Werk der Woche #98 – Die Schatzsucherin

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Titelbild: Inner Worlds/Judith Riemer/2018/Acryl auf Canvas. 

Mehr über die Künstlerin finden Sie auf der Webseite: www.judithriemer.art

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Bei den digitalen Kunstwerken von Nina Florence Juncker bilden oft Fotografien die Grundlage. So auch bei der Arbeit „Gasping – Kopf hoch“. (Gasping zu dt. „nach Luft schnappen“). Das Foto wurde im September 2023 in den Hackeschen Höfen in Berlin aufgenommen. Der Stadt, vor dessen Toren die Künstlerin auch lebt und arbeitet. Bis heute sind über 2000 Motive von Nina Florence Juncker entstanden, trotzdem ist die vielseitige Künstlerin keinesfalls nur auf digitale Kunstwerke zu beschränken.

Einen ausführlichen Einblick in die Werkliste der Künstlerin, gibt es im digitalen Archiv auf dem Instagram Kanal von NFJ.

 

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Warum die Künstlerin sich für Parkinsonpatienten einsetzt und mit ihrer Kunst auch anteilig etwas gutes tun möchte, erklärt sie im Interview: Nina Juncker im Interview. Auch bei unserem Werk der Woche Nummer 103 ist die Botschaft etwas positives – bekräftigendes. Die Künstlerin ist selbst Parkinsonpatientin und weiß, wie es ist – wenn einem das Wasser bis zum Hals steht,  – ebenso hält das Kunstwerk, den Kopf hoch. Vielleicht ist es aber auch ein postapokalyptisches Hundewesen mit Schweißbrille.

Nina Florence Juncker über Gasping – Kopf hoch

Das Bild auf den Kopf gedreht, ist ein Männchen mit großen Augen, welches den Mund aufgerissen hat und nach Luft schnappt. Es sieht aus, als ob ihm das Wasser bis zum Hals reicht. Jedoch sieht nicht jeder das im Bild, was ich darin sehe. Mein Mann kann überhaupt nichts damit anfangen und findet es nur merkwürdig.

Meine Tochter sieht darin ein postapokalyptisches Hundewesen mit Schweißerbrille.  Auf Spiegelfolie gedruckt oder eine andere glänzende Oberfläche, kommt das Motiv besonders effektiv zur Geltung.

Mit offenem Blick durch die Stadt zu gehen ist für mich eine große Inspiration. Nicht alles ist, wie es ist und die Fantasie ist sehr individuell. Selbst das, was für  mich offensichtlich ist, mag für jemanden anderen verschlossen bleiben. Das Bild symbolisiert für mich den Willen nicht aufzugeben, auch wenn die Umstände widrig sind.

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Die autodidaktische Künstlerin Nina Juncker arbeitet digital sowie physisch und auf eine leidenschaftliche Art und Weise. Das erste Werk entstand bereits 1999 und bis heute sind über 2000 Motive und Hunderte reale Werke entstanden. Im Interview gehen wir auch darauf ein, warum Nina Juncker mit ihrer Kunst auch auf die Krankheit Parkinson aufmerksam machen möchte.

Nina Juncker im Interview

Wo bist du gerade, wie geht es dir und woran arbeitest du aktuell?

Ich bin gerade krank zuhause – Corona. Das gute ist aber, das ich dadurch mehr Zeit hatte für die Kunst. Aktuell arbeite ich an neuen Designs und meinem Projekt der sog. Taschenkunst, die sich noch in der Entwicklung befindet… Oft fange ich auch etwas an, und es kommt etwas anderes raus, als anfänglich erwartet. Als letztes habe ich die „Love“ -Serie fertiggestellt.

 

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Ist in deiner aktuellen Serie „LOVE“ eine gewisse Botschaft, die du vermitteln möchtest?

Ein Bild meiner Serie heisst Mutterliebe. Das Herz als wiederkehrendes Motiv und universelles Symbol der Liebe auch ohne Worte zu verstehen. Dazu ist das Herz bewusst in verschiedenen Farben, nicht nur in Rot gehalten – Liebe ist vielseitig.

Muss Kunst immer tiefgründig sein, oder kann sie auch einfach „nur schön“ sein?

Kunst muss nicht immer eine Botschaft haben. Viel fließt bei mir einfach heraus, und vielleicht ergibt sich eine Botschaft im Nachhinein. Aber ich gehe nicht verkopft an ein Projekt und sage mir vorher, DAS möchte ich vermitteln.

Gibt es Künstler oder Kunstbewegungen, die dich beeinflussen? Oder Künstler, mit denen du überhaupt nichts anfangen kannst?

Einige moderne Kunst, die unästhetisch erscheint, beeinflusst mich nicht. Für mich muss ein Werk schöne Farben haben und Kunstfertigkeit zeigen.

Manche moderne Kunst, wo Werke hingeschludert werden, unästhetischen Farbflecken oder angegammelte Objekte, die übereinander gestapelt werden. Wie blutverschmierte Kleidungsstücke. Aber das liegt natürlich auch individuell im Auge des Betrachters. Auf Instagram habe ich vor Kurzem einen Beitrag von Katharina Grosses Solo Ausstellung in Paris gesehen. Ein Werk namens „Das Bett“ – Farbe rumgespritzt im Raum und Bücher . Ich fand es war weder schön noch ästhetisch und nichts, was man sich selbst hinstellen oder installieren kann.

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Kunst kann viel, aber es gibt Grenzen. Es muss respektvoll und im Kontext betrachtet werden.

Gibt es etwas, das du am Kunstmarkt gerne ändern würdest?

Es gibt sehr viele Leute, die wirklich richtig gute Sachen machen – die aber nicht gesehen werden. Es wäre schön, wenn es mehr Möglichkeiten geben würde, da die Eintrittshürde recht hoch ist.

Wie bist du eigentlich zur Kunst gekommen, gab es einen Schlüsselmoment, deine Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Dieses Jahr habe ich wieder viel ausprobiert, besonders während der „Crazy Spark Art Challenge“ im Januar. Die Challenge erzielte rund 30.000 Aufrufe in den sozialen Medien – es war ein globales Projekt initiiert von PD Avengers Deutschland. Mein erstes Werk entstand aber schon 1999 während eines Praktikums in Köln. Dort hatte ich keinen Fernseher, also experimentierte ich mit Kartons. Meine Arbeit habe ich nie als Kunst gesehen, eher als kreative Arbeit.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden – digital und „real“?

Digital über 2000 – darunter auch über 800 Designs auf RedBubble, und es gibt 200/300 Drucke. Reale Bilder im Rahmen sind um die 60 in unterschiedlichen Formaten.

Was inspiriert dich, wenn du neue Werke erschaffst?

Fotos aus der Stadt, die ich dann zuhause weiterentwickle. Alles Mögliche kann inspirieren – Architektur, Natur, Struktur. Es geht um auch um bewusstes Erkunden und einen Perspektivenwechsel.

Gibt es in deinen Werken eine „Signatur“ – etwas, wo du sagen würdest, das ist deine eigene Handschrift?

Jede Serie hat einen eigenen Stil, aber ich habe (noch)keine Signatur im traditionellen Sinne. Es ist auch schwierig wegen der Vielfältigkeit. Viele meiner Designs sind für Objekte, die als Einzelobjekt nicht funktionieren würden, aber als Druck oder Grafik bspw. für Kissenbezüge, Taschen, Decken sehr ansprechend sein können.

Was motiviert dich am meisten in deiner täglichen Arbeit?

Ich investiere 30-40 Stunden pro Woche in die Kunst, oft auch am Wochenende. Das Ausprobieren motiviert mich – nicht alles, was entsteht, gefällt mir, und vieles wird überworfen. Ich stehe erst am Anfang, vielleicht bin ich deshalb besonders motiviert – Kunst wirkt für mich aber auch „entstressend“.

Welches Projekt oder welche Arbeit hat dich bisher am meisten herausgefordert und warum?

Meine Alphabet Serie (5.8.-20.8.23) war zwischenzeitlich eine Herausforderung. Grafisch habe ich mich von a bis Z durchgearbeitet und mit jedem Buchstaben 5-6 Designs entworfen – bei dem Buchstaben U gab es dann eine kleine Kreativitiätskrise. Mindestens ein Buchstabe pro Tag war die Regel, und ich dokumentierte dies auf Instagram mit Kurzvideos.

Wie hat dein Umfeld reagiert, als du als Künstlerin aufgetreten bist?

Die Reaktionen waren positiv, aber viele waren überfordert – ich muss meine Präsenz dosieren, sonst gibt es einen Overflow.

Was war das bisher schönste Feedback?

Künstlerin: Mein Mann wollte ein Bild, (Überlagerung Gaudihaus, Graffitti und Ornamente) für sein Büro – ein zentrales Stück aus meiner ersten Online Ausstellung auf Instagram BLACK WHITE RED im März 2023. Das Bild hängt öffentlich aus, und Kollegen sprachen Ihn darauf an.

Was war der Auslöser, dass du dich mit deiner Kunst für wohltätige Zwecke einsetzt oder auf Krankheiten aufmerksam machst?

Parkinson wird meist mit alten zittrigen Männern in Verbindung gebracht, doch das ist nicht die Realität. 10% der Erkrankten sind unter 50 Jahren und nicht jeder zittert. Ich selbst habe vor 3 Jahren mit 47 die Diagnose bekommen. Die Hilde-Ulrichs-Stiftung hat die Mission allen Menschen mit Parkinson durch nicht-medikamentöse Therapien ein aktives Leben zu ermöglichen und ihre Lebensqualität nachhaltig zu verbessern. Diese Arbeit möchte ich gerne unterstützen. Im Augenblick hängen 12 meiner Werke in der Logopädiepraxis Grote in Kladow und 50% des Erlöses aus dem Verkauf werden an die Hilde-Ulrics-Stiftung gespendet…

Wie beeinflusst die Krankheit Parkinson deine Kunst?

In der Umsetzung bin ich derzeit noch nicht eingeschränkt, im Gegenteil – Parkinson-Patienten sind oft kreativ. Die Thematik spiegelt sich in meinen Werken wider, der Blickwinkel verändert sich.

Du arbeitest auch viel digital. Wie stehst du zu NFTs und dem generellen technischen Fortschritt in der Kunst?

Ich bin offen, habe aber auch schlechte Erfahrungen gemacht, insbesondere mit Betrügern und Scams. Grundsätzlich finde ich NFTs gut, aber als unbekannte Künstlerin hat man es schwer, am Anfang auf sich aufmerksam zu machen – es ist mehr eine gute Entwicklung, für bereits etablierte Künstler. Bringt aber auch den Vorteil, dass man Designs und Kunstwerke auf der ganzen Welt kaufen kann, ohne diese physisch verschicken zu müssen.

Kannst du schon Projekte in der Zukunft verraten?

Ein Projekt, an dem ich arbeite, ist ein Kochbuch aus den 70er Jahren. Es enthält Fotos von Rezepten, die sehr speziell sind, ich glaube, das kann eine Inspiration für kommende Werke werden. Parallel suche ich nach Räumlichkeiten, und eine private Ausstellung wird noch nachgeholt. Es gibt bereits 12 Bilder in einer Praxis Grote in Kladow – aber ich bin auch nicht abgeneigt, weitere Möglichkeiten zu erkunden.

Hast du einen bestimmten Ort oder ein Land, wo du gerne ausstellen würdest?

Ich bin nicht an einen Ort gebunden, aber momentan liegt mein Fokus auf Berlin. Es muss nicht in die Ferne schweifen, aber ich bin ein großer Fan von Barcelona. Es ist für mich ein beliebtes Urlaubsziel, eine Stadt mit viel Kunst und am Meer – eine gute Atmosphäre.

Zum Abschluss noch einen Tipp für junge Künstler oder einen Ratschlag, den du selber gerne früher bekommen hättest?

Hinter dem stehen, was man macht. Neue Dinge ausprobieren. Kunst ist individuell – mach die Augen auf und staune über die Natur.

Danke dir für deine Zeit und Mühe!

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Das biennale Festival für Kunst in digitalen Kontexten und öffentlichen Räumen, findet im Juni diesen Jahres zum dritten Mal statt. Nach FMR 19 entlang der Linzer Donaulände und FMR 21 rund um den Linzer Mühlkreisbahnhof wird mit FMR 23 dieses Mal das südliche Linzer Hafenviertel von zahlreichen Künstler*innen in einen offenen und frei zugänglichen Kunstraum transformiert. Das Festival widmet sich dabei insbesondere den Topics #ephemeralization, #blackout, #circularity, #cooling und #decoupling.

Begleitend zur Ausstellung im öffentlichen Raum gibt es ein mehrtägiges Programm mit Artist Talks, Rundgängen und Konzerten (u. a. mit SØS Gunver Ryberg (K), Floating Spectrum (TW), Antenes (US) u. a. m.).

Für das Festival verantwortlich zeichnet der Verein „LINZ FMR – Art in digital contexts and public spaces“. Er wurde von den beiden Kunst- und Kulturinitiativen qujOchÖ und servus.at, dem Atelierhaus Salzamt der Stadt Linz, der Kunstuniversität Linz und der Sturm und Drang Galerie gegründet. Deren Vertreter*innen sind seit der ersten Ausgabe im März 2019 an der Konzeption, Organisation und Kuratierung des Festivals beteiligt.

Gezeigt werden Arbeiten von …

Studer / van den Berg (CH)
Constant Dullaart (NL)
Clusterduck (IT / FR / DE)
Marisa Olson (US)
!Mediengruppe Bitnik (CH / UK)
Anne Fehres & Luke Conroy (NL / AU)
S()fia Braga (IT)
ViaOral (NL)
TinTin Patrone (DE)
Justin Tyler Tate (CA)
Dennis de Bel & Anton Linus Jehle (NL / DE)
Mitra Azar (IT)
Julian Stadon (AU)
Clemens Stöttinger (AT)
Swaeny Nina Kersaan (NL)
raumarbeiterinnen (DE / AT)

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Mehr über die Veranstaltung: LINZ FMR – Art in digital contexts and public spaces

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In einer einzigartigen Vernissage werden ausschließlich Bilder gezeigt, die von der generativen KI-Plattform midjourney kreiert worden sind. Bilder von ganz außergwöhnlicher Ästhetik, inspirierend, geheimnisvoll, out of the box. Mit nur wenigen Stichworten gefüttert, liefert sie innerhalb von Sekunden Bildvariationen zu Themen wie “Der Urknall”, “The birth of earth”, “Wenn die Natur spricht”, „Young woman as butterfly“. Die Motive, unverändert auf Leinwand gezogen, sind Unikate, die es nur ein einziges mal gibt. Mit jedem Tag trainiert und lernt die KI dazu und wird bei gleichem Input immer andere Motive schaffen.

Über die Frage, ob das nun “wirkliche” Kunst ist oder was sie eventuell unterscheidet von Werken, die ein Mensch geschaffen hat, wird es an diesem Abend sicher heiße Diskussionen geben. Der Initiator Dr. Klaus-Ulrich Moeller, Vortragskünstler und Gründer der KI-Galerie “AI**ART FIRST GALLERY” ist auf jeden Fall überzeugt von dieser Kunst: “Ein neuer Akteur hat die Bühne betreten und tritt in Wettbewerb zu anderen. Schon heute ist für einen Laien nicht zu unterscheiden, ob ein Mensch oder eine KI ein bestimmtes Bild erzeugt hat. Der menschliche Künstler kann uns immerhin erklären, welche Gedanken er bei bestimmten Motiven gehabt hat, was die Bilder uns sagen sollen. Diese Fähigkeit hat die KI (noch) nicht. Sie ist eine black box, die sich herkömmlichem Denken entzieht. Vielleicht ist gerade das ein ganz gewaltiger Vorteil – dass ein intelligenter Algorithmus nicht in Denkmustern festhängt, die unsere eigene Wahrnehmung der Welt immer wieder einengt und behindert”.

Zukunftsredner Dr. Klaus-Ulrich Moeller

20 Jahre Führungserfahrung Deutsche Lufthansa, TUI, PricewaterhouseCoopers (PwC). Preisgekrönter Journalist Stuttgarter Nachrichten, Kolumnist brandeins, Fachautor und Rede-Europameister 2017. Zertifizierter Coach für mittelständische Unternehmen (Vistage International), Kommunikations- & Auftritts-Berater. Mehr über Dr.Klaus-Ulrich Moeller.

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Titelbild: Künstler: KI midjourney – The connected world (© Klaus-Ulrich Moeller/midjourney)

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In unserer Serie „Werk der Woche“ machen wir auf Kunstwerke aufmerksam, die einen besonderen Hintergrund haben, sich für einen guten Zweck einsetzen, zur Diskussion einladen oder in unseren Augen einfach zu wenig Beachtung erhalten. Diese Woche steht bei uns das digitale Kunstwerke TOP von Jasna Lehpamer im Mittelpunkt. Das letzte Werk der Woche: FACELIFT von Alexandra Siebner aus Mainz, können Sie hier nachlesen.

TOP von Jasoehl by Jasna Lehpamer

TOP ist eine der ersten Arbeiten von Jasna Lehpamer. Das digitale Kunstwerk entstand 2022. In unserem letzten Interview mit der Künstlerin, erzählte Lehpamer:  „…. Ich arbeite unterschiedlich lang an meinen Kunstwerken. Hier muss ich zugeben, das ich bei vielen am Anfang noch nicht weiß, was es wird. Ich ziehe eine Linie oder mache ein Punkt oder Kreis und dann immer weiter und so entsteht was Besonderes, obwohl es am Anfang „nur ein Punkt „ war.

Und was ich auch nie mache, obwohl es in der digitalen Malerei schon möglich ist. Ich lösche oder radiere nichts. Für mich ist jede Bewegung und jede Linie, die zu sehen ist, wie der Teil eines Lebens. Beim Geben und erschaffen, kann ich nicht einfach löschen. Manchmal sind manche Linien oder Strukturen nicht ganz perfekt, aber was ist schon perfekt? Auch Fehler sind einmalig und das macht sie besonders.“

Das gesamte Interview finden Sie hier: Interview mit der Künstlerin Jasna Lehpamer aus Wien – Arttrado.de

 

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Das Kunstwerk TOP ist als gerahmte Leinwand in der Größe 60,96cm * 91,44cm erhältlich. Der Preis liegt bei 550€. Die Bestellung wird erst auf Nachfrage erstellt! Mit Fertigung auf Anfrage wird alles individuell vorbereitet, wodurch weniger Abfälle generiert werden als bei der herkömmlichen Herstellung.

Bei Interesse an einer Sondergröße nutzen Sie gerne unseren Kontakt!

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Zur Webseite der Künstlerin: www.jasoehl.at

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Jasna Lehpamer lebt und arbeitet heute in Wien. In ihrem Heimatland Kroatien hat sie Rechtswissenschaften studiert und parallel die Hochschule für Film & Fernsehen absolviert. Praktische Erfahrungen sammelte Lehpamer bereits auf vielen verschiedenen Fernsehstationen, sowohl im Inland als auch international – und das seit bereits 30 Jahren. Aktuell ist Lehpamer beim österreichischen Rundfunk tätig, gleichzeitig erschafft sie unter dem Namen Jasoehl seit geraumer Zeit Kunstwerke.

Jasna Lehpamer im Interview

Wo sind Sie grade, wie geht es Ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Ich habe über das Wochenende grade eine Fernsehproduktion. Für mich ist es faszinierend, wie Menschen sich immer neu finden. Seit ich mich erinnern kann, habe ich immer gemalt und wilde Konstruktionen skizziert, aber dass das ein wichtiges Teil meines Lebens wird, habe ich mir ehrlich nicht gedacht.

Gerade jetzt habe ich eine „ Linien“ Phase. Ich male meine Motive aktuell in Linien und lege sehr viel Wert auf die Strichführung.

Seit rund 3 Jahren sind Sie aktiv auf dem Kunstmarkt präsent, wie sind Sie zur Kunst gekommen? … und was war der Moment, das Sie entschieden haben, Ihre Werke mit der Öffentlichkeit zu teilen?

Abstrakte Dinge zu zeichnen habe ich von meinem Vater, er hat selber sehr viel gemalt und auch Ausstellungen gehabt. Der Moment, wann ich so zu sagen öffentlich in der Szene aufgetreten bin, war spontan. Ich habe in meinen Schneideraum auf meinem Desktop als Hintergrund ein Bild, die ich einfach spontan auf dem PC gemalt habe. Jeder, der zu mir in den Schnitt gekommen ist, war faszinierend von diesem Bild. Und noch mehr überrascht, wenn ich gesagt habe, dass das Werk von mir ist.

Also habe ich auch angefangen, anderen Leuten meine Bilder zu zeigen. Das positive Feedback hat mir Mut gegeben, auch an Öffentlichkeit zu gehen und meine Werke zu präsentieren. Und ja, da bin ich!

Sie haben mit „Jasoehl“ eine Marke geschaffen, statt sich für einen Künstlernamen zu entscheiden. Wofür steht der Name?

Ja, das stimmt. Der Name „Jasoehl “ ist mit viel Fantasie eine Kombination aus den Buchstaben meines Namens. Und „O“ ist einfach da, weil ich glaube, ein o kommt immer in einem Wort gut an.

Fertigen Sie ausschließlich digitale Kunstwerke oder arbeiten Sie auch mit anderen Materialien?

Ich muss mich outen als totaler Technikfreak und Digitales ist absolut meins. Aber ja, ich habe auch schon Pastellmalereien auf Leinwand gefertigt. Zum Beispiel, als ich in meine neue Wohnung gezogen bin, wollte ich natürlicherweise Bilder und Gemälde für meine Wände, aber zu diesem Zeitpunkt habe ich keine passenden gefunden und so habe ich meine eigenen Bilder gemalt … mittlerweile ist davon nur noch ein Rest übergeblieben. Die meisten habe ich guten Freunden geschenkt. Mein Fokus liegt auf der digitalen Malerei.

Sind die Kunstdrucke Ihrer digitalen Werke dann immer limitiert?

Großteils ja, aber ein Teil ist auch unlimited zu haben. Für die Leute, die vielleicht nicht so direkt Sammler sind, aber trotzdem ein Kunstwerk von mir haben wollen.

Eines meiner Lieblingswerke von Ihnen ist das Kunstwerk „TOP“, wie lange arbeiten Sie an einem solchen Werk und wie kann man sich den Entstehungsprozess vorstellen?

TOP ist eines von meinen ersten Werken. Ich arbeite unterschiedlich lang an meinen Kunstwerken. Hier muss ich zugeben, das ich bei vielen am Anfang noch nicht weiß, was es wird. Ich ziehe eine Linie oder mache ein Punkt oder Kreis und dann immer weiter und so entsteht was Besonderes, obwohl es am Anfang „nur ein Punkt „ war.

Und was ich auch nie mache, obwohl es in der digitalen Malerei schon möglich ist. Ich lösche oder radiere nichts. Für mich ist jede Bewegung und jede Linie, die zu sehen ist, wie der Teil eines Lebens. Beim Geben und erschaffen, kann ich nicht einfach löschen. Manchmal sind manche Linien oder Strukturen nicht ganz perfekt, aber was ist schon perfekt? Auch Fehler sind einmalig und das macht sie besonders.

Ein Bild kann eine halbe Stunde oder mehrere Tage dauern. Es geht um Emotion, aber das bedeutet nicht, dass die Werke, die kürze brauchen, weniger emotional sind.

 

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Sie haben Jus studiert, parallel die Hochschule für Fernsehen und Film absolviert. Praktische Erfahrungen auf verschiedenen Fernsehstationen – im Inland als auch international -als Videoeditor gesammelt. Aktuell tragen Sie Verantwortung beim Österreichischen Rundfunk. Wie viel Zeit bleibt da für die eigene Kreativität?

Ich finde zwischen Videoschnitt, was auch sehr viel mit Bildgestaltung zu tun hat, ist ein sehr schmaler grad zur Malerei, zumindest für mich. Sicher, ich arbeite in meinem Hauptberuf nicht wenig, aber trotzdem, ich finde immer Zeit und besser gesagt, ich nehme mir die Zeit, Bilder zu malen, das ist mein Ventil, wo auf eine andere Art und Weise Emotionen dargestellt werden. Das macht mich glücklich und erfüllt und für so was gibt es immer Zeit, ich finde, es ist sehr wichtig.

Sie haben mir in einem Vorgespräch bereits gesagt, das Sie schon einige Herausforderungen gemeistert und überstanden haben , sei es nun Krieg, konfliktäre Situationen in der Arbeitswelt, als auch private Schicksalsschläge. Wie weit spiegelt sich das Erlebte bzw. Ihre Erfahrungen in Ihren Kunstwerken wieder?

Interessanterweise übertrage ich auf meine Kunstwerke nie Themen wie Tod, Krankheit oder Verlust. Trotz vielen aus dem Krieg und anderen erlebten Schicksalen bin ich ein sehr positiver Mensch und spiegle das in meinem Werken.

Stellen Sie sich vor, wir wären ein großes Magazin, wie die New York Times oder Ähnliches, was würden Sie der Welt gerne noch sagen?

Es klingt klischeehaft aber, ich habe ein Krieg hinter mir, wo auch auf mich geschossen wurde. Ich kann nur sagen es bringt nichts, nur Trauer sonst wirklich nichts. Stop the war make peace.

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Am besten beschreibt der Begriff REISE die Entwicklung von SANO TALIS. Begonnen irgendwann in der Kindheit mit Kritzeleien in Schulbüchern und Heften. Seit 2018, ohne besondere künstlerische Förderung, wuchs der Drang zum Schaffen eigener Kunstwerke.
Anfangs mit Acryl auf Leinwänden. Die Techniken durch Ausprobieren, die Motive bekannter Künstler als Inspiration.

Der Zuspruch der Betrachter bestärkt und motiviert. Auftragsarbeiten sind eine Herausforderung für die Kreativität und Bestätigung zugleich. Die Stationen dieser Reise sind keine Haltepunkte – eher Bahnhöfe auf der Durchfahrt. Wechselnde Landschaften, Klima- und Zeitzonen sind vergleichbar mit den Einflüssen auf die Werke von SANO TALIS.

Künstlerisch vielfältig: großflächig und klar strukturiert oder kleinteilig und filigran. Farben und Formen gekonnt in Szene gesetzt. Die Begeisterung entsteht beim Erschaffen der Werke. Dankbar für Wertschätzung der Betrachter. Fasziniert von den Deutungen und Rückmeldungen. Eine Endstation ist nicht in Sicht.

SANO TALIS im Interview

Wo sind sie grade, wie geht es ihnen und woran arbeiten sie aktuell?

Derzeit lebe und arbeite ich am Rande von Berlin. Meine Arbeiten sind breit gestreut, da es sehr viel Inspiration und Motivation gibt, viele Kunstprozesse zu erleben, ich möchte mit einer größeren Acrylreihe beginnen und arbeite nebenher an einem Großprojekt auch in Acryl. Meine digitalen Werke sind eine völlig andere Form und ein anderer Ausdruck, um Neues zu probieren.

Sie arbeiten verdeckt. Über die Person hinter „Sano Talis“ ist bisher wenig bekannt, wofür steht der Künstlername bzw. wie sind sie darauf gekommen?

Mein Künstlername ist durch einen längeren Prozess entstanden, aber auch durch eine Idee, eines nahestehenden Menschen.

Auf Instagram haben Sie überwiegend, mit minimalistischen Werken, in kürzester Zeit einige Befürworter und Bewunderer auf sich aufmerksam gemacht. Ohne Show und „persönliches TamTam“.  Sie lassen die Kunst sprechen, aber wie viel Privatperson steckt den in Sano Talis?

Die Privatperson steckt in der Kunst selbst, in den Farben und Formen. Natürlich auch in kleineren Details, wie in einem Titel. Ich werde auch auf den Ausstellungen sein und ich werde immer auch ein Stück von meiner Person mit meinen Werken verbinden, ob mit kleinen Texten oder einem besonders ausgewählten Lied.

Angefangen haben sie mit der Acrylmalerei – aber aktuell liegt ihr Schwerpunkt auf digitalen Kunstwerken?

Die Arbeit mit der Kunst ist für mich immer Freiheit. Mir schreibt niemand vor, was ich zu machen habe oder ob es besser wäre, es nicht zu tun. Deshalb möchte ich es mir auch gern bewahren, an dieser Freiheit festzuhalten. Ob Acrylmalerei, digitale Kunst oder etwas völlig Neues.

Wie viele Werke sind bis heute entstanden und wie lange arbeiten sie durchschnittlich an einem digitalen Werk?

Ungefähr 5 bis 12 Stunden. Ich arbeite fast immer spontan, ohne Plan ohne Skizze ohne Ziel, völlig frei. Kunst entsteht manchmal über Wochen oder Monate, manchmal sogar wie bei meinem Großprojekt mehrere Jahre. Bisher würde ich schätzen,… zwischen 200 – 250 Werke.

Von der Menge her scheint es, als würde es schon für eine kleine Soloschau reichen, sind aktuell Ausstellungen geplant?

Es sind Ausstellungen in Planung und sobald es dazu etwas zu verraten gibt. Seid ihr die ersten, die es lesen können.

Da sie die Person hinter Sano Talis geheim halten, wird es für Besucher vermutlich nicht die Möglichkeit geben, sie auf Ausstellungen persönlich zu sprechen?

Wir leben in modernen Zeiten, ich denke, es werden sich Gelegenheiten ergeben, wo vielleicht genau das möglich ist,… Ich freue mich darauf, mit kunstbegeisterten Menschen oder auch Kritiker*innen zu sprechen.

Wie wichtig ist ihnen das Feedback und der Austausch mit Kunstliebhabern und anderen Kreativen?

Unglaublich wichtig. Ich glaube, dass jedes Gespräch, jeder Tipp und jede Kritik eine Bereicherung sein kann. Das heißt aber nicht, dass man alles verwerfen sollte, um anderen zu gefallen, sondern daraus zu wachsen, eigene Fehler zu entdecken oder genau seine Stärken. Oder einfach ein tolles Gespräch ohne große Erwartungen.

Was war denn bisher das schönste Feedback?

Ich werde es in Ehren halten, vielen Dank für das schöne Bild.“ Von einem Menschen, der es bis zum Ende im Wohnzimmer aufhing. Dieser für mich besondere Mensch, verstarb leider. Aber man hat die Freude gesehen, als ein kleines bisschen Kunst den Tag veränderte.

… und die härteste Kritik?

„Ich kann damit nicht viel anfangen.“ Auch völlig in Ordnung, und damit bin ich auch zufrieden.

Gibt es Künstler, die sie beeindrucken oder sogar beeinflussen?

Ja, die gibt es, viel Kunst kann inspirierend sein, aber auch zu einer Art von Stau führen, was das freie Denken beeinflusst und das freie Arbeiten. Deshalb mache ich das nicht immer, sondern lasse mich mehr von Momenten des Lebens selbst inspirieren und motivieren, Neues zu wagen.

Von Ihrem Werk „GW“ gibt es aktuell eine limitierte Serie einer Kunstdruck-Edition, sind all ihre Werke auch als Print erhältlich oder sind diese dann „nur“ als NFTs verfügbar?

All das möchte ich zusammen mit den netten und wichtigen Menschen entscheiden, die mich auf diesem Weg unterstützten. Ausgeschlossen ist nichts. Rein auf NFT’s zu bauen, ist aber nicht mein Ziel.

Was ist ihre Meinung zum viel diskutierten Thema NFTs?

Meine Kunst soll greifbar sein und nicht rein aus Nullen und eines bestehen, doch ein Teil meiner Werke bekommen auch die Chance, als NFT Menschen zu erreichen, die genau das suchen.

Stellen sie sich vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times – oder Ähnliches,… was würden sie der Welt gerne noch sagen?

Wir haben eine wundervolle Welt mit unglaublich schönen Chancen, lasst sie uns nicht zerstören, sondern sie schützen und bewahren. Ihre Schönheit, ihre Vielfalt, ihre Fülle von wundervollen Pflanzen und Tieren und lasst uns das in Frieden tun.

 

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Titelbild: Tapa’s No.4, Block Art by Sano Talis

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