Die Ausstellung „Histoires de paysages. De Monet à Hockney“ im Musée Marmottan Monet ist keine Hommage an die Landschaftsmalerei, sondern ihre kritische Rekonstruktion als visuelles System.

Zwischen Claude Monet und David Hockney entfaltet sich kein stilgeschichtlicher Verlauf, sondern eine Abfolge epistemischer Brüche: Landschaft erscheint hier nicht als Naturmotiv, sondern als Technologie des Sehens – als kulturell codierte Form der Wahrnehmung.

Monet markiert den Beginn dieser Verschiebung, in der Natur in Licht- und Zustandsfragmente zerfällt. Das 20. Jahrhundert radikalisiert diesen Prozess durch Abstraktion, Fragmentierung und Bildkritik. Mit David Hockney kulminiert die Entwicklung in einer synthetischen Wahrnehmung, in der Landschaft zur konstruierten Bildrealität wird.

Innerhalb dieses Spannungsfeldes fungiert Alex Katz als Scharnierfigur einer flachen Moderne, in der Landschaft und Figur gleichermaßen in ikonische Oberflächen überführt werden.

Pierre Wats kuratorische Perspektive liest Landschaft konsequent als Wahrnehmungsregime: nicht das Motiv verändert sich, sondern die Bedingungen seines Sehens. Die Ausstellung wird so zur Kritik des Bildes selbst – und zur Kartografie jener Systeme, die Natur überhaupt erst sichtbar machen.

Musée Marmottan Monet, Paris | 24.09.2026 – 31.01.2027

Kuratierung: Pierre Wat

Die Ausstellung „Histoires de paysages. De Monet à Hockney“ im Musée Marmottan Monet ist weniger eine Hommage an die Landschaftsmalerei als vielmehr eine kritische Rekonstruktion ihrer historischen Funktion.

Was hier gezeigt wird, ist kein Stilverlauf, sondern ein epistemologisches Modell: Landschaft als Technologie des Sehens, als kulturelle Programmierung von Natur.

Zwischen Claude Monet und David Hockney entfaltet sich kein linearer Fortschritt, sondern eine Serie von Brüchen, Verschiebungen und medialen Transformationen, in denen das Landschaftsbild seine Unschuld endgültig verliert.

Eine vollständige offizielle Künstlerliste ist derzeit nicht veröffentlicht – typisch für große Überblicksausstellungen dieser Art. Was aber vermutlich sicher ist, lässt sich aus den kuratorischen Angaben und bisherigen „Monet–Gegenwart“-Programmen sehr gut rekonstruieren.

Monet als Ursprung: Die Geburt der modernen Wahrnehmung

Claude Monet markiert im kuratorischen Narrativ nicht den Beginn der Landschaftsmalerei, sondern den Beginn ihrer Entzeitlichung.

Seine Malerei zerlegt Natur in:

Lichtsequenzen
atmosphärische Zustände
subjektive Wahrnehmungseinheiten

Damit wird Landschaft erstmals zu dem, was sie in der Moderne bleiben wird: ein perzeptives Konstrukt statt eines Ortes

20. Jahrhundert: Landschaft als ideologischer Kampfplatz

Die Moderne erscheint in der Ausstellung nicht als Stilgeschichte, sondern als Krise des Landschaftsbildes.

Industrialisierung, Krieg und Abstraktion verschieben das Genre in Richtung:

Fragmentierung
Flächigkeit
symbolische Übercodierung

Landschaft wird zur Projektionsfläche politischer und ästhetischer Ordnungen – oder verliert sich vollständig in der Abstraktion.

David Hockney: Hyperrealität der Wahrnehmung

Der kuratorische Endpunkt ist bewusst mit David Hockney gesetzt.

Seine Landschaften sind keine Naturdarstellungen, sondern Wahrnehmungsmodelle im Zeitalter technischer Bilder:

iPad-Zeichnungen
multiperspektivische Kompositionen
radikale Farbkodierungen

Hockney ersetzt Natur durch eine synthetische Sichtbarkeit, in der Landschaft als Erfahrung rekonstruiert wird, nicht als Abbild.

David Hockney gestorben: Die Kunstwelt trauert um eine Legende

Alex Katz: Die flache Moderne der Landschaft

Innerhalb dieses Spannungsfeldes wird Alex Katz zu einer entscheidenden Scharnierfigur.

Auch wenn er nicht im Zentrum der Ausstellung steht, ist seine Präsenz (laut Programmstruktur vergleichbarer Marmottan-Projekte und der thematischen Logik der Schau) sehr wahrscheinlich im Kontext der Übergänge zwischen Moderne und Gegenwart verortet.

Katz’ Landschaften funktionieren nicht narrativ, sondern ikonisch reduziert:

extreme Flächigkeit
minimale Tiefenillusion
grafische Präzision
Entdramatisierung der Natur

Damit radikalisiert er eine Linie, die bereits bei Monet beginnt: die Auflösung des Landschaftsraums in ein reines Bildsystem.

In der Logik der Ausstellung ist Katz kein „Naturmaler“, sondern ein Vertreter der Bildflächen-Ästhetik nach der Wahrnehmung – ein Moment, in dem Landschaft endgültig zu Design, Oberfläche und Zeichen wird.

Pierre Wats kuratorische These: Landschaft als Bildregime

Die Stärke der Ausstellung liegt nicht in ihrer Chronologie, sondern in ihrer impliziten These:

Landschaft ist kein Genre, sondern ein historisches Wahrnehmungsregime.

Pierre Wat liest die Landschaft nicht als Motiv, sondern als:

kulturelle Ordnung des Sehens
technische Form der Weltverarbeitung
ästhetische Steuerung von Naturverständnis

Damit wird die Ausstellung zu einer Kritik der Malerei selbst:
Nicht die Landschaft verändert sich – sondern das Sehen.

Künstlerische Struktur (rekonstruiert aus kuratorischem Kontext)

Auch wenn keine vollständige Liste vorliegt, ist die kuratorische Logik klar entlang folgender Achsen aufgebaut:

Impressionistische Grundlagen: Monet als Ursprung der Wahrnehmungszerlegung
Moderne Transformationen: Postimpressionismus, frühe Abstraktion, Flächenmalerei
Nachkriegsmoderne: Reduktion, Konzeptualisierung, Bildkritik
Gegenwart: Hockney als digitales und perceptives System
Zwischenfiguren (typologisch): Künstler wie Alex Katz als Übergang von Bildillusion zu Bildfläche

Fazit: Landschaft nach der Landschaft

„Histoires de paysages“ zeigt nicht die Evolution eines Genres, sondern seine Auflösung in Theorie.

Von Monet bis Hockney wird deutlich:
Die Landschaft verschwindet nicht – sie wird rekodiert.

Was bleibt, ist kein Naturbild, sondern ein Archiv der Wahrnehmungssysteme, die Natur überhaupt erst sichtbar machen.

Weitere Informationen

Mehr über das Museum: https://www.marmottan.fr/en/

Die Nachricht vom Tod David Hockneys löste weltweit Bestürzung aus. Nach Angaben seiner langjährigen Sprecherin Erica Bolton verstarb der Künstler am 11. Juni 2026 friedlich in seinem Zuhause. Weitere Details zu den Umständen seines Todes wurden zunächst nicht veröffentlicht.

Bis zuletzt galt Hockney als außergewöhnlich produktiv. Auch im hohen Alter arbeitete er kontinuierlich an neuen Projekten und bewies, dass kreative Neugier keine Frage des Alters ist. Sein Tod markiert das Ende einer der bedeutendsten Künstlerkarrieren der Gegenwart.

Wer war David Hockney?

David Hockney wurde am 9. Juli 1937 in Bradford in Yorkshire geboren und entwickelte sich bereits in den 1960er-Jahren zu einer Schlüsselfigur der britischen Pop-Art. Internationale Bekanntheit erlangte er durch seine farbintensiven Gemälde, die häufig Szenen aus Kalifornien, Swimmingpools, Landschaften und Porträts zeigten.

Seine Werke zeichneten sich durch leuchtende Farben, klare Linien und eine einzigartige Fähigkeit aus, alltägliche Momente in ikonische Kunst zu verwandeln. Besonders Bilder wie A Bigger Splash gelten heute als Meilensteine der modernen Kunstgeschichte.

Der Künstler, der das Sehen neu definierte

Hockney verstand Kunst nicht nur als Darstellung der Wirklichkeit, sondern als Erforschung unserer Wahrnehmung. Sein Werk kreiste immer wieder um die Frage, wie Menschen Räume, Perspektiven und Zeit erleben.Diese Auseinandersetzung führte ihn weit über die klassische Malerei hinaus. Er experimentierte mit Fotografie, entwickelte seine berühmten „Joiners“-Fotocollagen, arbeitete mit Videotechnik und gehörte zu den ersten international renommierten Künstlern, die digitale Zeichnungen auf dem iPad als ernstzunehmendes künstlerisches Medium nutzten.

Während viele seiner Generation an traditionellen Techniken festhielten, blieb Hockney bis zuletzt offen für neue Technologien und kreative Ausdrucksformen.

Bedeutung für die LGBTQ+-Community

David Hockney war nicht nur ein bedeutender Künstler, sondern auch eine wichtige kulturelle Persönlichkeit. Bereits in einer Zeit, in der Homosexualität gesellschaftlich tabuisiert und rechtlich verfolgt wurde, thematisierte er offen homosexuelle Beziehungen und persönliche Erfahrungen in seiner Kunst.

Seine Werke trugen dazu bei, Sichtbarkeit für LGBTQ+-Menschen zu schaffen und gesellschaftliche Veränderungen mitzugestalten. Dadurch wurde Hockney weit über die Kunstwelt hinaus zu einer Symbolfigur für Freiheit, Selbstbestimmung und Offenheit.

Rekordpreise und weltweite Anerkennung

Im Laufe seiner Karriere avancierte Hockney zu einem der erfolgreichsten lebenden Künstler der Welt. Seine Werke erzielten regelmäßig Millionenpreise auf internationalen Auktionen, große Retrospektiven lockten Hunderttausende Besucher in Museen, und seine Arbeiten wurden Teil bedeutender öffentlicher und privater Sammlungen.

Besonders bemerkenswert war dabei seine Fähigkeit, sowohl Kritiker als auch ein breites Publikum zu begeistern. Seine Kunst war intellektuell anspruchsvoll, blieb aber gleichzeitig zugänglich und emotional verständlich.

Was von David Hockney bleibt

Mit dem Tod David Hockneys endet ein außergewöhnliches Kapitel der Kunstgeschichte. Sein Werk steht für Neugier, Innovationsgeist und die Freude am genauen Hinsehen.

In einer Kunstwelt, die häufig von Konzepten und Theorien dominiert wird, erinnerte Hockney daran, dass Kunst auch Schönheit, Licht und Lebensfreude vermitteln darf. Seine Bilder zeigen nicht nur die Welt, wie sie aussieht – sie zeigen sie, wie sie wahrgenommen werden kann.

Sein Einfluss auf Malerei, Fotografie und digitale Kunst wird noch lange spürbar bleiben. Museen, Sammler und Kunstliebhaber weltweit werden sein Werk weiterhin bewahren, erforschen und ausstellen.

Fazit: Ein Jahrhundertkünstler hinterlässt ein zeitloses Vermächtnis

David Hockney prägte die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts wie nur wenige andere Künstler. Von seinen legendären Pool-Gemälden über experimentelle Fotocollagen bis hin zu digitalen Arbeiten auf dem iPad verschob er immer wieder die Grenzen künstlerischer Möglichkeiten.

Sein Tod am 11. Juni 2026 im Alter von 88 Jahren bedeutet einen großen Verlust für die internationale Kunstszene. Doch sein Vermächtnis bleibt lebendig – in Museen, Sammlungen und vor allem in den Werken, die auch kommende Generationen inspirieren werden.

Weitere Informationen

Titelbild: Bildnachweis: Connaissance des Arts, „David Hockney 2017 at Flash Expo (cropped)“, via Wikimedia Commons, Lizenz: Creative Commons Attribution 3.0 Unported (CC BY 3.0).

Bis Donnerstagabend galt eine Skulptur von Jeff Koons als teuerstes Kunstwerk der Welt. 2013 wurde der „Ballon Dog (Orange)“ für 58,4 Millionen US-Dollar im Auktionshaus Christie’s versteigert. Der US- Künstler wurde damit zum teuersten lebenden Künstler der Welt und löste einige Debatten aus. Jetzt 5 Jahre später wurde der Pop-Art-Künstler entthront. Der Titel gehört nun dem britischen Künstler David Hockney.

Zwei Männer am Pool

Auf dem neuen teuersten Gemälde der Welt sind zwei Männer an einem Pool zu sehen. Einer ist vollständig bekleidet und betrachtet einen im Becken tauchenden Mann. Das Bild stammt aus dem Jahr 1972 und entstand in der Trennungsphase von Hockney von seinem Partner und ebenfalls Künstler Peter Schlesinger, dieser ist im Bild der Schwimmer.

Das Gemälde des britischen Künstlers wurde in New York für 90,3 Millionen Dollar versteigert.

Schätzpreis deutlich übertroffen

Damit wurde der Schätzpreis von Christie’s deutlich übertroffen. Das Kunstwerk wurde von dem Auktionshaus auf 80 Millionen Dollar taxiert. Bisher gehörte es dem britischen Millionär Joe Lewis, er ist Besitzer des Londoner Fussballvereins Tottenham Hotspur, seine Kunstsammlung umfasst Werke von Picasso,Freud,Klimt und Degas. Lewis verzichtete auf einen festgesetzen Garantiepreis und setzte alles auf eine Karte, rein theoretisch hätte das Kunstwerk somit für einen Dollar unter den Hammer kommen können. Am Ende begann die Auktion bei 18 Millionen Euro mindestens sieben Bieter beteiligten sich an der Versteigerung. Über den neuen Besitzer ist nichts bekannt.

Mehr über den Künstler erfährt man auf seiner Website: http://www.davidhockney.co/

Titelbild: Christies´s

Literatur von,mit und über David Hockney findet man auch bei Amazon.