Mit der Niederrheintour 2026 realisiert Thomas Baumgärtel eines der größten dezentralen Kunstprojekte Deutschlands. Unter dem Motto „Freiheit für die Kunst“ wird der gesamte Niederrhein zur Ausstellungslandschaft.

Das Konzept ist einzigartig: 40 Werkgruppen an 40 konkreten Stationen in Museen, Kirchen, Off-Spaces und kulturellen Einrichtungen der Region.

Die Idee hinter der Niederrheintour 2026

Statt einer zentralen Ausstellung entsteht ein regionales Netzwerk aus Kunstorten. Jede Station zeigt eine eigenständige Perspektive auf das Werk von Thomas Baumgärtel – von institutionellen Präsentationen bis hin zu experimentellen Off-Spaces.

Der Niederrhein wird dabei selbst zum Ausstellungsraum.

Thomas Baumgärtel und die Niederrheintour 2026

Die 40 Stationen der Niederrheintour 2026

Bedburg-Hau

1. Museum Schloss Moyland – international bedeutendes Zentrum für Joseph Beuys und zeitgenössische Kunst

Brüggen

2. Burg Brüggen – historischer Ausstellungsort mit kulturellem Programm im Denkmalensemble

Emmerich

3. PAN Kunstforum Niederrhein – etablierter Ort für Gegenwartskunst im nördlichen Niederrhein

Geldern

4. KUHnstTurm Niederrhein e.V. – markanter Kunstort mit Fokus auf regionale und experimentelle Positionen

Goch

5. Museum Goch – renommiertes Haus für zeitgenössische Kunst am unteren Niederrhein

Grevenbroich

6. Museum der Niederrheinischen Seele – Villa Erckens
7. Versandhalle – Kombination aus klassischer Museumskultur und offener Ausstellungsarchitektur

Kalkar

8. Städtisches Museum
9. Studio 20.21
10. Historisches Rathaus – historischer Stadtraum trifft auf zeitgenössische Kunst

Kamp-Lintfort

11. Schirrhof
12. Schürmann 8Meter20
13. Kunsthaus Bassier – starke Bündelung unabhängiger Kunst- und Kulturinitiativen

Kevelaer

14. Niederrheinisches Museum Kevelaer e.V. – traditionsreicher Kulturort in der Wallfahrtsstadt

Kleve

15. Museum Kurhaus Kleve – international ausgerichtetes Ausstellungshaus im historischen Kurpark
16. Koekkoek-Haus – ehemaliges Wohnhaus des Malers Barend Cornelis Koekkoek
17. Museum Forum Arenacum – archäologisch und kulturell geprägter Ausstellungsort

Kranenburg

18. Museum Katharinenhof
19. Haus van der Grinten – privates Kunst- und Sammlungszentrum mit Fokus auf Gegenwartskunst

Krefeld

20. Heidefeld & Partner
21. Kunst und Krefeld e.V. – aktive lokale Kunstszene zwischen Galerie und Vereinsstruktur

Moers

22. Die Röhre KG – urbaner Off-Space mit experimentellem Charakter

Moers-Meerbeck

23. Kirche St. Barbara – sakraler Raum als Ort für zeitgenössische Kunst

Mönchengladbach

24. Christian Löhrl – privater bzw. unabhängiger Kunststandort

Mönchengladbach-Reydt

25. Christian Köhler – weiterer individueller Ausstellungsort innerhalb der Stadtstruktur

Nettetal

26. Alte Fabrik – Industriearchitektur als Raum für Kultur und Ausstellung

Neuss

27. Kunstinitiative Wurzeln und Flügel e.V. – engagierter Kunstverein mit regionaler Vernetzung

Rheinberg

28. Altes Rathaus
29. Kulturinitiative Schwarzer Adler e.V.
30. Fischer’s Fotogalerie
31. Bananenturm Orsoy – vielfältige Mischung aus historischer Architektur und unabhängigen Kunstinitiativen

Viersen

32. Narrenmühle Dülken
33. Blaubeermuffinbaum – experimentelle und ungewöhnliche Ausstellungsorte im urbanen Raum

Weeze

34. Schloss Wissen – historisches Wasserschloss mit kultureller Nutzung

Wesel

35. LVR-Niederrheinmuseum
36. Städtisches Museum – zentrale museale Standorte der Stadt Wesel

Wetten

37. Haus Te Gesselen – regionaler Kulturort mit historischem Charakter

Xanten

38. SiegfriedMuseum
39. Stiftsmuseum
40. KulturKirche Mörmter – Verbindung von Geschichte, Mythos und sakralem Raum

Fazit: 40 Stationen, ein offenes Gesamtkunstwerk

Die Niederrheintour 2026 verwandelt den gesamten Niederrhein in ein weit verzweigtes Ausstellungsnetzwerk. Statt eines zentralen Ortes entsteht ein lebendiges System aus 40 Stationen, das Kunst, Architektur und Region miteinander verbindet.

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Als 2019 eine mit Klebeband an die Wand fixierte Banane auf der Art Basel Miami Beach auftauchte, war schnell klar: Das ist kein gewöhnliches Kunstwerk. Maurizio Cattelan hatte mit *Comedian* nicht nur eine Frucht ins Zentrum der Aufmerksamkeit gestellt, sondern ein globales Medienereignis ausgelöst. Auktionen, Memes, Empörung und Belustigung folgten in schneller Abfolge – und machten die Banane zu einem der bekanntesten Kunstsymbole der letzten Jahre.

Seit diesem Höhepunkt wirkt es allerdings vergleichsweise ruhig um den italienischen Konzeptkünstler. Doch diese Ruhe ist trügerisch. 2026 rückt Cattelan wieder ins institutionelle Zentrum der Kunstwelt: Mit einer großen Einzelausstellung in der Neue Nationalgalerie Berlin erhält er erstmals eine umfassende museale Präsentation in Deutschland.

 Ein Künstler, der nie klassisch „produziert“ hat

Maurizio Cattelan gehört seit den 1990er-Jahren zu den ungewöhnlichsten Figuren der zeitgenössischen Kunst. Seine Arbeiten sind selten im klassischen Sinne „schön“ oder „dauerhaft“ gedacht. Stattdessen setzt er auf Irritation, Humor und gezielte Überzeichnung.

Bekannt wurde er durch provokative Skulpturen und Installationen, die religiöse, politische oder gesellschaftliche Systeme unterlaufen – etwa durch eine kniende Hitler-Figur (*Him*) oder durch überzeichnete Szenen aus dem Vatikan-Kontext. Dabei war Cattelan nie nur Künstler im traditionellen Sinn, sondern immer auch Regisseur seiner eigenen Öffentlichkeit.

Seine Werke funktionieren oft weniger als Objekte, sondern als Auslöser von Diskussionen. Genau darin liegt ein zentraler Teil seiner Praxis: Kunst als Ereignis.

Nach dem Hype: bewusste Verknappung statt Rückzug

Nach der weltweiten Aufmerksamkeit rund um *Comedian* hätte man erwarten können, dass Cattelan diesen Moment weiter ausbaut. Klassische Werkproduktion, größere Serien, permanente Sichtbarkeit.

Stattdessen wurde es ruhiger.

Doch diese Ruhe bedeutet nicht Untätigkeit. Vielmehr hat sich sein Arbeiten weiter in Richtung Konzept, Format und Inszenierung verschoben. Statt klassischer Ausstellungen oder klar umrissener Werkzyklen setzt er zunehmend auf:

limitierte Editionen
medienbasierte Projekte
konzeptuelle Interventionen
partizipative Formate

Cattelan arbeitet damit weniger im Rhythmus der Produktion als im Rhythmus der Aufmerksamkeit. Seine Projekte entstehen punktuell – und oft so, dass sie sich schnell wieder in Diskurse und Bilder auflösen.

Kunst als Systemkritik – und Teil des Systems

Ein zentrales Paradox in Cattelans Werk bleibt bestehen: Er kritisiert Systeme, die er gleichzeitig perfekt beherrscht.

Der Kunstmarkt, die Mechanismen der Aufmerksamkeit, die Logik sozialer Medien – all das ist nicht nur Thema seiner Arbeiten, sondern auch deren Verstärker. *Comedian* ist dafür das beste Beispiel: Ein minimalistisches Objekt wurde durch mediale Dynamik zu einem globalen Symbol.

Damit stellt sich immer wieder die Frage: Ist Cattelan ein Kritiker des Systems – oder längst einer seiner cleversten Akteure?

Die Antwort bleibt bewusst offen. Und genau das ist Teil seiner Strategie.

Berlin 2026: Institution trifft auf Ironie

Die kommende Ausstellung in der Neue Nationalgalerie Berlin markiert einen wichtigen Moment in seiner Karriere. Es ist nicht nur eine weitere Präsentation seiner Arbeiten, sondern seine erste große institutionelle Einzelausstellung in Deutschland.

Für ein Haus, das selbst stark mit der Geschichte moderner und zeitgenössischer Kunst verbunden ist, bedeutet diese Ausstellung auch eine Konfrontation mit einer künstlerischen Position, die sich nie eindeutig einordnen lässt.

Zu erwarten ist kein klassischer Rückblick im musealen Sinne, sondern eher eine Verdichtung zentraler Motive seines Werks:

Religion und Macht
Tod und Humor
Institution und Provokation
Öffentlichkeit und Inszenierung

Ob neue Arbeiten gezeigt werden oder bestehende Werke neu kontextualisiert werden, bleibt Teil der Spannung.

Fakten zur Ausstellung: Daten, Ort und Rahmen

Die Ausstellung von Maurizio Cattelan findet im Kontext des Preis der Nationalgalerie 2026 statt und ist klar im Ausstellungskalender der Stadt verankert. Sie läuft **vom 10. September 2026 bis zum 21. Februar 2027 und ist damit über rund fünf Monate in Berlin zu sehen. 

Ausstellungsort ist die Neue Nationalgalerie am Kulturforum (Potsdamer Straße 50), eines der zentralen Häuser für moderne und zeitgenössische Kunst in Deutschland. 

Die Eröffnung fällt bewusst in die Berlin Art Week im September 2026 – ein Zeitraum, in dem die internationale Kunstszene besonders stark auf die Stadt blickt.

Inhaltlich ist die Schau eng an die Preisverleihung gekoppelt: Mit dem Preis wird Cattelan nicht nur ausgezeichnet, sondern zugleich mit einer umfassenden Einzelausstellung geehrt – seiner ersten institutionellen Präsentation dieser Größenordnung in Deutschland

Kuratiert wird das Projekt von Lisa Botti (Neue Nationalgalerie) gemeinsam mit Museumsdirektor Klaus Biesenbach. Die Ausstellung entsteht mit Unterstützung der Freunde der Nationalgalerie und ist Teil eines neu ausgerichteten Preisformats, das gezielt international etablierte Künstler*innen in den institutionellen Kontext Berlins holt. 

Eckdaten zusammengefasst

Zeitraum: 10.09.2026 – 21.02.2027
Ort: Neue Nationalgalerie, Berlin
Anlass: Preis der Nationalgalerie 2026
Eröffnung: im Rahmen der Berlin Art Week

Die Ausstellung positioniert sich damit nicht nur als Einzelereignis, sondern als bewusst gesetzter Fixpunkt im internationalen Kunstkalender.

Warum Cattelan weiterhin relevant ist

Auch Jahre nach seinen größten Skandalen oder Erfolgen bleibt Cattelan interessant, weil er weniger auf Dauerpräsenz als auf Wirkung in Momenten setzt. Seine Karriere folgt keinem linearen Aufbau, sondern einer Logik von Setzungen und Pausen.

In einer Kunstwelt, die zunehmend von permanenter Sichtbarkeit geprägt ist, wirkt diese Strategie fast gegenläufig. Gerade deshalb funktioniert sie weiterhin.

Cattelan ist kein Künstler, der kontinuierlich „liefert“. Er ist ein Künstler, der Situationen erzeugt – und sie dann dem öffentlichen Diskurs überlässt.

Fazit: Die Rückkehr eines kontrollierten Störfaktors

Die Ausstellung in Berlin könnte daher weniger ein klassischer Karrierehöhepunkt sein als eine erneute Verschiebung seiner eigenen Rolle im Kunstsystem.

Maurizio Cattelan bleibt ein Künstler, der sich nicht festlegen lässt – weder stilistisch noch institutionell. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Humor und Ernst, Kritik und Komplizenschaft, Objekt und Ereignis.

Und genau deshalb ist seine Rückkehr in die großen Ausstellungshäuser nicht einfach nur eine Retrospektive. Sie ist ein erneutes Testfeld für die Frage, wie viel Provokation die Institution Kunst heute noch aushält – und wie viel sie längst selbst absorbiert hat

Biografischer Hintergrund: Zwischen Selbstinszenierung und Systemverweigerung

Maurizio Cattelan wurde 1960 in Padua geboren und zählt zu den eigenwilligsten Künstlerbiografien der Gegenwart. Anders als viele seiner Generation hat er keine klassische akademische Kunstausbildung durchlaufen. Stattdessen arbeitete er zunächst in Gelegenheitsjobs – unter anderem in der Möbelproduktion – und näherte sich der Kunst autodidaktisch.

Diese Herkunft prägt sein Werk bis heute: weniger kunsttheoretisch fundiert als vielmehr intuitiv, subversiv und bewusst gegen institutionelle Erwartungen gerichtet. Seine ersten Arbeiten in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren waren geprägt von ironischer Selbstverweigerung.

Bereits früh verweigerte er sich klassischen Produktionslogiken, etwa indem er Ausstellungsräume leer ließ oder sich selbst aus Projekten „zurückzog“. Diese Strategie wurde zu einem Markenzeichen: Cattelan inszeniert nicht nur Objekte, sondern auch Abwesenheit, Verzögerung und Entzug.

International bekannt wurde er in den 1990er-Jahren durch Ausstellungen auf Biennalen und in großen Institutionen, darunter mehrfach die Venice Biennale. Spätestens zu diesem Zeitpunkt etablierte er sich als Künstler, der Skulptur, Installation und Performance nicht trennt, sondern als Teil eines größeren narrativen und medialen Systems versteht.

Ein wiederkehrendes Element seiner Karriere ist die bewusste Inszenierung von Brüchen. 2011 erklärte Cattelan nach seiner großen Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum überraschend seinen Rückzug aus der Kunstwelt – nur um einige Jahre später wieder mit neuen Arbeiten aufzutauchen. Auch diese Geste war weniger ein tatsächlicher Abschied als vielmehr eine performative Erweiterung seiner Praxis.

Neben seiner künstlerischen Arbeit war Cattelan immer auch als Herausgeber und Initiator tätig. Gemeinsam mit Massimiliano Gioni gründete er das Magazin *Toiletpaper*, das seine visuelle Sprache in den Bereich von Fotografie, Design und Popkultur erweitert.

Die Grenzen zwischen Kunstwerk, Bildproduktion und Medienstrategie werden hier bewusst verwischt. Diese Mischung aus Selbstinszenierung, institutioneller Nähe und gleichzeitiger Distanz macht Cattelans Biografie so ungewöhnlich. Sie folgt keiner klassischen Erfolgserzählung, sondern ist geprägt von Unterbrechungen, Strategiewechseln und kalkulierter Unberechenbarkeit – ein Ansatz, der sich konsequent in seinem Werk widerspiegelt.

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Titelbild: Maurizio Cattelan, Neue Nationalgalerie, Berlin, © Peter Rigaud, 2025

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Die Galerie Geißler Bentler aus Bonn präsentiert auf der art KARLSRUHE 2025, vom 20. bis 23. Februar 2025 in Halle 2 /H2/ G14 Werke von Thomas Baumgärtel, Deutschlands bekanntesten Sprayer und Streetart-Künstler, der unter dem Pseudonym Bananensprayer weit über Deutschlands Grenzen hinaus populär ist. Seine Banane ziert Museen und Galerien – weltweit.

Diese Banane benutzt der Künstler in den unterschiedlichsten Bedeutungen. Als Exzellenz-Banane, mit der er Orte oder Menschen auszeichnet. Aber auch als Aufforderung zur Diskussion, indem er sagt: „Nichts ist eindeutig, logisch, gerade – alles ist Banane!“

Arbeiten auf Verpackungskartons

Auf der art KARLSRUHE zeigt die Galerie Geißler Bentler aus Bonn ein ganz neues Gesicht des Künstlers: Arbeiten auf Verpackungskartons.

„Symbolisch stehen die Kartons für Schutz oder Verbergen. Psychologisch betrachtet repräsentieren sie oft, wie wir unsere Gefühle oder Gedanken verpacken und präsentieren. Es geht um die äußere Hülle, die wir anderen zeigen. Sie beeinflussen, wie wir Produkte wahrnehmen, und sind oft ein Ausdruck von Markenidentität. Psychologisch können sie unsere Kaufentscheidungen beeinflussen, indem sie Emotionen wecken. In unserer Gesellschaft spiegeln sie die Wegwerfgesellschaft wider, aber auch den Wunsch nach Bequemlichkeit und Effizienz. Gleichzeitig weisen sie auf die Notwendigkeit von Nachhaltigkeit hin. Sie sind ein Spiegel unserer Zeit und unserer Gewohnheiten. Sie zeigen, wie wir konsumieren und wie wir mit Ressourcen umgehen.

SSymbole unseres Konsums, unseres globalen Welthandels und unserer kapitalistischen Überflussgesellschaft in einer Zeit, in der Millionen Menschen hungern, auf der Straße leben, frieren, auf Kartons schlafen, auf der Flucht oder in Kriege verwickelt sind – in Gaza, in der Ukraine, in Äthiopien, im Jemen, Kenia und vielen anderen Ländern“, so Baumgärtel.

Zudem zeigt die Bonner Galerie eine weitere neue Serie des Kölner Künstlers: Die „Künstlerbananen“, wie die Beuys-Banane als Banane mit dem typischen Hut aus dem original Beuys-Filz, die Mondrian-Banane in der geometrischen Aufteilung a la Piet Mondrian, die verpackte Christo-Banane oder die benagelte Uecker-Banane und viele andere.

Etliche dieser Arbeiten sind auf Baumgärtels Lieblingsuntergrund gesprayt, auf Plakatwand. Alte, dick übereinander geklebte Plakate der Werbeindustrie, die wegen ihrer Dicke entfernt werden mussten, werden vom Künstler gesammelt und von der Rückseite her, die ja direkt einmal auf die Mauer geklebt war, besprüht. „Wenn schon keine wirkliche Mauer, dann wenigstens das, was einmal direkt auf sie plakatiert war, am liebsten samt Abdruck des Mauerwerkes,“ sagt der Künstler.

Thomas Baumgärtel

Thomas Baumgärtel, bekannt als der »Bananensprayer«, wurde 1960 in Rheinberg geboren. Nach seinem Studium der Freien Kunst an der Fachhochschule Köln und der Diplom-Psychologie an der Universität zu Köln etablierte er sich als Künstler in Köln, wo er bis heute lebt und arbeitet.

Sein Markenzeichen, die Banane, verwendet er in den unterschiedlichsten Bedeutungen: Als Excellence-Banane, mit der er bedeutungsvolle Orte der Kunst, zum Beispiel Museen und Galerien, weit über Deutschland hinaus adelt. aber auch als Symbol der Freiheit. Mit diesem Symbol kämpft Thomas Baumgärtel, einer der deutschen Pioniere der Street-Art aber auch – und zwar seit über 30 Jahren – für die Freiheit der Kunst.

Seine Arbeiten befinden sich heute im Besitz öffentlicher und privater Sammlungen. Zum Beispiel der Kunstsammlung NRW und des Leopold-Hoesch Museums in Düren.

Galerie Geißler Bentler

Kontinuität und Veränderung, scheinbare Gegensätze, vereinen sich im Programm der Galerie Geißler Bentler aus Bonn, die sich seit 1981 kontinuierlich mit ZERO-Kunst , vornehmlich dort mit Günther Uecker, Heinz Mack und Otto Piene, beschäftigt. Einer der Höhepunkt der Bonner Galerie war die fulminante ZERO Ausstellung im Jahre 2014 zeitgleich mit der Ausstellung „Countdown To Tomorrow“ im Guggenheim-Museum, New York.

Weitere Informationen

Mehr über die art Karlsruhe: www.art-karlsruhe.de

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