Die NordArt in Büdelsdorf zählt zu den größten jährlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in Europa. Jedes Jahr verwandelt sich das Gelände der ehemaligen Eisengießerei Carlshütte in Schleswig-Holstein in einen dichten, räumlich überwältigenden Kunstraum, in dem über 200 internationale Künstler:innen auf rund 22.000 Quadratmetern Innenfläche und einem 80.000 Quadratmeter großen Skulpturenpark vertreten sind.

Doch wer die NordArt mit einer klassischen Kunstmesse verwechselt, verkennt ihre Struktur grundlegend.

Kuratiert statt gemietet: Wie die NordArt funktioniert

Im Gegensatz zu Messen wie Art Basel oder Frieze gibt es auf der NordArt keine Galerien, die Standflächen buchen und Programme verkaufen. Stattdessen werden die gezeigten Arbeiten jährlich aus mehreren tausend internationalen Bewerbungen sowie kuratorischen Einladungen ausgewählt.

Die Ausstellung folgt damit keiner Marktlogik, sondern einer kuratorischen Auswahlstruktur. Entscheidend ist nicht die Repräsentation durch eine Galerie, sondern die Entscheidung eines kuratorischen Teams, das die Gesamtkomposition der Ausstellung entwickelt.

Kuratiert wird die NordArt von Wolfgang Gramm, Inga Aru und Taso Gramm.

Die Ausstellung versteht sich selbst als ein zusammenhängendes Kunstwerk, in dem die einzelnen Positionen in Beziehung zum Raum und zueinander gesetzt werden.

Kein Messesystem, sondern ein Ausstellungsraum

Während klassische Kunstmessen stark über den Kunstmarkt organisiert sind – mit Galerien als zentrale Vermittlungsinstanz zwischen Künstler:innen und Käufer:innen – ist die Struktur der NordArt deutlich anders gelagert.

Die Ausstellung ist eine Non-Profit-Initiative und verfolgt kein Stand- oder Booth-System. Verkäufe sind möglich, jedoch ohne klassische Messearchitektur oder Provisionssysteme für Galerien.

Das verändert die Wahrnehmung der Werke fundamental: Kunst erscheint hier nicht als Produkt in einem Verkaufsraum, sondern als Teil eines räumlich inszenierten Gesamtgefüges.

Die Rolle der Galerien: präsent, aber nicht strukturgebend

Galerien können auf der NordArt präsent sein, sie sind jedoch nicht die organisatorische Grundlage der Ausstellung. Viele Künstler:innen werden direkt eingeladen oder über internationale Ausschreibungen ausgewählt.

Das bedeutet: Eine Galerie wie die BBA Gallery kann zwar Künstler:innen im eigenen Programm haben, die auf der NordArt vertreten sind – sie bestimmt jedoch nicht die Präsentationsstruktur der Ausstellung selbst.

Die NordArt funktioniert damit nicht als Galerie-Messe-System, sondern als kuratierte Großausstellung mit offenen Einreichungs- und Auswahlprozessen.

Ein hybrides Ausstellungssystem zwischen Museum und Biennale

Die NordArt bewegt sich zwischen mehreren Ausstellungsformen:

Sie hat die Größe und Dichte einer Biennale
die Dauer und räumliche Kontinuität eines Museumsprojekts
und die internationale Offenheit eines offenen Call-Systems

Gleichzeitig bleibt sie stark ortsgebunden: Die industrielle Architektur der Carlshütte prägt die Wahrnehmung der Werke ebenso stark wie die kuratorische Auswahl selbst.

Der Ort wird damit nicht zur neutralen Hülle, sondern zu einem aktiven Bestandteil der Ausstellungserfahrung.

Warum die NordArt keine klassische Kunstmesse ist

Der entscheidende Unterschied liegt in der Struktur:

Keine mietbaren Messestände
Keine primäre Verkaufslogik
Keine galeriezentrierte Präsentationsarchitektur
Keine Messeform mit klarer Marktsegmentierung

Stattdessen entsteht ein kuratierter Raum, in dem Werke unabhängig von ihrer Marktposition nebeneinander existieren.

Diese Offenheit verändert auch die Hierarchie der Wahrnehmung: Nicht die Galerie bestimmt den Kontext, sondern die kuratorische Gesamtkomposition.

NordArt im Vergleich zu anderen großen Kunstmessen

Ein sinnvoller Vergleich zur Einordnung der NordArt ergibt sich im Verhältnis zu internationalen Kunstmessen und Großausstellungen wie der Art Basel, der Biennale Venedig oder der TEFAF.

Während diese Formate stark unterschiedlich organisiert sind, stehen sie exemplarisch für drei verschiedene Systeme der zeitgenössischen Kunst:

Art Basel (Messe-System)

Die Art Basel folgt einer klaren Marktlogik. Galerien mieten Standflächen, präsentieren Künstler:innen und agieren als direkte Vermittler zwischen Kunst und Sammlermarkt. Sichtbarkeit und Verkauf sind hier eng miteinander verknüpft.

Biennale Venedig (Nationalpavillon-System)

Die Biennale Venedig ist kuratorisch organisiert und stark durch Länder- und Institutionenpavillons geprägt. Hier steht nicht der Markt im Vordergrund, sondern nationale oder thematische Präsentationen innerhalb eines internationalen Großformats.

TEFAF (High-End-Markt / Museumshandel)

Die TEFAF verbindet Messe- und Museumslogik. Galerien präsentieren Werke auf höchstem Qualitätsniveau, oft mit Fokus auf Sammler, Institutionen und museale Ankäufe.

NordArt (kuratierte Industrieausstellung)

Die NordArt unterscheidet sich von allen drei Modellen. Sie ist weder klassische Messe noch nationales Biennale-System, sondern eine großformatige, kuratierte Ausstellung in einem festen industriellen Raum. Künstler:innen werden ausgewählt und in ein räumliches Gesamtkonzept eingebunden – unabhängig von Standlogik oder Galeriepräsenz.

Fazit: Ausstellung als System, nicht als Markt

Die NordArt 2026 ist keine Kunstmesse im klassischen Sinn, sondern ein kuratiertes Ausstellungsgefüge mit offenen Auswahlstrukturen und internationaler Beteiligung.

Zwischen Einreichung, Einladung und kuratorischer Setzung entsteht ein hybrides System, das sich bewusst von der Logik des Kunstmarktes distanziert – ohne ihn vollständig auszuschließen.

Gerade in dieser Zwischenposition liegt ihre Besonderheit: Die NordArt ist weder Museum noch Messe, sondern ein temporärer Raum, in dem Kunst nicht verkauft oder gesammelt, sondern zunächst einmal gezeigt und verhandelt wird.

 INFOBOX: NordArt 2026

📍 Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf (Deutschland)
📅 6. Juni – 4. Oktober 2026
🌐 https://www.nordart.de/

Kuratorisches Team: Wolfgang Gramm (Chefkurator), Inga Aru (Seniorkuratorin), Taso Gramm (Kurator).

Teilnehmende Künstler:innen:

Die NordArt 2026 zeigt rund 200 ausgewählte Künstler:innen aus ca. 50 Ländern.
Die vollständige Liste umfasst internationale Positionen aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Fotografie, Installation und Medienkunst.

Ausgewählte Teilnehmer (Beispiele aus der offiziellen Liste):

AES+F (Russland / international)
David Černý (Tschechien)
Jan Koblasa (Tschechien / Deutschland)
Vincent van Gaalen (Niederlande)
Bernd Reiter (Deutschland)

zahlreiche weitere internationale und nationale Positionen.

Hinweis: Die NordArt veröffentlicht die Künstlerliste als umfangreiche Gesamtliste ohne klassische Galeriezusammenführung. Eine vollständige Zuordnung nach Galerien wird nicht zentral geführt.

Alle teilnehmenden Künstler finden Sie hier: https://www.nordart.de/kuenstlerinnen

Art Basel 2026: Die wichtigsten Trends im globalen Kunstmarkt

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Titelbild:  ©Jörg Wohlfromm, NordArt 2026, OH Soonmi (KR)

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Mit der TEFAF New York 2026 richtet sich im Mai erneut der Blick auf eine Messe, die seit Jahren für Qualität, Präzision und internationale Relevanz steht. Im historischen Park Avenue Armory versammeln sich rund 88 ausgewählte Galerien – ein bewusst verdichtetes Format, das weniger auf Breite als auf Verlässlichkeit setzt.

Doch die Frage, ob die TEFAF tatsächlich die wichtigste Kunstmesse ist, lässt sich nur im größeren Kontext beantworten. Denn der internationale Messekalender ist vielfältiger denn je – und unterschiedliche Formate erfüllen sehr unterschiedliche Funktionen.

Ein Blick auf die globale Messelandschaft

Wer über Bedeutung spricht, kommt an einigen Namen nicht vorbei:

Die Art Basel gilt für viele als zentraler Fixpunkt des globalen Kunstmarkts – mit Ablegern in Miami Beach, Hongkong und Paris. Hier trifft institutionelle Relevanz auf Marktdynamik.

Die Frieze London und die Frieze New York stehen für eine starke Verbindung von Gegenwartskunst, kuratorischem Anspruch und internationalem Netzwerk.

Die Armory Show wiederum ist fest in New York verankert und bietet eine breitere Plattform für moderne und zeitgenössische Positionen.

In Deutschland setzt die Art Cologne weiterhin wichtige Impulse, insbesondere im europäischen Kontext.

Jede dieser Messen hat ihre eigene Rolle – keine ersetzt die andere.

Wo positioniert sich die TEFAF?

Die Stärke der TEFAF liegt weniger in Größe oder medialer Aufmerksamkeit, sondern in ihrer Spezialisierung.

Sie steht für:

strenge Auswahlverfahren
geprüfte Werke (Vetting)
eine Verbindung von moderner, zeitgenössischer und historischer Kunst
ein hohes Maß an Vertrauen im Markt

Galerien wie Gagosian, Hauser & Wirth oder David Zwirner prägen diese Ausrichtung ebenso wie spezialisierte Häuser im Bereich Design, etwa Friedman Benda.

Über diese Galerien werden Künstler:innen wie Gerhard Richter, Yayoi Kusama oder Louise Bourgeois präsentiert – Positionen, die den Markt nicht mehr suchen, sondern längst definieren.

Bedeutung ist nicht gleich Bedeutung

Die Frage: Was ist die wichtigste Kunstmesse? –  hängt stark davon ab, aus welcher Perspektive man schaut:

Markt & Sichtbarkeit: → Art Basel
kuratorische Gegenwartskunst: → Frieze
Breite & Zugänglichkeit: → Armory Show oder regionale Formate
Qualität & Vertrauen: → TEFAF

Die TEFAF ist damit weniger die größte oder lauteste Messe – aber eine der präzisesten.

Und wo steht die Discovery Art Fair?

Im Vergleich dazu bewegt sich die Discovery Art Fair Cologne 2026 bewusst in einem anderen Bereich.

Sie steht für:

Offenheit und Zugänglichkeit
direkte Begegnungen mit Künstler:innen
neue, noch nicht etablierte Positionen

Während TEFAF Verdichtung bietet, ermöglicht die Discovery Art Fair einen ersten Zugang. Beide Formate greifen ineinander – sie bilden unterschiedliche Stationen innerhalb desselben Systems.

Konkrete Werke auf der TEFAF New York 2026

Ein genauer Blick auf die TEFAF New York 2026 zeigt, dass sich die Messe nicht nur über Galerien definiert, sondern über konkret kuratierte Einzelwerke, die bereits im Vorfeld benannt werden.

Ein zentrales Beispiel ist Shahzia Sikander mit der Arbeit The Hour Glass (2025), präsentiert von Sean Kelly Gallery (Stand 330). Die großformatige Glasmosaikarbeit verbindet südasiatische Bildtraditionen mit zeitgenössischer Formensprache. Sikander greift dabei Figuren auf, die sie bereits in den 1990er-Jahren entwickelte und die sie selbst als Ausdruck von „migrant love“ beschreibt – eine visuelle Sprache zwischen Verwurzelung, Transformation und kultureller Bewegung.

Ein weiterer zentraler historischer Bezugspunkt ist Andy Warhol mit Mao (1973), präsentiert von ML Fine Art (Stand 201). Die Arbeit gehört zu Warhols ikonischen politischen Siebdrucken und übersetzt das Bild Mao Zedongs in die Ästhetik der Pop Art. Entstanden nach der politischen Öffnung zwischen China und den USA, reflektiert das Werk die Verschmelzung von Propaganda, Massenmedien und Konsumkultur – ein klassisches Beispiel für Warhols kritischen Blick auf Macht und Bildproduktion.

Auch die klassische Moderne ist stark vertreten:

Die Galerie Jacques Lacoste (Stand 301) zeigt ein seltenes Werkpaar von Alberto Giacometti, entstanden 1944 in Genf. Die beiden Skulpturen aus Gips wurden direkt vom Künstler modelliert und gehören zu den wenigen großformatigen Arbeiten seiner Genfer Phase. Sie sind sowohl kunsthistorisch dokumentiert als auch in der Giacometti-Stiftung registriert – ein Beispiel für die enge Verbindung von Provenienz, Werkgeschichte und institutioneller Absicherung auf der TEFAF.

Einen deutlichen Kontrast dazu setzt Cecily Brown mit Functor Hideaway (2008), präsentiert von Berggruen Gallery (Stand 316). Die Arbeit bewegt sich zwischen gestischer Abstraktion und figurativen Andeutungen. Brown entwickelt darin eine dichte, fast körperliche Bildstruktur, in der sich Malerei als Bewegung und Auflösung zugleich zeigt – ein Ansatz, der ihre Position innerhalb der zeitgenössischen Malerei seit Jahren prägt.

Auch die surrealistische Moderne ist vertreten:

Mit Sunset Birth (c. 1942) zeigt Ithell Colquhoun, präsentiert von Richard Saltoun Gallery (Stand 374), eine Arbeit, die stark von der Landschaft Cornwalls und deren mythischen Steinkulten beeinflusst ist. Das Werk verbindet spirituelle Symbolik, Naturbeobachtung und surrealistische Bildsprache zu einer fast transzendenten Komposition.

Fazit: Eine Frage der Perspektive

Ist die TEFAF New York die wichtigste Kunstmesse?

Vielleicht nicht im Sinne von Größe oder globaler Reichweite. Aber ganz sicher im Hinblick auf Qualität, Vertrauen und Präzision. Im Zusammenspiel mit Messen wie Art Basel oder Frieze zeigt sich:

Es gibt nicht die eine wichtigste Messe – sondern ein Netzwerk von Formaten, die gemeinsam den Kunstmarkt strukturieren.

Und genau darin liegt ihre eigentliche Bedeutung.

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Der globale Kunstmarkt war schon immer eng mit wirtschaftlicher und politischer Stabilität verknüpft. Historisch entstanden wichtige Kunstzentren meist dort, wo Kapital, Infrastruktur und internationale Mobilität zusammenkamen – etwa in Paris im frühen 20. Jahrhundert, später in New York oder London. Die Golfregion versucht seit etwa zwei Jahrzehnten, diese Dynamik strategisch zu nutzen. Mit kulturellen Großprojekten wie dem Louvre Abu Dhabi, geplanten Museumskomplexen wie dem Guggenheim Abu Dhabi und internationalen Kunstmessen wie Art Dubai positionieren sich die Emirate als kulturelle Schnittstelle zwischen Europa, Asien und Afrika.

Aus Sicht des Kunstmarkts ist diese Strategie nachvollziehbar: Während etablierte Zentren wie London oder New York unter steigenden Kosten, strengeren Regulierungen und geopolitischen Spannungen leiden, versuchen neue Regionen, Sammler, Galerien und Institutionen anzuziehen. Der Golf profitiert dabei von steuerlichen Vorteilen, massiven staatlichen Investitionen und einer wachsenden lokalen Sammlerszene.

Doch die aktuelle geopolitische Lage zeigt auch die strukturelle Verwundbarkeit dieses Modells. Der internationale Kunsthandel basiert stark auf physischer Mobilität: Sammler reisen zu Messen, Werke werden über internationale Logistiknetzwerke transportiert, und große Verkäufe entstehen oft im direkten persönlichen Austausch. Sobald Flugverkehr, Versicherungen oder Transportwege unsicher werden, reagiert der Markt empfindlich.

Fragmentierung des globalen Kunstmarkts

Analysten beobachten deshalb zunehmend eine Fragmentierung des globalen Kunstmarkts. Anstatt eines klaren Zentrums entstehen mehrere regionale Knotenpunkte – etwa Hongkong für Asien, New York für Nordamerika und Dubai oder Abu Dhabi für den Nahen Osten. Diese Entwicklung könnte den Markt langfristig resilienter machen, führt aber kurzfristig zu stärkerer Volatilität.

Für Galerien, Künstler und Sammler bedeutet das eine strategische Neuorientierung. Diversifikation von Märkten, hybride Messeformate und digitale Vertriebsplattformen werden zunehmend zu festen Bestandteilen des Kunsthandels. Gleichzeitig bleibt das Vertrauen in politische Stabilität ein entscheidender Faktor: Kunstmärkte wachsen meist dort am stärksten, wo Investoren langfristige Sicherheit erwarten.

Die glitzernden Pavillons von Art Dubai und der geplanten Frieze Abu Dhabi-Messe markieren seit Jahren einen strategischen Machtwechsel im globalen Kunstmarkt: Die Perspektiven rücken vom traditionellen Nord- und West Zentrum hin zu neuen Wachstumsregionen wie dem Nahen Osten. Doch aktuell prallt auf dieses Wachstum ein harter geopolitischer Schlag: Der Krieg im Nahen Osten, inklusive der iranischen Angriffe auf die Vereinigten Arabischen Emirate, hat nicht nur politische, sondern auch kulturelle Konsequenzen. Flughäfen schließen zeitweise, der Tourismus geht spürbar zurück und wichtige Logistikachsen sind unterbrochen – all das erschüttert das Netzwerk, auf dem der globale Kunsthandel beruht. (welt.de)

Wachstum unter Spannung – Marktanalysen und Stimmen aus der Branche

Laut dem Art Basel & UBS Global Art Market Report 2026 zeigte der internationale Kunstmarkt 2025 ein moderates Wachstum, blieb aber weiterhin verwundbar gegenüber geopolitischen Risiken. Clare McAndrew, Gründerin des Marktanalyse-Instituts Arts Economics, schrieb dazu:

*„Der Markt … operierte weiterhin in einem volatilen geopolitischen Umfeld, insbesondere im grenzüberschreitenden Handel …“* (ft.com)

Und Noah Horowitz, CEO von Art Basel, ergänzt: *„Obwohl gestiegene Kosten, geopolitische Unsicherheiten und Bedenken wegen Zöllen weiterhin das Geschäft beeinflussen, hat sich das Käufervertrauen im Laufe des Jahres verbessert …“*

Diese Einschätzungen zeigen, dass der internationale Kunstmarkt zwar in verschiedenen Regionen expandiert, dabei aber stärker als je zuvor von äußeren politischen Kräften beeinflusst wird.

Direkte Stimmen aus den Golf-Messen

Trotz der Zuspitzung der Lage halten die Messeveranstalter an ihren Programmen vorsichtig fest – und betonen gleichzeitig die Bedeutung von Kultur und Kreativität für die Region.

Aus der offiziellen Pressemitteilung zur Art Dubai 2026, deren Sprecherin Dunja Gottweis, Fair Director von Art Dubai, erklärte:

„Seit 20 Jahren prägt Art Dubai Dubais kreative Identität und steht heute als eine der weltweit markantesten Kunstmessen in einer der dynamischsten Städte der Welt Kultur und Kreativität bilden eine lebendige und beständige Kunstszene in Dubai und unterstützen ein globales Netzwerk von Künstlern, Galeristen, Sammlern und Kuratoren.“ (artdubai.ae)

Auf Nachfrage äußerte ein Sprecher der Messe gegenüber der *Welt*, dass es einen „täglichen Dialog mit Galerien aus der Region und internationalen Sammlern“ gebe und dass das Wohlergehen aller im Zentrum stehe. Gleichzeitig bekräftigte er, man gehe davon aus, dass die Messe „gestärkt aus dieser Situation hervorgehen wird“. (welt.de)

Abu Dhabi Art / Frieze Abu Dhabi – Vision und Wachstum

Auch in Abu Dhabi betonen die Veranstalter die Bedeutung ihres Events. In einer Pressemitteilung zur letzten Ausgabe von *Abu Dhabi Art* heißt es aus der Leitung:

„Die aktuelle Ausstellerliste mit über 140 Galerien aus 37 Ländern spiegelt den wachsenden Sammlermarkt in Abu Dhabi und die starke staatliche Förderung der kreativen Industrie wider. Die Messe verbindet Künstler, Sammler und ein Publikum im Dialog, der Grenzen überschreitet und neue Möglichkeiten schafft.“

Die Messe soll 2026 als Frieze Abu Dhabi neu starten, ein Meilenstein in der globalen Expansion des Frieze‑Netzwerks. (en.wikipedia.org.)

Prognose: Wenn der Krieg anhält

Fachleute sehen mehrere Szenarien für den Kunstmarkt in Dubai/Abu Dhabi:

Nachhaltige Unsicherheit: Internationale Galerien könnten ihre Präsenz reduzieren, Sammlerreisen werden unregelmäßiger. Hochpreisige Werke könnten stärker in etablierten Märkten wie London, New York oder Hongkong gehandelt werden.

Regionale Konsolidierung: Lokale Käufer und institutionelle Sammler übernehmen eine größere Rolle, unterstützt durch staatliche Fördermaßnahmen. Das Emirat könnte sich als „resilientes, regionales Zentrum“ stabilisieren, jedoch global weniger relevant werden.

Digitale Erweiterung: Virtuelle Messen, Online-Auktionen und hybride Formate gewinnen an Bedeutung – sie halten internationale Reichweite aufrecht, verändern aber klassische Messeerlebnisse.

Fazit:

„Wenn der Krieg nicht gestoppt wird, wird der Golfmarkt für internationale Sammler volatil bleiben. Preise könnten stagnieren oder lokal verschoben werden, während hybride Formate und regionale Käufer stärker in den Vordergrund rücken.“ – Marktanalysten, Art Basel & UBS Report 2026.

Ob sich die Golfregion trotz geopolitischer Spannungen als neues Zentrum des Kunstmarkts behaupten kann, wird sich in den kommenden Jahren entscheiden – auf den Messebühnen von Dubai, Abu Dhabi und darüber hinaus.

Praxis-Guide für Galerien, Künstler und Sammler

Die aktuelle Situation zeigt, dass der Kunstmarkt zunehmend von geopolitischen Risiken abhängig ist. Wer jetzt professionell handelt, kann Marktanteile sichern und Risiken minimieren.

Strategien in Zeiten geopolitischer Unsicherheit

Galerien – Risikomanagement und Marktresilienz

Hybride Präsenz etablieren: Messeauftritte mit digitalen Formaten kombinieren (virtuelle Rundgänge, Online-Kataloge, digitale Auktionen.

Logistik & Versicherung optimieren: Notfalllager, alternative Transportwege und abgesicherte Versicherungspolicen prüfen.

Diversifikation der Märkte: Nicht nur auf den Golfmarkt setzen; Partnerschaften in Europa, Asien und Nordamerika pflegen.

Transparente Kommunikation: Käufer, Sammler und Institutionen über Sicherheitsmaßnahmen, Versandoptionen und hybride Messeformate informieren.

Künstler – Sichtbarkeit und strategische Positionierung

Digitale Reichweite maximieren: Virtuelle Galerien, Social Media und Online-Portfolios aktiv nutzen.

Portfolio- und Marktdiversifikation: Kooperationen außerhalb der Konfliktregion sichern Einkommensquellen.

Flexibilität in der Projektplanung: Ausstellungen und internationale Projekte mit Szenarienplan für Verschiebung oder Digitalisierung konzipieren.

Sammler – informierte Entscheidungen und strategische Streuung

Risikostreuung der Investitionen: Diversifikation über etablierte Märkte und Emerging Markets.

Informationsbasierte Entscheidungen: Sicherheits- und Lageberichte prüfen, eng mit Galerien, Kuratoren und Experten austauschen.

Digitale Marktchancen nutzen: Online-Auktionen und virtuelle Messen für sichere Transaktionen.

Langfristige Perspektive: Fokus auf Werke mit kultureller, ästhetischer und marktwirtschaftlicher Substanz. Qualität setzt sich immer durch.

Kunst zwischen Verantwortung und Realität

Angesichts der aktuellen Konflikte stellt sich unweigerlich die Frage, ob Kunstmessen und Ausstellungen in Zeiten von Krieg überhaupt vertretbar sind. Kritiker sehen darin eine Form der kulturellen Normalisierung politischer Krisen – oder sogar eine strategische Inszenierung von Stabilität durch Staaten, die sich international als sichere Kulturstandorte präsentieren wollen. Großprojekte rund um Institutionen wie den Louvre Abu Dhabi werden dabei nicht selten als Teil einer geopolitischen Imagepolitik gelesen.

Gleichzeitig argumentieren viele Akteure der Kunstwelt, dass gerade in Krisenzeiten Räume für kulturellen Austausch und internationale Begegnung wichtiger denn je sind. Kunstmessen wie Art Dubai fungieren nicht nur als Marktplätze, sondern auch als Plattformen für Dialog, Sichtbarkeit und künstlerische Reflexion von Konflikten. Für Künstlerinnen und Künstler aus der Region können sie zudem eine der wenigen Möglichkeiten darstellen, international präsent zu bleiben.

Die Frage lässt sich daher nicht eindeutig beantworten. Zwischen wirtschaftlichen Interessen, kultureller Diplomatie und künstlerischer Freiheit bewegt sich der Kunstmarkt in einem Spannungsfeld, das die Widersprüche der globalisierten Gegenwart besonders deutlich sichtbar macht.

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Alicia Viebrock wurde 1986 in München geboren – aktuell lebt und arbeitet sie in Wien. Bis 2009 besuchte Viebrock die Kunstakademie Düsseldorf unter Prof. Herbert Brandl. Seit 2012 stellt die Künstlerin jährlich aus; unter anderem in Düsseldorf, im Clusterhaus Köln, in den Deichtorhallen Hamburg oder zuletzt im MKM Museum Küppersmühle, Duisburg. Ihre laufende Ausstellung in der Galerie Bärbel Grässlin ist noch bis zum 18. Mai 2024 für Besucher geöffnet.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog, der die Ausstellung „Manienna“ und ausgewählte Arbeiten ab 2017 dokumentiert. Die Galerie Bärbel Grässlin finden Sie in der Schäfergasse 46 B, 60313 Frankfurt.

 

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Ein Beitrag geteilt von Axel Anderl & Kathrin Weber (@artworldvienna)

Galerie Bärbel Grässlin

Die Galerie Bärbel Grässlin wurde 1985 in Frankfurt am Main gegründet. Seit 2007 befinden sich ihre Räume in einer ehemaligen Glasgroßhandlung in der Schäfergasse, die der Frankfurter Architekt Klaus Dreissigacker zu einer großzügigen Galerie ausbaute. Ein Schwerpunkt des Galerieprogramms liegt auf deutschen Positionen der 1980er und 1990er Jahre mit internationaler Reputation wie Werner Büttner, Günther Förg, Georg Herold, Hubert Kiecol, Martin Kippenberger, Meuser, Reinhard Mucha und Markus Oehlen. Diese Künstler, deren Arbeit vorwiegend den Bereichen Malerei, Skulptur und Fotografie zuzuordnen ist, vertritt die Galerie seit ihren Anfängen. Ausstellungen mit Dan Flavin und Imi Knoebel erweiterten das Galerieprofil ab den späten 1980er Jahren um konzeptuell-minimalistische Positionen. Auch österreichische Künstler wie Herbert Brandl, Franz West und Heimo Zobernig gehören zum festen Künstlerstamm.

Die Galerie ist für dieses Jahr bereits für die Art Basel, Paris+, Art Cologne und die Art Basel Miami Beach angemeldet.

Mehr über die Galerie finden Sie hier: www.galerie-graesslin.de

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Seit der Verein „[KUN:ST] Stuttgart International e.v.“ im Jahr 2015 gegründet wurde, hat sich die Mitgliederzahl mit steigender Tendenz auf aktuell 438 erhöht. Ein Grund dafür ist das umfangreiche Angebot an den für alle Mitglieder offenen Ausstellungen. Noch bis Ende August zeigen 83 Künstler*innen 117 ihrer Werke in der Orangerie von Schloss Schwetzingen. Im Anschluss geht es auf die Kunstmesse ARTe 2022 nach Wiesbaden.

Die nun vierte Ausgabe der ARTe Wiesbaden findet vom 2. bis 4. September 2022 statt, wieder mitten im Herzen der Hessischen Landeshauptstadt im RheinMain CongressCenter. Dort gibt es Gegenwartskunst im Erlebnisformat zu sehen: Plastiken, Skulpturen, Gemälde, Zeichnungen, Fotografien, Collagen und Objekte, alles findet seinen Platz auf dieser Kunstmesse.

[KUN:ST] INTERNATIONAL auf der ARTe Wiesbaden 2022

20 Galerien aus ganz Deutschland, der Schweiz und Frankreich haben in Wiesbaden einen Stand gebucht. Mit 90m2 Grundfläche ist der Stand von [KUN:ST] INTERNATIONAL einer der größten. Kunstwerke von 59 Vereinsmitgliedern finden dort auf 93 laufenden Metern ihre Präsentationsfläche.

Mit dabei sind auch die kurz zuvor gekürten Werke des [KUN:ST] Preises 2022 zum Thema Metamorphosen. An allen Messetagen steht Klaus „Kadée“ Eberhardt am Doppel-Stand D10 / D11 für Künstler*innen und Kunstinteressierte, bereit. Seit November bekleidet er das Vorstandsamt „Künstlerische Leitung“ beim [KUN:ST] International e.V.

Weitere 107 Solo-Shows von Kunstschaffenden, davon weitere 24 Vereinsmitglieder von [KUN:ST] INTERNATIONAL, bieten einen lohnenswerten Blick auf aktuelle, zeitgenössische Kunst.

„Um unseren zahlreichen Mitgliedern ein attraktives Angebot machen zu können, reichen eine Ausstellung und eine Kunstmesse in Deutschland natürlich nicht aus“, erklärt Kadée. „Vom 30. November bis 04. Dezember geht es über den großen Teich. Ziel ist die Teilnahme an der Galerienmesse „Red Dot Miami“, die dort zur Art Basel Woche 2022 in Miami stattfindet.

Aus unserem Verein nehmen 73 Künstler*innen mit 122 Kunstwerken teil. Unser Stand wird eine der größten Kunstpräsentationen auf der Red Dot 2022 sein. Nach der Show ist vor der Show“, fährt der Airbrush-Künstler fort:

„Für das kommende Jahr sind neben einer Ausstellung in Berlin auch je eine Messeteilnahme in Deutschland und im europäischen Ausland geplant. Den Kunstpreis wird es 2023 wieder geben und unsere Mitgliederausstellung findet im März auf der Burg Stettenfels statt.“ – Klaus „Kadée“ Eberhardt Künstlerischer Leiter von [KUN:ST] INTERNATIONAL

Klaus „Kadée“ Eberhardt

Der Künstlerische Leiter des Vereins, Kadée sorgte zuletzt mit dem Werk „Cernunnos“ für Aufmerksamkeit. In unserer Kategorie „Werk der Woche“ stellten wir die Zusammenarbeit mit Njörn Unaveus und Klaus Eppele im Detail vor.

Unser letztes Interview mit dem Airbrush-Artist: Kadée im Interview –  Normal ist langweilig!

Kadée veröffentlichte eine Serie auf ARTTRADO, in denen er Einblicke in seine „Gedanken zum Kunstmarkt“ teilte. Zum ersten Teil: Kadée’s Gedanken zum Kunstmarkt

Weitere Informationen

Titelbild: Kadée mit Besucherin auf einem Messestand der ARTe Sindelfingen 2022 vor dem Werk „Cernunnos“.

Weitere Infos über den Kunstverein : https://kun-st-international.de/

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Unser Projekt ARTTRADO unterstützen:

Der Airbrush-Artist Kadée schrieb vor einiger Zeit eine 10-teilige Serie für ARTTRADO, in der er seine „Gedanken zum Kunstmarkt“ mit unseren Lesern teilte und auch Tipps bzw. Herangehensweisen, um auf dem Kunstmarkt wahrgenommen zu werden, erläuterte.

Aktuell ist es aus zeitlichen Gründen nicht möglich, die Serie regelmäßig  zu veröffentlichen. Vielleicht folgt eine regelmäßige Fortsetzung, aber erst einmal wollen wir den ungeplanten Teil #11  niemanden vorenthalten.

Zuletzt zog Kadée mit dem #54. „Werk der Woche“ die Aufmerksamkeit auf sich. Dieses Kunstwerk wurde erstmalig auf der ARTe Sindelfingen 2022 veröffentlicht, aus gegebenem Anlass hat der Künstler nun einen Artikel über Kunstmessen und Galerieausstellungen geschrieben.

Kunst- und Künstlermarketing – Teil 11

Ausstellungen in Galerien und Kunstmessen

Ein Gastbeitrag von Kadée:

Kunst braucht Öffentlichkeit und unsere Mitmenschen brauchen und wollen Kunst um sich herum – über alle Genregrenzen hinweg.

Die Darstellung von Kunstwerken der bildenden Künste auf Internet-Plattformen ist meist schlecht möglich, weil es Farbveränderungen gibt, die Größe nicht wirklich wahrgenommen werden kann und kein persönlicher Kontakt zu Werk und Künstler/in entsteht.

Für bildende Künstler/innen ist daher die Teilnahme an Ausstellungen unterschiedlicher Art unabdingbar. Wer seine Karriere beginnt, sollte jede Möglichkeit nutzen: Schaufenster, Geschäftsräume von Firmen, Kunstmärkte etc. Auf diese Weise lernt man, wie Kunstwerke präsentiert werden können, wie Hängungen und Pressearbeit funktionieren und welche Unterlagen auf Veranstaltungen von den Betrachter/innen gern mitgenommen werden
(Visitenkarten, Leporellos, Künstlervita etc.).

Es sind die Grundvoraussetzungen dafür, dass sich irgendwann eine Galerie für die Kunstschaffenden und deren Werke interessiert, denn ohne nachgewiesene Erfahrungswerte und Öffentlichkeitsarbeit ist die Chance leider gleich Null.

Bedauerlicherweise sinkt seit Jahren die Zahl der Galerien, die Corona-Pandemie hat die Situation noch verschärft. Der Großteil aller noch bestehenden Galerien sind sogenannte „Bezahlgalerien“, die von den Ausstellenden mehr oder weniger hohe Gebühren für die Nutzung ihrer Wände verlangen. Hier ist Vorsicht geboten, denn welche Motivation hat der/die Galerist/in noch die Kunstwerke zu verkaufen, wenn das Geld schon in der Kasse ist?

Meine Erfahrungswerte sind, dass in solchen Galerien nur sehr selten Bilder verkauft werden und die Publikumsfrequentierung eher gering ist.

Die beste Möglichkeit für bildende Künstler/innen innerhalb kurzer Zeit möglichst viele kunstaffine Menschen zu erreichen sind die inzwischen zahlreichen lokalen und regionalen Kunstmessen wie z.B. ARTe, Discovery Art-Fair,  artmuc, NC Incorpoarating Art fair und andere.

Auf diesen Messen können Kunstschaffende auch ohne Galeriebegleitung einen Stand mieten. Ein nicht ganz billiges Vergnügen, zumal es keinerlei Garantien für den Verkauf der Bilder gibt.  Für die öffentliche Wahrnehmung als ernsthafte und professionell auftretende Künstler/in sind diese Messen jedoch von hohem Wert. (siehe dazu auch den Artikel Kunst- und Künstlermarketing Teil 3 » ).

Wer daraufhin eine professionelle, große Galerie findet, hat dann Zugang zu den größeren Kunstmessen, wie ART COLOGNE, art KARLSRUHE  oder gar die weltweit renommierteste Art Basel.

Ebenso wichtig wie Ausstellungen und Messen selbst ist die Nachbearbeitung. Aus den Fotos z.B. lässt sich schnell ein kurzes Video zusammenstellen, das man in die Medien posten kann. Programme sind oft in den Kameras installiert, bei YouTube verfügbar oder online zu erwerben. Die Bedienung ist meist schnell erlernt. Hier zwei Beispiele, die ich mit unterschiedlichen Programmen erstellt habe:

Weitere Informationen

Mehr über den Künstler Kadée auf seinem Facebook Profil: https://www.facebook.com/klauskadee.eberhardt

Auf der Suche nach einem besonderen Kunstwerk? – Gemälde, Fotografien, Kunstdrucke…

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ARTTRADO unterstützen:

ART BASEL CONVERSATIONS bietet am 04.12.2020 ein kostenloses Webinar für Kuratoren, Galeristen und Kunstschaffende an.

Die Kombination aus digitaler und physischer Präsentation von Kunst, entweder für eine Messe oder eine reguläre Galerieausstellung, wird immer beliebter. Die Reisebeschränkungen aufgrund der globalen Pandemie ziehen sich hin, und es müssen neue Lösungen gefunden werden. Immer mehr Galeristen geben sich nicht damit zufrieden, Arbeiten nur digital zu präsentieren, sondern installieren gleichzeitig die gleichen Arbeiten, die sie in einem Online Viewing Room (OVR) in ihrer Galerie oder an einem anderen Ort im realen Leben (IRL) haben. Dieses Hybridmodell wurde als „Bricks and Clicks“ bezeichnet. Es ermöglicht Sammlern, die Arbeit persönlich zu betrachten oder zumindest ein dreidimensionales Gefühl für eine Arbeit zu bekommen, indem sie die Ausstellung durch Video-Streaming oder sogar virtuelle Realität betrachten.

Im ersten Panel des Conversations-Programms werden die Redner untersuchen, wie erfolgreich dieses Modell für Galeristen war, die damit arbeiten, ob sich dieser Hybrid nach der Pandemie als beliebt erweisen wird und welche anderen Technologien (wie Augmented Reality) Galeristen zur Erweiterung verwenden, um den Kontakt zu Sammlern zu halten und ihre Reichweite zu vergrößern.

Diskussionsteilnehmer:
Daniela Gareh, Global Sales Director, White Cube, London
Agustina Ferreyra, Galeristin, Mexiko-Stadt
Dennis Scholl, Sammler, Miami

Moderator:
Tim Schneider, Art Business Editor, artnet Nachrichten

Weitere Information

Für das kostenlose Zoom-Webinar kann man sich hier registrieren: Webinar-Registrierung – Zoom

Zu unserem nicht ganz so ernst gemeintem Ratgeber; „In 7 Tagen zum Starkurator“

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Hongkong nimmt führende Position ein

Das Hongkong, das Finanzzentrum des asiatischen Marktes ist steht schon lange fest. Die Entwicklung zur führenden Positon in der Kunstwelt wurde zwar von einigen Experten hervor gesagt, nimmt aber erst jetzt richtig Form an. Die Art Basel wirkt dagegen wie eine unbedeutende Kunstmesse ohne Liebe. Die Art Basel war lange in der führenden Position und galt als Non-Plus Ultra, heute wirkt sie eher wie eine normale Dienstleistung. Wir wollen aber hier nicht vergessen anzumerken, das die Art Basel den Boom zeitgenössischer Kunst in Hongkong erst ins Leben gerufen hat und so den Weg für die heutige Entwicklung geebnet hat.

Selbst Ausstellungen aus den Metropolen Shanghai und Peking können nicht mithalten

FAZIT

248 Galerien sind 2018 auf der Art Basel Hong Kong vertreten. Davon sind grade einmal 27 aus Deutschland, davon sind fast alle aus Berlin. Insgesamt 21.  Die deutsche Hauptstadt ist wichtig was Produktion und diskurs angeht. Leider unbedeutend wenn man den Kunstmarkt Global betrachtet. Unseren Informationen und Insidern nach ist es nicht geplant von den führenden Galerien Standorte in Berlin, Frankfurt oder Hamburg zu eröffnen.Aber viele nationale Galerien stellen in Hongkong aus, haben es geplant oder suchen Kontakt zu internationalen Netzwerken im asiatischen Raum um den Anschluss nicht zu verlieren. Wir sagen gutes setzt sich immer durch und das es führende Positionen geben kann aber keine Monopolstellung, den der Kunstmarkt ist immer in Bewegung und viele neue Projekte & Konzepte grade schon in der Planung.

Weitere Informationen zur Art Basel Hongkong gibt es hier -> https://www.artbasel.com/hong-kong

Für Sammler: gebundene Ausgaben der letzten Jahre gibt es auf Amazon.

Die ART Basel

Sie gilt als führende internationale Kunstmesse für moderne und zeitgenössische Kunst. Bekannte moderne Künstler werdend in verschiedenen Bereichen präsentiert. Besucher können ebenso hochwertige Kunst von talentieren Nachwuchskünstlern bestaunen. Insgesamt sind über 4000 Künstler vertreten. Das Rahmenprogramm lockt mit Theater und vielen weiteren besonderen Showeinlagen. Es scheint also eine Art Pflichtveranstaltung für Kunstsammler, Künstler, Kuratoren und Kunsthändler zu sein.

Hier trifft sich die globale Kunstwelt!

Ab Donnerstag dem 14. Juni 2018 werden für 4 Tage circa 290 Galerien um die Aufmerksamkeit der Besucher buhlen.  Die gennanten und uns bekannten Besucherzahlen der letzten Jahre lagen mit 92.000 – 98.000 knapp unter der 100.000 Marke.

Unserer Einschätzung nach wird die größte Europäische Kunstmesse dieses Jahr diese Marke knacken und circa mit 110.000 Besuchern enden. Diese Hohe Anzahl der Besucher erfreut uns, es zeigt ein steigendes Interesse am Kunstmarkt und an der Kunst im allgemeinen. Doch wer soll sich das alles ansehen?

Die traurige Wahrheit ist, dass vieles während der Ausstellungszeit unentdeckt bleibt. Viele besuchen Galerien und Kunsthändler die Sie kennen. Bestehende Kontakte werden lieber gepflegt als neue zu knüpfen. An die 1000 Galerien  bewerben sich um eine heiß begehrte Ausstellungsfläche. Davon erfüllen also circa 30 Prozent die Anforderung der Veranstalter. Rund jeder 3 erhält im Endeffekt den Zuschlag. Aber jeder von Ihnen wäre Bereit eine hohe Summe zu bezahlen. 2017 kostete ein Quadratmeter Messefläche 790 Franken – das sind umgerechnet also ca. 725 Euro.

„Die Zeit“ schreibt dazu:

Qualitätsstempel ersetzt Künstlerfördernde arbeit?

Allen Teilnehmern und Besuchern wünschen wir ein erfolgreiches und besonderes Event.

Im Namen der Kunst!