Die Ausstellung „Histoires de paysages. De Monet à Hockney“ im Musée Marmottan Monet ist keine Hommage an die Landschaftsmalerei, sondern ihre kritische Rekonstruktion als visuelles System.

Zwischen Claude Monet und David Hockney entfaltet sich kein stilgeschichtlicher Verlauf, sondern eine Abfolge epistemischer Brüche: Landschaft erscheint hier nicht als Naturmotiv, sondern als Technologie des Sehens – als kulturell codierte Form der Wahrnehmung.

Monet markiert den Beginn dieser Verschiebung, in der Natur in Licht- und Zustandsfragmente zerfällt. Das 20. Jahrhundert radikalisiert diesen Prozess durch Abstraktion, Fragmentierung und Bildkritik. Mit David Hockney kulminiert die Entwicklung in einer synthetischen Wahrnehmung, in der Landschaft zur konstruierten Bildrealität wird.

Innerhalb dieses Spannungsfeldes fungiert Alex Katz als Scharnierfigur einer flachen Moderne, in der Landschaft und Figur gleichermaßen in ikonische Oberflächen überführt werden.

Pierre Wats kuratorische Perspektive liest Landschaft konsequent als Wahrnehmungsregime: nicht das Motiv verändert sich, sondern die Bedingungen seines Sehens. Die Ausstellung wird so zur Kritik des Bildes selbst – und zur Kartografie jener Systeme, die Natur überhaupt erst sichtbar machen.

Musée Marmottan Monet, Paris | 24.09.2026 – 31.01.2027

Kuratierung: Pierre Wat

Die Ausstellung „Histoires de paysages. De Monet à Hockney“ im Musée Marmottan Monet ist weniger eine Hommage an die Landschaftsmalerei als vielmehr eine kritische Rekonstruktion ihrer historischen Funktion.

Was hier gezeigt wird, ist kein Stilverlauf, sondern ein epistemologisches Modell: Landschaft als Technologie des Sehens, als kulturelle Programmierung von Natur.

Zwischen Claude Monet und David Hockney entfaltet sich kein linearer Fortschritt, sondern eine Serie von Brüchen, Verschiebungen und medialen Transformationen, in denen das Landschaftsbild seine Unschuld endgültig verliert.

Eine vollständige offizielle Künstlerliste ist derzeit nicht veröffentlicht – typisch für große Überblicksausstellungen dieser Art. Was aber vermutlich sicher ist, lässt sich aus den kuratorischen Angaben und bisherigen „Monet–Gegenwart“-Programmen sehr gut rekonstruieren.

Monet als Ursprung: Die Geburt der modernen Wahrnehmung

Claude Monet markiert im kuratorischen Narrativ nicht den Beginn der Landschaftsmalerei, sondern den Beginn ihrer Entzeitlichung.

Seine Malerei zerlegt Natur in:

Lichtsequenzen
atmosphärische Zustände
subjektive Wahrnehmungseinheiten

Damit wird Landschaft erstmals zu dem, was sie in der Moderne bleiben wird: ein perzeptives Konstrukt statt eines Ortes

20. Jahrhundert: Landschaft als ideologischer Kampfplatz

Die Moderne erscheint in der Ausstellung nicht als Stilgeschichte, sondern als Krise des Landschaftsbildes.

Industrialisierung, Krieg und Abstraktion verschieben das Genre in Richtung:

Fragmentierung
Flächigkeit
symbolische Übercodierung

Landschaft wird zur Projektionsfläche politischer und ästhetischer Ordnungen – oder verliert sich vollständig in der Abstraktion.

David Hockney: Hyperrealität der Wahrnehmung

Der kuratorische Endpunkt ist bewusst mit David Hockney gesetzt.

Seine Landschaften sind keine Naturdarstellungen, sondern Wahrnehmungsmodelle im Zeitalter technischer Bilder:

iPad-Zeichnungen
multiperspektivische Kompositionen
radikale Farbkodierungen

Hockney ersetzt Natur durch eine synthetische Sichtbarkeit, in der Landschaft als Erfahrung rekonstruiert wird, nicht als Abbild.

David Hockney gestorben: Die Kunstwelt trauert um eine Legende

Alex Katz: Die flache Moderne der Landschaft

Innerhalb dieses Spannungsfeldes wird Alex Katz zu einer entscheidenden Scharnierfigur.

Auch wenn er nicht im Zentrum der Ausstellung steht, ist seine Präsenz (laut Programmstruktur vergleichbarer Marmottan-Projekte und der thematischen Logik der Schau) sehr wahrscheinlich im Kontext der Übergänge zwischen Moderne und Gegenwart verortet.

Katz’ Landschaften funktionieren nicht narrativ, sondern ikonisch reduziert:

extreme Flächigkeit
minimale Tiefenillusion
grafische Präzision
Entdramatisierung der Natur

Damit radikalisiert er eine Linie, die bereits bei Monet beginnt: die Auflösung des Landschaftsraums in ein reines Bildsystem.

In der Logik der Ausstellung ist Katz kein „Naturmaler“, sondern ein Vertreter der Bildflächen-Ästhetik nach der Wahrnehmung – ein Moment, in dem Landschaft endgültig zu Design, Oberfläche und Zeichen wird.

Pierre Wats kuratorische These: Landschaft als Bildregime

Die Stärke der Ausstellung liegt nicht in ihrer Chronologie, sondern in ihrer impliziten These:

Landschaft ist kein Genre, sondern ein historisches Wahrnehmungsregime.

Pierre Wat liest die Landschaft nicht als Motiv, sondern als:

kulturelle Ordnung des Sehens
technische Form der Weltverarbeitung
ästhetische Steuerung von Naturverständnis

Damit wird die Ausstellung zu einer Kritik der Malerei selbst:
Nicht die Landschaft verändert sich – sondern das Sehen.

Künstlerische Struktur (rekonstruiert aus kuratorischem Kontext)

Auch wenn keine vollständige Liste vorliegt, ist die kuratorische Logik klar entlang folgender Achsen aufgebaut:

Impressionistische Grundlagen: Monet als Ursprung der Wahrnehmungszerlegung
Moderne Transformationen: Postimpressionismus, frühe Abstraktion, Flächenmalerei
Nachkriegsmoderne: Reduktion, Konzeptualisierung, Bildkritik
Gegenwart: Hockney als digitales und perceptives System
Zwischenfiguren (typologisch): Künstler wie Alex Katz als Übergang von Bildillusion zu Bildfläche

Fazit: Landschaft nach der Landschaft

„Histoires de paysages“ zeigt nicht die Evolution eines Genres, sondern seine Auflösung in Theorie.

Von Monet bis Hockney wird deutlich:
Die Landschaft verschwindet nicht – sie wird rekodiert.

Was bleibt, ist kein Naturbild, sondern ein Archiv der Wahrnehmungssysteme, die Natur überhaupt erst sichtbar machen.

Weitere Informationen

Mehr über das Museum: https://www.marmottan.fr/en/

Mit „The Gathering“ (2026) präsentiert der amerikanische Künstler Alex Katz eine außergewöhnliche neue Grafikedition, die zu den bemerkenswertesten Veröffentlichungen des aktuellen Kunstjahres zählt. Der großformatige Siebdruck verbindet die charakteristische Bildsprache des Künstlers mit einem Motiv, das tief in einer der bedeutendsten Werkphasen seines Schaffens verwurzelt ist.

Für Sammler von zeitgenössischer Kunst, amerikanischer Nachkriegskunst und hochwertigen Kunsteditionen bietet „The Gathering“ eine seltene Gelegenheit, ein Werk zu erwerben, das sowohl kunsthistorische Relevanz als auch starke visuelle Präsenz vereint.

Alex Katz: Einer der wichtigsten lebenden amerikanischen Künstler

Seit mehr als sieben Jahrzehnten prägt Alex Katz die internationale Kunstlandschaft. Der 1927 geborene Künstler entwickelte bereits in den 1950er-Jahren einen unverwechselbaren figurativen Stil, als abstrakte Malerei die amerikanische Kunstszene dominierte.

Mit seinen klaren Konturen, flächigen Farbkompositionen und der konsequenten Reduktion auf das Wesentliche wurde Katz zu einer Schlüsselfigur der modernen Figuration. Kunsthistoriker sehen in seinem Werk wichtige Impulse für die spätere Pop Art, obwohl Katz stets einen eigenständigen Weg verfolgte.

Heute befinden sich seine Werke in bedeutenden Museumssammlungen weltweit. Seine Gemälde, Zeichnungen und Druckgrafiken sind fester Bestandteil internationaler Ausstellungen und zählen zu den begehrtesten Positionen der amerikanischen Nachkriegskunst.

Alex Katz – The Gathering (2026)

Technische Daten

Künstler: Alex Katz
Titel: The Gathering
Jahr: 2026
Technik: Siebdruck in Farben
Papier: Saunders Waterford High White HP 425 gsm
Format: 104 x 183 cm (41 x 72 Inches)
Auflage: 40 Exemplare
Signiert und nummeriert

Bereits die Dimensionen machen deutlich, dass es sich nicht um eine gewöhnliche Druckgrafik handelt. Mit einer Breite von 183 Zentimetern erreicht die Edition nahezu die Wirkung eines Gemäldes und entfaltet jene monumentale Präsenz, für die Katz international bekannt geworden ist.

Ein Schlüsselmotiv aus der bedeutenden Werkphase der 1970er-Jahre

„The Gathering“ basiert auf dem Gemälde „Mr. and Mrs. R. Padgett, Mr. and Mrs. D. Gallup“, das zu den bekannten Gruppenporträts von Alex Katz zählt.

Gerade die Gruppenbilder der 1970er-Jahre markieren einen entscheidenden Abschnitt innerhalb seines Gesamtwerks. Während viele Künstler dieser Zeit gesellschaftliche Umbrüche mit expressiven oder politischen Bildsprachen kommentierten, entwickelte Katz eine völlig eigene Sichtweise auf soziale Beziehungen.

Seine Figuren erscheinen ruhig, elegant und selbstverständlich präsent. Die dargestellten Personen interagieren miteinander, ohne dramatische Gesten oder erzählerische Überhöhungen. Stattdessen entsteht die Spannung durch Blickrichtungen, Körperhaltungen und die sorgfältige Choreografie der gesamten Komposition.

Diese Konzentration auf Präsenz und Atmosphäre zählt bis heute zu den größten Stärken seines Werks.

Warum „The Gathering“ kunsthistorisch interessant ist

Alex Katz gilt als Meister der Vereinfachung.

Wo andere Künstler psychologische Tiefe über Symbolik oder emotionale Inszenierung erzeugen, arbeitet Katz mit Reduktion. Seine Figuren erscheinen oft gelassen und distanziert. Dennoch entsteht eine bemerkenswerte Intensität, weil der Betrachter die Beziehungen zwischen den Personen selbst entschlüsseln muss.

Gerade in „The Gathering“ wird diese Qualität besonders deutlich.

Das Werk zeigt nicht nur einzelne Porträts, sondern ein soziales Gefüge. Freundschaft, Gemeinschaft und zwischenmenschliche Kommunikation werden sichtbar, ohne dass die Szene ihre Offenheit verliert. Dadurch wirkt das Motiv auch fünfzig Jahre nach seiner ursprünglichen Entstehung erstaunlich aktuell.

Warum diese Alex-Katz-Edition für Sammler interessant ist

Der internationale Markt für Druckgrafiken hat sich in den vergangenen Jahren deutlich professionalisiert. Sammler achten heute zunehmend auf Faktoren wie:

kunsthistorische Bedeutung
Qualität der Edition
Auflagenhöhe
Provenienz des Motivs
institutionelle Anerkennung des Künstlers

„The Gathering“ erfüllt viele dieser Kriterien.

Die Auflage von lediglich 40 Exemplaren gehört im internationalen Vergleich zu den kleineren Editionen eines etablierten Künstlers. Gleichzeitig basiert das Werk auf einem Motiv aus einer zentralen Schaffensphase von Alex Katz.

Besonders attraktiv erscheint zudem die Verbindung aus musealer Relevanz und zeitgenössischer Verfügbarkeit. Während bedeutende Gemälde des Künstlers längst in wichtigen Sammlungen oder Museen vertreten sind, ermöglicht diese Edition einen vergleichsweise direkten Zugang zu seiner ikonischen Bildwelt.

Alex Katz und die Bedeutung seiner Druckgrafik

Die Druckgrafik spielt im Werk von Alex Katz seit Jahrzehnten eine wichtige Rolle. Anders als bei vielen Künstlern sind seine Editionen keine bloßen Reproduktionen bestehender Werke, sondern ein eigenständiger Bestandteil seines künstlerischen Schaffens.

Katz arbeitete intensiv mit Lithografie, Holzschnitt und insbesondere mit dem Siebdruckverfahren. Die Technik eignet sich hervorragend für seine charakteristischen Farbflächen und klaren Konturen und ermöglicht eine außergewöhnliche Präzision in der Umsetzung seiner Motive.

Viele bedeutende Editionen des Künstlers erzielen heute auf dem Sekundärmarkt eine hohe Nachfrage und gelten als wichtiger Einstiegspunkt für Sammler seiner Kunst.

Fazit: Warum „The Gathering“ unser Werk der Woche ist

„The Gathering“ vereint zahlreiche Eigenschaften, die eine herausragende Kunstedition auszeichnen.

Die Arbeit verbindet ein ikonisches Motiv aus einer zentralen Werkphase von Alex Katz mit einer hochwertigen technischen Ausführung, einer kleinen Auflage und einem außergewöhnlichen Format. Gleichzeitig repräsentiert sie die Qualitäten, die Katz zu einem der wichtigsten lebenden Künstler der amerikanischen Nachkriegskunst gemacht haben: Klarheit, Eleganz und die Fähigkeit, alltägliche Momente in zeitlose Bilder zu verwandeln.

Für Sammler von Alex Katz, Liebhaber zeitgenössischer Kunst und Interessenten hochwertiger Grafikeditionen gehört „The Gathering“ zweifellos zu den spannendsten Neuerscheinungen des Jahres 2026.

Weitere Informationen

Titelbild: Frank Fluegel Galerie

Mehr über den Künstler: https://alexkatz.com/

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Auf über 600 qm werden in der Neuen Bootshalle in List weit über 100 Werke von aufstrebenden jungen Talenten sowie von internationalen Kunststars zu sehen sein. Um nur einige zu nennen: Günther Uecker, Heinz Mack, Gottfried Helnwein, Dieter Nuhr, Bryan Adams, Julian Schnabel, Alison Jackson, die für ihre aufsehenerregenden „Fake Truth“-Fotos Promidoppelgänger in Szene setzt, Markus Lüpertz, Jeff Koons, Tony Cragg, Hermann Nitsch, Rita Sabo, Theresa Kallrath, Ben Buechner, Felix Giesen und Immendorff-Schülerin Johanna Wiens.

Gezeigt werden Malerei, Skulpturen und Fotografien – ein breites Spektrum an künstlerischen Disziplinen. Galerist, Kurator und Ausstellungsmacher Dirk Geuer erklärt das Konzept der von ihm gemeinsam mit dem artstar Verlag organisierten Ausstellung wie folgt.

„Jeder Künstler erhält einen eigenen Bereich – so wird die Konzentration der Betrachter verstärkt auf seine Arbeiten gelenkt.“ Er fügt hinzu: „Wir freuen uns besonders, in diesem Jahr eine Vielzahl neuer Künstler*innen zeigen zu dürfen.“

Nico Overkott, Geschäftsführer des artstar Verlag, ergänzt: „Es geht uns darum, zeitgenössische Kunst einem breitgefächerten Publikum zu präsentieren und neue Verbindungen zwischen Künstlern und Kunstinteressierten zu fördern. Die barrierefreie Begegnung mit der Kunst ist uns wichtig. Deshalb ist der Eintritt frei.“

Neben der Ausstellung zeichnet sich die Sylt Art Fair durch spannende Veranstaltungen wie u.a. Künstlertalks, Art Nights, Podiumsdiskussionen oder Vernissagen mit Anwesenheit der Künstler aus. Besucher haben die Möglichkeit, mit den Künstlern ins Gespräch zu kommen. Und so direkt mehr über die kreativen Prozess und die Ideen hinter ihrer Arbeit zu erfahren.

Highlight ist der ArtTalk Mitte August. Der Talk wird moderiert von Kunstexperte Wolfram Kons. Der auch die spannenden Kunst-Dokumentationen aus der Reihe „Inside Art“ des Kooperationspartners ntv art in Szene setzt. Zahlreiche „Inside Art“-Dokumentationen, die erhellende Einblicke in das Leben, das Schaffen und die Ateliers der Künstler vermitteln, können die Besucher*innen der Sylt Art Fair innerhalb des Rahmenprogramms erleben.

Die Sylt Art Fair bietet eine einzigartige Gelegenheit, neue Talente in der zeitgenössischen Kunst zu entdecken, Werke altbekannter Meister zu erleben und sich mit der lebendigen Kunstszene auseinanderzusetzen – umgeben von der Schönheit Sylts.

DIRK GEUER

Dirk Geuer:

Die Erfahrung aus über 30 Jahren auf dem internationalen Kunstmarkt ermöglicht es Dirk Geuer, Geschäftsführer der Geuer & Geuer Art GmbH, persönlich mit Künstlern zusammenzuarbeiten. Als Kurator, Ausstellungsmacher und Verleger von Exklusiv-Editionen in der dritten Generation im In- und Ausland kennt er die Szene wie kaum ein anderer. Dirk Geuer hat seine engen persönlichen Kontakte zu namhaften Künstlern stets gepflegt. Er arbeitete u.a. bereits mit Julian Schnabel, Alex Katz, Günther Uecker, Erwin Wurm, Christo oder auch Jörg Immendorff und Tony Cragg zusammen. Zudem kooperiert Dirk Geuer nicht nur mit zahlreichen renommierten Museen, Galerien und kulturellen Einrichtungen weltweit, sondern ist auch Herausgeber von diversen Katalogen, Werkverzeichnissen und dokumentarischen Filmen, mit denen er sich in den vergangenen Jahren in der Kunstwelt einen Namen gemacht hat. Weitere Informationen über Dirk Geuer finden Sie auch auf seiner Homepage unter www.dirkgeuer.de oder unter www.geuer-geuer-art.de

artstar Verlag

Der in Düsseldorf ansässige artstar Verlag arbeitet mit vielen bekannten, mehrfach begabten Künstlern direkt zusammen. Verlegt mit ihnen exklusive, limitierte Grafik- und Skulptureneditionen und realisiert große Ausstellungsprojekte u.a. mit Armin Mueller-Stahl. Michael Patrick Kelly. David Gerstein und Ben Buechner. Weitere Informationen unter: https://www.artstar-verlag.de 

Sylt Art Fair 2023

bis 09.09.23. Neue Bootshalle List, Am Hafen 5, 25992 List.

Öffnungszeiten: täglich 12 Uhr – 19 Uhr

Der Eintritt ist frei!

Kostenlose Parkplätze befinden sich direkt an der Halle.

Weitere Informationen

Titelbild: Fotos: Dirk Geuer und Künstler Dieter Nuhr

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Das lange erwartete neue Buch des Street Art Künstlers XOOOOX ist endlich erschienen. Die 160 Seiten umfassende Publikation umfasst zahlreiche Werke von 2012 bis 2022 und ist das zweite Buch über den international wahnsinnig erfolgreichen Street Art Künstler XOOOOX.. XOOOOX ist der derzeit erfolgreichste deutsche Straßen-Künstler. Seine Arbeiten werden schon länger auf dem internationalen Kunstmarkt gehandelt. Der Titel des Buches lautet daher auch „XOOOOX – WORKS 2012–2022“ und ist unter der ISBN 978-3-00-072517-3 erschienen.

XOOOOX

XOOOOX (ausgesprochen „zooks“), geboren 1979, begann mit 15 Jahren mit klassischen Graffiti und ist ein in Berlin lebender Straßenkünstler, der für seinen Guerilla-Stil bekannt ist und mit filigranen Schablonenarbeiten und Installationen im Arte-Povera-Stil arbeitet, die aus verwitterten und verrottenden Materialien bestehen.

Im Alter von 16 Jahren begann XOOOOX, die unzähligen „Vogues“ seiner Schwester durchzublättern, die Modelle auszuschneiden und sie auf Oberflächen in der Stadt zu kleben. Später wechselte er zu Schablonen. Er versucht, einen Kontrast zum Glamour der Modewelt zu schaffen, indem er die stylischen und makellosen Models auf verwitterte und urbane Oberflächen klebt. In vielen seiner Arbeiten verwendet er auch Logos von Modemarken wie Hermes oder Chanel, die er verfremdet. Bei manchen Werken kann dies auch als Hommage verstanden werden. Wie es bei Marken der Fall ist, die auf eine lange Tradition zurückblicken. In anderen Fällen jedoch ist es eher eine Kritik an der Überindustrialisierung der Mode und sie laden den Betrachter ein, diese zu hinterfragen.

Seine lebensgroßen Schablonen Arbeiten zeigen perfekt gestylte weibliche Models wie etwa Valeria, die er nach dem Vorbild von Modekampagnen inszeniert. Bei dem Hintergrund setzt er aber auf Materialien mit Geschichte, wie verweste oder verwitterte Hölzer und Stoffe. Somit schafft er einen Kontrast zu dem Glanz der Modewelt. In vielen seiner Arbeiten nutzt er außerdem Logos von Modemarken wie von Hermes und Chanel, die er verfremdet. In einigen Fällen ist dies durchaus auch als Hommage zu verstehen wie beispielsweise bei Marken, die auf eine lange Tradition zurückblicken. Bei anderen wiederum ist es vielmehr die Kritik an der Überindustrialisierung der Mode und laden den Betrachter dazu ein, diese zu hinterfragen.

XOOOOX arbeitet normalerweise an alten Fassaden. Wichtig sind ihm dabei der Vintage-Look und die Positionierung und gelegentlich gibt es aber auch Arbeiten auf „beweglichen Gütern“ wie Stahltüren oder Stromkästen. Street Art lebt von dem, was sie umgibt und von der Situation, in der sie entsteht. Raue Fassaden, rostige Tore, windige Ecken, Zeitdruck, schwierigste Bedingungen für die Entstehung. Aus diesem Grund werden viele der in Galerien angebotenen XOOOOX-Kunstwerke auf authentischen Holz- und Stahlträgern geschaffen. Er arbeitet auch auf großen Kupferplatten, die im Licht eine besondere Ästhetik entwickeln, die sich mit der Zeit verändert.

Der französische Street-Art-Künstler Blek le Rat führte XOOOOX in die Schablonentechnik ein. Er war ein Pionier der Schablone, der auch in Berlin unterwegs war.

XOOOOX gilt in der Tat als der erste deutsche Straßenkünstler, der neben „Banksy“ auf dem internationalen Kunstmarkt bekannt geworden ist. Obwohl die Werke des Künstlers in der ganzen Stadt zu sehen sind, bleibt seine Identität ein Geheimnis. Auch um gegen den Vorwurf des öffentlichen Vandalismus vorzubeugen.

Die New York Times empfahl XOOOOX am 17. Oktober 2014 als eines der „12 Treasures of Europe“. Das Urban Nation Museum in Berlin erwarb im Februar 2018 ein Werk für seine ständige Sammlung und in Amsterdam wurde 2020 das größte Street Art Museum der Welt in der Lasloods Hall eröffnet. Das Museum wurde von Peter Ernst Coolen auf dem Gelände der NDSM Docks gegründet. Auch XOOOOX-Originale sind dort als Teil der Sammlung zu sehen.

Im Kölner Auktionshaus Van Ham stellte am 7. Oktober 2020 ein Unikat von XOOOOX einen neuen Auktionsrekord auf. Die Arbeit Laguna Bay (Schablone auf Metall) erreichte 8.925 € (ca. 10.000 US $.)

FRANK FLUEGEL GALERIE

FRANK FLUEGEL GALERIE mit Standorten in Nuernberg und Kitzbuehel ist seit über zwanzig Jahren fokussiert auf hochwertige Originale der Pop Art, Street Art und zeitgenössischen Kunst. RANK FLUEGEL GALERIE hat bereist mehrfach XOOOOX in Nürnberg und Kitzbühel ausgestellt

Der Kunstsammler findet original Kunstwerke, Grafiken und Unikate von Adam Handler, Alex Katz, David Shrigley, Kenny Scharf Hunt Slonem, Nathan Paddison, Fanny Brodar, Mel Ramos, Roy Lichtenstein, Andy Warhol oder Julian Opie. Aber auch Editionen und Grafiken von Harland Miller, Katherine Bernhardt, Tom Wesselmann, Sean Scully, Gerhard Richter, Ross Bleckner, Allen Jones, Thomas Ruff, David Gerstein, Peter Doig, Jeff Koons, Tracey Emin, Raqib Shaw und Robert Longo.

Ebenso sind weitere angesagte Street Art Künstler in der Galerie vertreten wie Mr. Brainwash (Thierry Guetta) , XOOOOX, Punk Me Tender, BAMBI, Fringe Southafrica und John Crash Matos.

Natürlich hat die Galerie auch Designobjekte von Maurizio Cattelan, Paul Smith, Richard Orlinski oder Philippe Starck oder Pierre Jeanerette zum Kauf im Angebot.

In regelmäßigem Wechsel finden Ausstellungen in den zentral gelegenen Galerieräumen statt und im Online Shop kann der Sammler die Kunstwerke rund um die Uhr besichtigen und erwerben. Internationale Messeteilnahmen runden das Programm ab.

Mehr über die Galerie: FRANK FLUEGEL GALERIE – Pop Art | Street Art – Kunst kaufen

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Titelbild: XOOOOX – WORKS 2012–2022(C)FRANK FLUEGEL GALERIE

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