Der Kallmann-Preis des Kallmann-Museums Ismaning ist eine bedeutende Auszeichnung für zeitgenössische figurative Kunst in Deutschland. Er wird in Kooperation mit der Kreissparkasse München Starnberg Ebersberg vergeben und richtet sich an Künstler*innen, die in Deutschland leben und sich mit den zentralen Bildthemen des Museumsgründers Hans Jürgen Kallmann auseinandersetzen: Porträt, Tier und Landschaft.

Das Kallmann-Museum ist als spezialisierte Institution auf diese drei klassischen Motive ausgerichtet und widmet sich der Weiterentwicklung der Figur in der modernen und zeitgenössischen Kunst.

Ziel des Kallmann-Preises

Der seit 2018 vergebene Preis fördert künstlerische Positionen, die das Figurative neu interpretieren und weiterdenken. Neben klassischer Malerei sind auch Zeichnung, Installation, Video und interdisziplinäre Arbeiten zugelassen.

Ein zentrales Merkmal ist die Verbindung von Auszeichnung und Ausstellung: Die Preisträger*innen erhalten nicht nur ein Preisgeld, sondern auch eine Einzelausstellung im Kallmann-Museum, die institutionelle Sichtbarkeit ermöglicht.

Dotierung

Der Kallmann-Preis ist insgesamt mit rund 20.000 Euro dotiert. Diese Summe setzt sich zusammen aus:

ca. 3.000 Euro Preisgeld
ca. 16.000 Euro für Produktion und Realisierung der Ausstellung im Museum

Zusätzlich werden in vielen Jahrgängen auch Positionen der Shortlist in die Ausstellung eingebunden. 

Einordnung: Bedeutung im Kunstkontext

Der Kallmann-Preis wird häufig als wichtiger Förderpreis für figurative Kunst in Deutschland wahrgenommen. Eine präzisere Einordnung zeigt jedoch ein differenziertes Bild:

Der Preis ist kein internationaler Spitzenpreis im Sinne globaler Kunstauszeichnungen

Er steht nicht auf einer Ebene mit großen nationalen oder internationalen Kunstpreisen wie etwa dem Preis der Nationalgalerie oder dem Rubenspreis der Stadt Siegen

Seine Stärke liegt vielmehr in seiner klaren inhaltlichen Profilierung und institutionellen Verankerung

 Damit zählt der Kallmann-Preis zu den profilgebenden Förderpreisen für figurative Gegenwartskunst in Deutschland. Besonders im Bereich der gegenständlichen Kunst bietet er eine wichtige Plattform für Sichtbarkeit und museale Präsentation.

Preisträger*innen des Kallmann-Preises (2018–2025)

Die bisherigen ausgezeichneten Künstler*innen sind:

2025 – Javkhlan Ariunbold (Tier / Mythologie, Malerei und Video)
2024 – Ben Greber (Landschaft, Installation und Video)
2023 – keine Vergabe (bedingt durch Museumsumbau)
2022 – Aneta Kajzer (Porträt, Malerei zwischen Figuration und Abstraktion)
2021 – Chris Bierl (Tierdarstellungen / figürliche Positionen)
2020 – Lena von Goedeke (Landschaft, medienübergreifende Arbeiten)
2019 – Doris Maximiliane Würgert (Porträt, Malerei)
2018 – Yvonne Roeb (Tierdarstellungen, erste Vergabe des Preises)

Bedeutung für die zeitgenössische Kunst

Der Kallmann-Preis hat sich innerhalb weniger Jahre als wichtiger Förderpreis innerhalb der figurativen Kunstszene in Deutschland etabliert. Seine Relevanz liegt weniger in internationaler Strahlkraft als vielmehr in seiner klaren kuratorischen Ausrichtung.

In einem Kunstbetrieb, der stark von konzeptuellen und abstrakten Positionen geprägt ist, setzt der Preis einen bewussten Schwerpunkt auf die Weiterentwicklung der gegenständlichen Bildsprache. Damit bietet er Künstler*innen eine institutionelle Plattform, die sich intensiv mit Mensch, Tier und Natur auseinandersetzen.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausschreibung und zur Bewerbung: https://kallmann-museum.de

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Ein schwimmender Kunstraum zwischen Geschichte und Gegenwart. Die ARTE NOAH des Kunstverein Würzburg ist kein klassischer Ausstellungsraum, sondern ein transformierter Frachter mit industrieller Vergangenheit. Ursprünglich als „MS Iris“ auf französischen Kanälen für den Transport von Kohle und Getreide genutzt, wurde das Schiff nach seiner Stilllegung im Jahr 1992 zu einem mobilen Kunstraum umgebaut.

Heute liegt die ARTE NOAH im Alten Hafen Würzburg, eingebettet in den sogenannten Kulturhafen – direkt neben dem Kulturspeicher Würzburg. Der über 100 Jahre alte Lastkahn fungiert damit als besondere Form eines Ausstellungsraums, in dem sich industrielle Architektur und zeitgenössische Kunst unmittelbar überlagern. Der Kontrast zwischen Stahlkörper, sichtbarer Mechanik und künstlerischer Präsentation ist dabei kein Nebeneffekt, sondern Teil des kuratorischen Konzepts.

Oft wird die ARTE NOAH auch als „Arche für Kunst“ beschrieben – ein Bild, das den Anspruch des Projekts gut fasst: Kunst nicht nur zu zeigen, sondern sie in einem beweglichen, historisch aufgeladenen Raumkontext erfahrbar zu machen.

Open ARTE 2026 und Einblicke in das Galerieschiff

Im Rahmen von Open ARTE 2026 öffnet die ARTE NOAH am 25. und 26. April 2026 jeweils von 11 bis 18 Uhr ihre Türen für Besucher*innen. Dabei geht es nicht nur um aktuelle Kunst, sondern auch um Einblicke in die Geschichte des Schiffes, vergangene Ausstellungen und die Arbeitsweise des Kunstvereins.

Ein besonderer Fokus liegt in diesem Jahr auf der neuen Jahresgabe edition #15 (2026), realisiert von Júlia Lema Barros und René Schäfer. Die Werke entstehen aus dem Originalmaterial der Installation „Submerged Reverie“ (ARTE NOAH 2025) und tragen deren materielle und konzeptuelle Spuren weiter – als Unikate zwischen Erinnerung, Transformation und Resonanz.

Sommerausstellung 2026: Mozartfest trifft Gegenwartskunst

Im Zentrum des aktuellen Open Calls steht die Sommerausstellung vom 10. Juni bis 28. Juni 2026. Sie bietet Raum für bis zu sechs regionale Künstler*innen und ist zugleich Teil des Programms zum Mozartfest Würzburg 2026.

Das Festival steht in diesem Jahr unter dem Titel „Beschworene Schönheit – Idol Mozart“ und öffnet ein thematisches Feld zwischen klassischer Ästhetik und zeitgenössischer Interpretation. Die Ausstellung auf der ARTE NOAH reagiert darauf mit künstlerischen Beiträgen, die sich mit Fragen von Wahrnehmung, Körperlichkeit und Bildproduktion auseinandersetzen.

Die thematischen Bezugspunkte reichen von „Der Goldene Schnitt“ über „Plastikträume“ bis hin zu „Im Angesicht des Digitalen“ und „Risse im Spiegel“. Damit entsteht ein Spannungsfeld zwischen historischer Formensprache und gegenwärtigen Bildwelten – bewusst offen für unterschiedliche künstlerische Perspektiven.

Open Call für 2027 und kontinuierliches Programm

Neben der Sommerausstellung 2026 richtet sich der aktuelle Open Call auch an Künstler*innen für das Programmjahr 2027. Für eine der vier Hauptausstellungen auf dem Galerieschiff können sich Kunstschaffende schriftlich oder digital beim Kunstverein Würzburg bewerben.

Der Kunstverein, der seit über 35 Jahren zeitgenössische Kunst zeigt, betreibt die ARTE NOAH als kontinuierlichen Ausstellungsort. Angesetzt sind etwa vier Ausstellungen pro Jahr sowie ergänzenden Formaten wie Talks, Vermittlungsprogrammen und Veranstaltungen im Kontext des Schiffes.

Bewerbung und Fristen

Für die Sommerausstellung 2026 endet die Bewerbungsfrist am 24. April 2026, für das Jahresprogramm 2027 am 30. April 2026.

Die Bewerbung erfolgt schriftlich oder digital direkt an den Kunstverein Würzburg.

Fazit

Die ARTE NOAH steht exemplarisch für eine Form zeitgenössischer Ausstellungsräume, die sich bewusst von klassischen White-Cube-Strukturen löst. Als schwimmende Galerie verbindet sie industrielle Geschichte, mobile Architektur und aktuelle Kunstproduktion zu einem besonderen Kontext. Der sich ständig zwischen Ort, Bewegung und Ausstellung neu verortet.

Weitere Informationen

Titelbild Quelle: https://www.kunstverein-wuerzburg.de/2026-4/

Mehr über den Kunstverein Würzburg: https://www.kunstverein-wuerzburg.de

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Nicht jede Ausstellung beginnt mit fertigen Werken – manche beginnen mit einer offenen Frage. Der aktuelle Open Call der The Ballery Berlin lädt Künstler*innen dazu ein, sich mit einem ebenso vielschichtigen wie ambivalenten Motiv auseinanderzusetzen: dem Affen.

Unter dem Titel „MONKEY“ entsteht für den Zeitraum September bis Oktober 2026 eine Ausstellung, die den Affen nicht als eindeutiges Symbol versteht, sondern als Projektionsfläche. Zwischen Spiegelbild und Instinkt, zwischen Spiel, Neugier und sozialer Hierarchie öffnet sich ein thematisches Feld, das bewusst offen gehalten ist.

Vom Motiv zur offenen Einladung

Dabei geht es weniger um illustrative Antworten als um künstlerische Positionen, die Reibung erzeugen: Der Affe erscheint hier ebenso als Metapher für Wiederholung, Begehren und Zwang wie für Kontrollverlust und fragile Selbstwahrnehmung. In dieser Lesart berührt der Open Call zentrale Fragen unserer Gegenwart – etwa nach Freiheit und Abhängigkeit oder nach der Spannung zwischen sozialer Nähe und Isolation.

Ein Kunstraum zwischen Ausstellung und Begegnung

Open Calls wie dieser sind längst fester Bestandteil der zeitgenössischen Kunstpraxis. Viele Projekträume, Off-Spaces und Institutionen nutzen sie, um neue Positionen zu entdecken und künstlerische Netzwerke zu erweitern. Interessant ist hier jedoch weniger das Format selbst als der Kontext, in dem es stattfindet.

Die The Ballery Berlin wurde 2014 von Simon Williams gegründet und versteht sich nicht als klassische Galerie, sondern als unabhängiger Kunstraum im Berliner Stadtteil Schöneberg. Als interdisziplinärer Ort verbindet sie Ausstellungen mit Performance, Musik und diskursiven Formaten und schafft Räume für Begegnung, Austausch und künstlerische Entwicklung – häufig abseits des kommerziellen Mainstreams.

Vor diesem Hintergrund erscheint auch der Open Call weniger als reines Auswahlverfahren, sondern vielmehr als Einladung zur Teilhabe. Gesucht werden Arbeiten aus Malerei, Fotografie, Installation, Performance sowie experimentellen Formaten.

Bewerben können sich Künstler*innen in allen Karrierephasen, wobei ein besonderer Fokus auf der Berliner Szene liegt – bei gleichzeitig explizit internationaler Offenheit.

Über die Ausstellung hinaus ist ein begleitendes Programm mit Gesprächen, Performances und gemeinschaftlich initiierten Diskussionen geplant. Damit wird die Ausstellung nicht nur zur Präsentationsfläche, sondern zu einem sozialen Raum, in dem Fragen von Verhalten, Identität und gelebter Erfahrung im Kontext der Stadt verhandelt werden.

Wer sich bewerben möchte, kann eine kurze Vorstellung sowie Arbeitsproben per E-Mail an theballery@gmail.com
, via Instagram oder persönlich vor Ort einreichen.

Der Open Call zeigt exemplarisch, wie sich zeitgenössische Ausstellungsformate verschieben: weg von der reinen Präsentation, hin zu offenen, prozesshaften Strukturen. Für Künstler*innen bietet sich hier nicht nur eine Bühne, sondern die Möglichkeit, Teil eines größeren, kollektiven Dialogs zu werden.

Weitere Informationen

Titelbild: Künstlerin: Rosa Von Praunheim – Quelle Instagram.

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