Figurative Kunst bezeichnet eine zentrale Stilrichtung der bildenden Kunst, in der erkennbare Motive aus der realen Welt dargestellt werden. Dazu zählen insbesondere Menschen, Tiere, Landschaften, Gegenstände oder Szenen aus dem Alltag, die für den Betrachter eindeutig identifizierbar bleiben.

Im Mittelpunkt steht dabei nicht zwingend eine realistische Wiedergabe, sondern die erkennbare Verbindung zur sichtbaren Wirklichkeit. Figurative Kunst kann naturalistisch, stilisiert, expressiv oder symbolisch sein – entscheidend ist, dass ein konkreter Gegenstandsbezug erhalten bleibt.

Figurative Kunst ist kein Medium, sondern ein Prinzip

Wichtig ist: Figurative Kunst ist nicht auf die Malerei beschränkt. Der Begriff beschreibt keine Technik, sondern eine Darstellungsweise.

Figurative Kunst findet sich in vielen künstlerischen Disziplinen, darunter:

Malerei (z. B. Porträts, Landschaften, Stillleben)
Zeichnung (Studien, Skizzen, Illustrationen)
Bildhauerei / Skulptur (menschliche Figuren, plastische Darstellungen)
Druckgrafik (Radierungen, Lithografien)
Fotografie (künstlerische oder dokumentarische Bildgestaltung mit realen Motiven)
Zeitgenössische Mixed Media Kunst (Kombination verschiedener Ausdrucksformen)

Damit beschreibt „figurativ“ nicht das Medium, sondern die Art der Bildsprache.

Abstrakte Figuration – wenn Figur und Abstraktion verschmelzen

Figurative Kunst kann auch abstrakte Elemente enthalten. In diesem Fall spricht man häufig von abstrakter Figuration oder expressiver Figuration.

Dabei bleiben die Motive grundsätzlich erkennbar, werden jedoch bewusst verfremdet:

Formen werden vereinfacht, verzerrt oder fragmentiert
Farben sind nicht realitätsgetreu, sondern emotional oder symbolisch eingesetzt
Perspektiven können gebrochen oder übertrieben dargestellt sein
Details werden reduziert oder nur angedeutet

👉 Entscheidend ist: Das Motiv bleibt identifizierbar, auch wenn es stark abstrahiert ist.

Sobald jedoch kein Bezug zur realen Welt mehr erkennbar ist, handelt es sich nicht mehr um figurative, sondern um rein abstrakte Kunst.

Merkmale der figurativen Kunst

Typische Eigenschaften figurativer Kunst sind:

Darstellung real erkennbarer Objekte oder Figuren
Orientierung an der sichtbaren Welt
große stilistische Bandbreite (von realistisch bis abstrahiert)
häufig emotionale, narrative oder symbolische Bildinhalte
Fokus auf Körper, Raum, Licht und Komposition
Figurative Kunst in der Kunstgeschichte

Die figurative Darstellung gehört zu den ältesten Ausdrucksformen der Menschheit. Bereits in der Höhlenmalerei wurden Tiere und Jagdszenen festgehalten. In der Antike entwickelte sich eine idealisierte Darstellung des menschlichen Körpers, während die Renaissance die realistische Perspektive und Anatomie in den Mittelpunkt stellte.

Auch in der Moderne blieb die figurative Kunst präsent – oft in bewusster Abgrenzung zur Abstraktion. Künstlerinnen und Künstler nutzen figurative Elemente, um Emotionen, gesellschaftliche Themen oder persönliche Sichtweisen auszudrücken.

Abgrenzung: Figurative vs. abstrakte Kunst

Die figurative Kunst steht im direkten Gegensatz zur abstrakten Kunst:

Figurativ: Darstellt erkennbare Objekte der realen Welt
Abstrakt: Verzichten vollständig auf gegenständliche Darstellung

Zwischen diesen Polen existieren jedoch viele Übergänge, insbesondere in der abstrakten Figuration, die beide Ansätze miteinander verbindet.

Bedeutung heute

In der zeitgenössischen Kunst ist figurative Kunst weiterhin sehr präsent. Viele Künstler verbinden klassische Darstellungstechniken mit modernen Bildsprachen, um gesellschaftliche, persönliche oder politische Inhalte sichtbar zu machen.

Damit bleibt figurative Kunst ein zeitloses und vielseitiges Ausdrucksmittel, das sich stetig weiterentwickelt und neu interpretiert wird.

Was ist abstrakte Kunst? – Bedeutung & Merkmale einfach erklärt

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Zeitgenössische Kunst beschreibt nicht einen bestimmten Stil, sondern die Kunst unserer Gegenwart. Sie ist vielseitig, offen und reicht von abstrakten Gemälden bis hin zu digitalen Installationen. Viele Einsteiger verwechseln zeitgenössische Kunst mit einem bestimmten Look – tatsächlich handelt es sich jedoch um einen Zeitbegriff, nicht um eine Stilrichtung.

Bedeutung zeitgenössischer Kunst

Der Begriff „zeitgenössische Kunst“ (englisch: contemporary art) umfasst alle Kunstwerke, die von lebenden oder aktuell arbeitenden Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden.

Einfach gesagt: 👉 Zeitgenössische Kunst ist Kunst, die in unserer heutigen Zeit entsteht.

Sie beschreibt also nicht, wie etwas aussieht, sondern wann es entstanden ist.

Zeitgenössisches Kunstschaffen ist kein Stil

Ein häufiger Irrtum ist, dass zeitgenössische Kunst eine bestimmte Ästhetik hat. In Wirklichkeit kann sie völlig unterschiedlich aussehen:

abstrakt oder gegenständlich
minimalistisch oder detailreich
analog oder digital
emotional, politisch oder konzeptionell

👉 Entscheidend ist nicht die Form, sondern die zeitliche Einordnung.

Merkmale zeitgenössischer Kunst

Auch wenn sie stilistisch offen ist, gibt es typische Eigenschaften:

1. Vielfalt der Medien
Neben klassischer Malerei gehören auch Fotografie, Skulptur, Installation oder digitale Kunst dazu.

2. Experimenteller Ansatz
Viele Künstler arbeiten bewusst mit neuen Techniken, Materialien oder Konzepten.

3. Bezug zur Gegenwart
Oft spiegeln Werke aktuelle gesellschaftliche, kulturelle oder persönliche Themen wider.

4. Individuelle Ausdrucksformen
Die persönliche Handschrift des Künstlers steht im Mittelpunkt.

Welche Themen behandelt zeitgenössische Kunst?

Zeitgenössische Kunst setzt sich häufig mit Fragen unserer Zeit auseinander, zum Beispiel:

Identität und Gesellschaft
Umwelt und Klimawandel
Technologie und Digitalisierung
persönliche Erfahrungen und Emotionen

👉 Sie ist damit oft ein Spiegel der heutigen Lebensrealität.

Beispiele Kunst der Gegenwart

Der Begriff umfasst eine große Bandbreite an Werken, zum Beispiel:

abstrakte Gemälde junger Künstler
digitale NFT-Kunst
konzeptionelle Installationen
Fotokunst mit gesellschaftlichem Bezug
Street Art und urbane Kunstformen

👉 Wichtig: Zeitgenössische Kunst beschreibt kein „wie“, sondern ein „wann“.

Unterschied: moderne vs. zeitgenössische Kunst

Diese beiden Begriffe werden häufig verwechselt, beschreiben aber unterschiedliche Kunstphasen.

Moderne Kunst bezeichnet eine abgeschlossene Kunstepoche des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dazu gehören Stilrichtungen wie Expressionismus, Kubismus oder Surrealismus. Im Mittelpunkt stand damals der Bruch mit klassischen Darstellungsformen und die Entwicklung völlig neuer Bildsprachen.

Zeitgenössische Kunst hingegen beschreibt die Kunst der Gegenwart – also Werke, die von heutigen Künstlerinnen und Künstlern geschaffen werden. Sie ist keine abgeschlossene Epoche, sondern entwickelt sich kontinuierlich weiter.

👉 Kurz gesagt:

Moderne Kunst = historische Kunstepoche (ca. 1900–1960)
Zeitgenössische Kunst = aktuelle Kunstproduktion

👉 Moderne Kunst ist damit zeitlich abgeschlossen, während zeitgenössische Kunst fortlaufend entsteht und sich ständig verändert.

Ist zeitgenössische Kunst automatisch abstrakt?

Nein – und genau hier entsteht oft ein Missverständnis bei Einsteigern.

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern beschreibt die Kunst der Gegenwart. Deshalb kann sie in sehr vielen unterschiedlichen Formen auftreten.

👉 Sie kann abstrakt, figurativ oder realistisch sein – aber auch weit darüber hinausgehen.

Zeitgenössische Kunst kann heute unter anderem sein:

1. Abstrakte Kunst
Arbeitet mit Farbe, Form und Struktur statt mit realen Motiven.

2. Figurative bzw. realistische Kunst
Stellt Menschen, Objekte oder Szenen erkennbar dar.

3. Konzeptionelle Kunst
Hier steht die Idee im Mittelpunkt, nicht unbedingt das fertige Bild.
Oft geht es um gesellschaftliche, politische oder philosophische Fragestellungen.

4. Fotografie & digitale Kunst
Zeitgenössische Kunst nutzt heute auch Kamera, Computer und Software als zentrale Werkzeuge.

5. Installationskunst
Kunstwerke, die den Raum selbst einbeziehen – oft begehbar oder räumlich inszeniert.

6. Performance Art
Der Künstler selbst wird Teil des Werkes, etwa durch Aktionen, Bewegungen oder Inszenierungen.

7. Neue Medien & KI-Kunst
Digitale Prozesse, Algorithmen oder künstliche Intelligenz werden aktiv in den kreativen Prozess eingebunden.

Wichtige Einordnung:

👉 Zeitgenössisch beschreibt die Zeit (heute entstehende Kunst)
👉 Die Form kann dabei völlig unterschiedlich sein – von Malerei bis digitale Installation

Das bedeutet:

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil mit festen Regeln, sondern ein offenes Feld künstlerischer Ausdrucksformen, das sich ständig weiterentwickelt.

Warum ist zeitgenössische Kunst für Einsteiger interessant?

Gerade beim Kunstkauf bietet sie viele Vorteile:

große stilistische Vielfalt
oft noch erschwingliche Preise
direkter Zugang zu jungen Künstlern
Möglichkeit, Entwicklungen früh zu begleiten

👉 Deshalb ist sie ein zentraler Bereich im Einstieg in den Kunstmarkt.

Fazit: Was zeitgenössische Kunst wirklich ist

Zeitgenössische Kunst ist kein Stil, sondern ein Zeitbegriff. Sie umfasst alle aktuellen künstlerischen Ausdrucksformen und ist dadurch besonders vielfältig, offen und dynamisch.

Gerade diese Offenheit macht sie für Einsteiger spannend – und zu einem der wichtigsten Bereiche im heutigen Kunstmarkt.

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Abstrakte Kunst gehört zu den prägendsten Ausdrucksformen der Moderne – und gleichzeitig zu den am häufigsten missverstandenen.

Beim ersten Kontakt entsteht oft die Frage:
„Was soll das eigentlich darstellen?“

Doch genau hier liegt der entscheidende Punkt:
Abstrakte Kunst will nicht abbilden – sie will ausdrücken.

Sie löst sich bewusst von der sichtbaren Realität und eröffnet stattdessen einen Raum für Emotion, Intuition und individuelle Interpretation.

In diesem Artikel erfährst du, was abstrakte Kunst wirklich ausmacht, wie sie entstanden ist, welche Merkmale sie prägen – und warum sie besonders für Einsteiger im Kunstkauf so spannend ist.

Was bedeutet abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst ist eine Kunstform, die bewusst auf realistische oder gegenständliche Darstellung verzichtet. Statt Menschen, Landschaften oder Objekte erkennbar abzubilden, arbeitet sie mit einer eigenständigen visuellen Sprache aus:

Farben
Formen
Linien
Strukturen
Kompositionen

Diese Elemente werden nicht zur Abbildung der Realität genutzt, sondern als eigenständige Ausdrucksmittel verstanden.

👉 Das Ziel ist nicht die Wiedergabe der sichtbaren Welt, sondern der Ausdruck innerer Zustände, Emotionen oder Ideen.

Abstrakte Kunst zeigt also nicht die äußere Realität – sondern eine innere.

Wie ist abstrakte Kunst entstanden?

Die abstrakte Kunst entwickelte sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts als radikale Abkehr von der traditionellen, gegenständlichen Malerei.
Künstler begannen zu hinterfragen, ob Kunst überhaupt etwas „abbilden“ muss, um bedeutungsvoll zu sein – und kamen zu einem neuen Verständnis:

Kunst kann auch dann wirken, wenn sie keine erkennbare Realität darstellt.

Wichtige Wegbereiter dieser Entwicklung waren unter anderem:

Wassily Kandinsky
Piet Mondrian
Kazimir Malevič

Sie experimentierten mit Farbe, Form und Komposition als autonome Ausdrucksmittel – unabhängig von konkreten Motiven.

👉 Damit legten sie den Grundstein für die moderne und zeitgenössische Kunst.

Welche Merkmale hat abstrakte Kunst?

Abstrakte Kunst lässt sich nicht über Motive definieren, sondern über ihre gestalterische Sprache:

1. Keine erkennbare Realität

Es gibt keine klar identifizierbaren Gegenstände oder Figuren.

2. Fokus auf Farbe und Form

Farben und Formen sind keine Dekoration, sondern Träger von Bedeutung, Spannung und Wirkung.

3. Emotion als Ausdrucksmittel

Abstrakte Kunst vermittelt Stimmungen direkt – ohne den Umweg über ein Motiv.

4. Offenheit der Interpretation

Jede Betrachterin und jeder Betrachter kann etwas anderes im Werk erkennen oder empfinden.

👉 Genau diese Offenheit macht abstrakte Kunst so vielseitig und individuell erlebbar.

Warum wirkt abstrakte Kunst so unterschiedlich?

Abstrakte Kunst besitzt keinen festen „Leseschlüssel“. Ihre Wirkung entsteht im Zusammenspiel zwischen Werk und Betrachter.

Ein und dasselbe Bild kann völlig unterschiedlich wahrgenommen werden:

beruhigend oder harmonisch
dynamisch oder aufwühlend
inspirierend oder irritierend
oder scheinbar neutral

Diese Vielfalt ist kein Zufall, sondern ein zentrales Prinzip abstrakter Kunst.

👉 Sie erklärt nicht – sie eröffnet Raum.

Welche Arten abstrakter Kunst gibt es?

Abstrakte Kunst ist kein einheitlicher Stil, sondern ein breites Feld mit unterschiedlichen Ausdrucksformen:

Geometrische Abstraktion

Arbeitet mit klaren Formen wie Linien, Kreisen oder Rechtecken.
👉 Strukturiert, reduziert und oft minimalistisch.

Expressive Abstraktion

Fokus auf Emotion, Bewegung und spontane Pinselgesten.
👉 Kraftvoll, intuitiv und dynamisch.

Farbfeldmalerei

Große, oft ruhige Farbflächen ohne starke Formen.
👉 Die Wirkung entsteht fast ausschließlich über Farbe.

Minimalistische Abstraktion

Reduktion auf das Wesentliche mit sehr wenigen Elementen.
👉 Klar, ruhig und oft meditativ.

Warum ist abstrakte Kunst so beliebt?

Moderne abstrakte Werke zählen heute zu den meistgesammelten und gefragtesten Kunstformen im zeitgenössischen Bereich.

Das liegt vor allem an ihrer Vielseitigkeit:

Sie passt in moderne Wohnräume
Sie lässt sich flexibel kombinieren
Sie wirkt unabhängig von kurzlebigen Trends
Sie spricht emotional statt rein rational an
Sie ist oft auch für Einsteiger zugänglich

👉 Gerade im Bereich Kunstkauf für Einsteiger ist abstrakte Kunst ein idealer Einstieg in die Welt der zeitgenössischen Kunst.

Wie versteht man abstrakte Kunst?

Ein häufiger Irrtum ist, dass abstrakte Kunst „verstanden“ werden muss.

Tatsächlich gilt eher:
Du musst sie nicht verstehen – du musst sie erleben.

Hilfreiche Fragen beim Betrachten sind:

Welche Stimmung entsteht beim ersten Eindruck?
Wie verändert das Werk den Raum?
Welche Farben dominieren?
Welche Bewegung oder Dynamik nehme ich wahr?

👉 Es gibt keine richtige oder falsche Interpretation – nur individuelle Wahrnehmung.

Abstrakte Kunst kaufen – worauf sollte man achten?

Gerade für Einsteiger im Kunstkauf ist abstrakte Kunst besonders zugänglich. Dennoch gibt es einige wichtige Aspekte:

Emotionale Wirkung vor rationaler Bewertung
Größe im Verhältnis zum Raum bedenken
Farbwirkung im eigenen Licht prüfen
Stilrichtung des Künstlers vergleichen
Original und Edition unterscheiden

👉 Entscheidend ist nicht, was ein Werk „darstellt“, sondern wie es auf dich wirkt.

Ist abstrakte Kunst nur Dekoration?

Nein. Auch wenn abstrakte Werke oft dekorativ wirken, sind sie in der Regel das Ergebnis eines bewussten künstlerischen Prozesses.

Viele Arbeiten basieren auf:

persönlichen Erfahrungen
emotionalen Zuständen
gesellschaftlichen Themen
oder formalen Experimenten

👉 Die Wirkung ist sichtbar – die Bedeutung oft vielschichtig und nicht sofort greifbar.

Fazit: Was ist abstrakte Kunst wirklich?

Ungegenständliche Kunst ist weit mehr als eine Stilrichtung der Moderne – sie ist eine eigenständige visuelle Sprache jenseits der Gegenständlichkeit.

Sie reduziert das Sichtbare, um das Unsichtbare erfahrbar zu machen: Emotion, Spannung, Ruhe und Bewegung.

Gerade diese Offenheit macht sie sowohl für Einsteiger als auch für erfahrene Sammler besonders spannend.

👉 Kurz gesagt: Abstrakte Kunst zeigt nicht, was die Welt ist – sondern wie sie sich anfühlen kann.

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Nina Florence Juncker lebt und arbeitet vor den Toren Berlins. Die Künstlerin liebt Farben, Formen und Muster. Diese immer wieder neu zu kombinieren ist ihre Leidenschaft. So sind bis heute schon über 2000 Motive entstanden. Gerne verarbeitet sie auch eigene Fotografien, selbstgemalte Ornamente und Kollagen. Seit Anfang des Jahres 2023 ist sie regelmäßig bei online Ausstellungen vertreten. Vor Kurzem war die Künstlerin mit 2 Werken bei einer Auktion in Wien vertreten und auch in der  Nicoleta Gallery Berlin präsent.

Am 25.05 und 26.05.2024 findet in der Galerie Alexine Good, Rhinower Str. 10, 10437 Berlin eine kleine Ausstellung der aufstrebenden Künstlerin statt. Neben einem umfangreichen Rahmenprogramm bietet NFJ am Sonntag auch einen Workshop an, um sich mit ausgewählten Teilnehmern dem Thema „Drucken ohne Drucker“ zu widmen.

8 Teilnehmer haben die Möglichkeit aus nächster Nähe zu sehen und zu lernen, wie die Künstlerin arbeitet und wie viele Möglichkeiten in einer einzigen Folie stecken. Auch ohne Drucker. Die Kosten für Teilnehmer liegen bei 20€ inklusive. Material, Getränk und Snacks. Der Workshop findet am 26.05. von 11:00 Uhr bis 12:30 Uhr statt. Im Anschluss ist die Ausstellung noch bis 18:00 Uhr geöffnet.

Obwohl sich die Künstlerin viel mit Technik, Drucken und digitalen Medien auseinandersetzt, werden im Rahmen der Ausstellung ausschließlich originale und Unikate gezeigt und auch zum Kauf angeboten. Von Verkäufen möchte die Künstlerin einen Anteil reinvestieren und ein Parkinson Projekt zum Thema Kunst realisieren – so möchte Nina Juncker ihren Workshop Parkinson Patienten kostenlos zur Verfügung stellen können.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Nina Juncker im Interview – Vielseitige Kunstwerke aus Berlin – Arttrado.de

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Mumienbraun war ein überwältigendes, tiefbraunes Pigment. Die Farbe wurde von Künstlern bereits seit der Mitte des 16. Jahrhunderts verwendet – besonders in der Ölmalerei fand es seine Anwendung. In altmeisterlichen Techniken wurde es lasierend bis deckend verwendet und war aufgrund seiner Eigenschaften auch für Schattierung sehr beliebt.

Mumienbraun war keine gewöhnliche Pigmentmischung. Ihr Ursprung liegt in der Verwendung von gemahlenen ägyptischen Mumien – eine Praxis, die im Laufe der Jahrhunderte in der europäischen Kunst entstand und sich verbreitete. Diese Mumienreste, hauptsächlich von Menschen, Tieren und sogar Katzen – die als Heilig galten – , wurden aus ägyptischen Gräbern importiert und zu einem feinen Pulver verarbeitet.

Der warme, bräunlich-rote Farbton von Mumienbraun/Mumia fand seinen Platz auf den Paletten einiger renommierter Künstler. Es ist zwar schwierig, spezifische Werke zu identifizieren, in denen Mumienbraun verwendet wurde, da viele Gemälde im Laufe der Jahrhunderte auch restauriert wurden und die genaue Verwendung von Pigmenten oft schwer nachvollziehbar ist. Es wird jedoch angenommen, dass einige Künstler im 18. und 19. Jahrhundert, darunter auch bekannte Namen wie William Turner oder Eugene Delacroix Mumienbraun in ihren Gemälden verwendet haben.

Makaber, wenn man bedenkt, das sich an Kunstwerken wie „Die Freiheit führt das Volk“ von Eugene Delacroix im Louvre in Paris jährlich Hunderttausende – wenn nicht sogar Millionen Besucher erfreuen.

Die Verwendung dieser Farbe war jedoch nicht ohne Kontroverse. Ethik spielte eine immer größere Rolle, als die viktorianische Ära Fortschritte machte. Die Idee, Pigmente aus menschlichen Überresten zu gewinnen, rief zunehmend Bedenken hervor, und viele Künstler wandten sich aus Respekt vor den Toten von der Farbe Mumienbraun ab.

Auch die Gesundheitsrisiken trugen zur Abkehr von dieser Praxis bei. Es wurde festgestellt, dass das Einatmen von „Mummy-Brown“-Pulver gesundheitsschädlich sein könnte, was die Verwendung dieser Farbe weiter zurückdrängte.

Wussten die Künstler, mit was sie da malten?

Ob und wie weit, die Künstler selbst wussten, womit sie da malten, lässt sich nur wage vermuten. Bis 1933 konnte man Mumienbraun beispielsweise im Katalog von C Roberson und Co. finden – damals einer der Marktführer für Künstlerfarben in ganz Europa. Und auch heute, auch wenn zum Glück nicht mehr die Überreste von Toten Menschen oder Tieren verwendet werden, finden sich bei einigen Verkäufern von Farben rund um den Globus noch Farbtuben mit Namen wie „Transparent Mummy“ – die wenigsten werden wissen, wo diese Farbtöne ihre Wurzeln haben.

Mumienbraun heute?

Heutzutage ist Mumienbraun nicht mehr in der Kunstwelt präsent. Die Verwendung von Mumienbraun ist heute höchst unwahrscheinlich und wäre mit Sicherheit, – zu mindestens in den meisten Teilen der Welt –  auch illegal. Die ethischen und gesundheitlichen Bedenken, die im 19. Jahrhundert zu einem Rückgang der Verwendung führten, gelten auch immer noch und auch die Nutzung von menschlichen Überresten zu künstlerischen Zwecken wird heute in den meisten Ländern als respektlos und ethisch unvertretbar betrachtet.

Darüber hinaus könnten Gesundheitsvorschriften und Umweltauflagen die Verwendung von Materialien, die potenziell gefährliche Substanzen enthalten, verbieten. Moderne Kunstmaterialien werden nach strengen Sicherheitsstandards hergestellt, und die Verwendung von historisch kontroversen oder problematischen Substanzen wie Mumienbraun würde diesen Standards wahrscheinlich nicht entsprechen.

Die obskure Geschichte dieser Farbe dient als Mahnung an die sich ändernden ethischen Standards in der Kunst und die komplexen Beziehungen zwischen Kreativität und sozialen Werten. Obwohl Mumienbraun einst auf den Leinwänden der Meister zu finden war, bleibt es nun als kurioses Kapitel in der Farbgeschichte erhalten, ein faszinierendes Rätsel, das die Dunkelheit vergangener Pinselstriche enthüllt.

In jedem Fall ist es wichtig, sich an die aktuellen Gesetze und Standards zu halten und Materialien zu verwenden, die ethisch und gesundheitlich unbedenklich sind.

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Kinder malen gerne, um sich auszudrücken. In jüngeren Jahren ist das Bild ein Medium, durch das sich Kinder spielerisch mitteilen bevor sie schreiben können. Nadja Wende bietet Kunsttherapie hauptsächlich als Einzeltherapie an, um besser auf ihre Patienten eingehen zu können. Bei entsprechender Indikation sind aber auch Gruppentherapien möglich.

Kunst als Therapie

Wie in jeder Therapie muss zunächst eine vertrauensvolle Beziehung zwischen Therapeut und Patient aufgebaut werden (in diesem Text sind mit der männlichen Form durchgehend alle Personen gemeint, unabhängig von ihrem Geschlecht). Eine gute Beziehung trägt maßgeblich zu einem erfolgreichen Therapieverlauf bei.

Als Therapeutin arbeitet Nadja Wende daran, ihre Patienten anzuregen, die eigenen Darstellungen nicht vorschnell zu bewerten, und den Patienten bei persönlichen Konflikten zu ermutigen und zu unterstützen. Die Therapeutin ist ein offener Gesprächspartner bei der Suche nach Lösungen und gibt auch begleitende und passende Impulse.

Kunsttherapie bietet eine Vielzahl an unterschiedlichen Methoden, Ansätzen und Techniken mit denen gearbeitet werden kann. So wird beispielsweise nicht nur mit Stift und Papier oder anderen Farben, also malerisch gearbeitet, sondern auch mit plastisch-skulpturalen Techniken und Materialien wie Ton oder mit Fotografie.

In der Praxis nw-atelier liegt der Fokus auf den Gestaltungsformen der bildnerischen Kunsttherapie. Es können aber auch Methoden aus den anderen Sparten der kreativen Therapien angewendet werden, wenn es sinnvoll erscheint, da Nadja Wende in der Grundausbildung am campus naturalis auch Tanztherapie, Musiktherapie, Theatertherapie und Psychodrama kennengelernt hat.

Durch den nonverbalen Ausdruck der persönlichen Gefühle empfinden viele Menschen die Kunsttherapie als eine angenehme Therapieform, da sie nicht von Beginn an gezwungen sind, ihre Anliegen oder Probleme zu versprachlichen. Insbesondere Kinder sind in der Regel offen für den Umgang mit verschiedenen Farben und anderen Werkmaterialien wie z. B. Ton oder Papier. Durch die Neugier, Neues auszuprobieren, versinken sie völlig in der jeweiligen Tätigkeit. Dies hilft sehr, unbewusst unterdrückte oder aus anderen Gründen bisher unerkannte Gefühle, belastende Gedanken oder Traumata durch die Kunst sichtbar zu machen.

Im Einzelgespräch erforscht Nadja Wende als Therapeutin die Bedeutung des Werkes.  Indem sie das Kind mit der offenen Fragetechnik nach seinen Gefühlen befragt: Welche Gefühle oder Gedanken sind während des Schaffens aufgetreten? Was gefällt an dem Kunstwerk? Was möchte der Patient verändern? Der Patient kann dadurch tief in seine Innenwelt eintauchen, seine Perspektive erweitern und neue Anregungen erhalten.

Um neue Bewältigungsmöglichkeiten zu finden, dient dem Kunsttherapeuten nicht nur das Gespräch, sondern auch die Arbeit mit Kunstwerken. Oft empfinden die Patienten bereits die Möglichkeit, sich in Farbe und Form ausdrücken zu können, als Entlastung.

In jedem Werk stecken nicht nur Probleme, sondern auch Möglichkeiten des Fortschrittes und der Lösung. Diese im therapeutischen Gespräch herauszuarbeiten, ist die Kunst der Kunsttherapie. Eine erste Veränderung kann der Patient bereits in den Bildern oder Plastiken umsetzen. Er kann beispielsweise Änderungen an seinem Werk vornehmen. Farben und Formen verändern, etwas hinzufügen, anderes wegnehmen und in einen neuen Kontext setzen.

Bei den Übungen schöpft die Kunsttherapeutin Nadja Wende aus einer in der Selbsterfahrung, den Ausbildungen sowie Weiterbildungen erlernten Methoden- und Themenvielfalt und sucht jeweils die passende Herangehensweise heraus. Dazu macht sie in der Erstsitzung mit den Eltern eine Anamnese oder ein Problemerkennungsgespräch. Schon jetzt setzt Frau Wende kreative Methoden ein und lässt das Kind z. B. seinen Helden oder einen Steckbrief malen, um es besser kennenzulernen.

In der nw-atelier Kunsttherapiepraxis für Kinder bedient sich die Kunsttherapeutin altersentsprechend verschiedenster Techniken, der Malerei, der Bildhauerei/Skulptur, der Grafik, dem Zeichnen, dem Malen nach Musik, der Sprache in Form von Geschichten, Märchen und Gedichten, dem Töpfern mit Ton und den Techniken der Collagen.

Das Kind kann dabei neue Fähigkeiten entwickeln, Lösungen für Probleme finden und eigene Ressourcen entdecken. Die Kunsttherapie soll die Selbstheilungskräfte stärken und psychische Veränderungen anstoßen. Sie wird in der Kunsttherapiepraxis nw-atelier als Einzeltherapie angewendet. Sollte es innerhalb der Familie zu Konflikten kommen, kann es sinnvoll sein, die Kunsttherapie als Gruppentherapie innerhalb der Familie anzubieten, denn dann geht es auch um die soziale Interaktion in dem konkreten familiären Umfeld.

Der Gestaltungsprozess ist dabei im therapeutischen Sinne wichtiger als das fertige Werk.

Kann ich eine Kunsttherapie über die Krankenkasse abrechnen?

Auch wenn Kunsttherapie in Deutschland ambulant nicht als Psychotherapieformat gesetzlich abgerechnet werden kann, gibt es einige private Krankenkassen oder auch Zusatzversicherungen, die einen Teil der Kosten übernehmen. Das wird meist als psychotherapeutische Heilpraktikerleistung abgerechnet.

Kunsttherapeutin Nadja Wende

Dass Kunst innere Gefühle sichtbar machen kann, hat Nadja Wende zum ersten Mal bei der kreativen Arbeit mit Ton zum Thema Menschen am Flughafen im Jahr 1992 entdeckt. Als sie damals im Leistungskurs Kunst für den neuen Münchner Flughafen eine Ausstellung mit Tonfiguren zum Thema „Menschen am Flughafen“ vorbereiteten. Seitdem beschäftigt sich Nadja Wende damit, welche künstlerischen Gestaltungsformen für verschiedene Situationen therapeutisch geeignet sind.

Nadja Wende hat die Ausbildung zur Kunsttherapeutin an der campus naturalis Akademie in Berlin gemacht. Um sich auf Kinder als Zielgruppe zu spezialisieren, hat sie eine Kunsttherapie-Weiterbildung am DIL Berlin absolviert. Damit sie die Kunsttherapiepraxis eröffnen kann, hat Nadja Wende die Heilpraktikerprüfung beschränkt auf das Gebiet der Psychotherapie am Gesundheitsamt bestanden und sich mit der Kunsttherapiepraxis nw-atelier beim Gesundheitsamt in München angemeldet.

Ihre Kunsttherapie-Ausbildung an der campus naturalis Akademie Berlin war hauptsächlich tiefenpsychologisch orientiert nach den Lehren von C.G. Jung. Inhalte des Studiums an der campus naturalis Akademie waren zum einen kunstgeschichtliche, psychologische und psychotherapeutische also theoretische Inhalte, jedoch auch viele praktische Beispiele und praktische Arbeiten, welche häufig als Selbsterfahrung angefertigt werden mussten. Praktika und selbst angeleitete Kunsttherapiestunden gehörten ebenfalls zur Ausbildung.

Die Zusatzausbildung am DIL als Kunsttherapeut für Kinder und Jugendliche ergänzte die Methodenvielfalt um kindgerechte Methoden aus mehreren verschiedenen psychotherapeutischen Ansätzen, unter anderem den systemischen Therapieansätzen sowie den verhaltenstherapeutischen Methoden.

Mit der Zusatzausbildung Trauerarbeit in der Kunsttherapie an der Paracelsus Schule Osnabrück hat sich Nadja Wende zusätzlich auf Trauerfälle in der Familie spezialisiert, um Kindern Hilfe anzubieten, deren Eltern in der Trauer verständlicherweise mit sich selbst bzw. Formalitäten beschäftigt sind und die die Kinder nicht unnötig zusätzlich belasten wollen. Kinder trauern anders als Erwachsene, darauf geht die Kunsttherapeutin Nadja Wende speziell ein.

Weitere Informationen

Mehr über Nadja Wende und die Kunsttherapie: nw-atelier.de

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Diese Woche möchten wir die Aufmerksamkeit auf ein neues Kunstwerk von Swetlana Becker richten. Das Kunstwerk trägt den Titel „Salome“ und entstand 2023, gehört also zu den neuesten Arbeiten der Aachner Künstlerin. Die Leinwand misst 50cm * 50cm. Gefertigt wurde das minimalistische Kunstwerk mit einer Basrelief-Spritztechnik aus einer Zusammensetzung mit Strukturpaste und Acrylfarbe auf Leinwand. Das letzte Werk der Woche von Melanie Petschke aka. Melliculus können Sie hier noch einmal nachlesen.

 

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Swetlana Becker

Swetlana Becker ist eine Künstlerin aus Aachen, 41 Jahren alt und erst seit Kurzem hauptberuflich als Künstlerin tätig. Bis Ende 2022 war Becker als Büromanagerin angestellt. Die Malerei hat sich wie ein roter Faden schon immer durch ihr Leben gezogen, so hat die immer neben ihren Familienphasen und dem Beruf gemalt. Auftragsporträts oder Leinwände bis hin zu Wandmalereien finden sich in ihrem Portfolio. Mittlerweile beläuft sich ihre Erfahrung mit dem Pinsel in der Hand auf über 18 Jahre und der Ruf nach mehr ließ sich nicht mehr überhören. Neben dem Kreieren eigener Gemälde bietet Becker Kurse im Videoformat an.

Ausstellungen mit Beteiligung der Künstlerin befinden sich in Planung. Wenn Sie keine Gelegenheit verpassen möchten, die Werke von Swetlana Becker in natura betrachten zu können, sollten Sie den Instagram-Kanal der Künstlerin im Blick behalten.

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Das Buch beeindruckt nicht nur thematisch und durch seine Fotoauswahl, sondern auch durch den Samteinband in Fuchsia und die hochwertige Goldschrift. Ob als Handelsausgabe, Special Edition mit Grafik (180 Exemplare) oder Collector‘s Editionmit Original-Kohlezeichnung (25 Exemplare) – Fans und Kunstinteressierte können die expressive Kunst des 24-jährigen Künstlers in den eigenen vier Wänden erleben.

Dabei geht es um Fragen wie: Was treibt Leon Löwentraut an? Wer hat ihn beeinflusst? Was steckt hinter seiner Kunst?

Neben diesen Sujets widmet sich das Buch ebenfalls zeitgenössischen Kunstthemen. Wie fühlt es sich an, in unserer digitalen Zeit Künstler zu sein, und welchen Stellenwert nimmt klassisch entstandene Kunst in einer globalen und vom Internet und den sozialen Medien dominierten Welt ein?

Denn heute ist ein Kunstwerk einfacher denn je reproduzierbar, kann ein Künstler ganz anders in Beziehung zu seinen Fans und Käufern treten als noch vor zehn Jahren. Er ist in gewisser Weise öffentlich.

Wer sich die Verlags-App herunterlädt und die zwölf entsprechend markierten Seiten mit der Smartphone-Kamera abscannt, erhält Zugang zu exklusivem Videomaterial: Sequenzen im Atelier, Leon Löwentraut im Gespräch über Kunst und die Kunstwelt, besondere Ausstellungsmomente sowie Filmausschnitte, die bei der Produktion des Buches entstanden sind.

Leon Löwentraut

Leon Löwentraut, geboren 1998 in Kaiserslautern, zählt schon jetzt zu den gefragtesten Künstlern seiner Zeit. Mit expressiven, farbintensiven und unverwechselbaren Bildern und spektakulären Ausstellungseröffnungen hat er die internationale Kunstszene überrascht. Zu sehen waren seine Werke bereits u. a. im Kunstforum Wien, im Palazzo Medici Riccardi in Florenz, in der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, im Bayerischen Nationalmuseum in München, im Osthaus Museum in Hagen, im Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie u.a. in Galerien in New York, London, Kopenhagen und Singapur.

Er ist das Gesicht einer jungen Künstlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht. Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren).

Löwentraut betont: „Für mich bedeutet Kunst Freiheit!“ Sein Ziel: „Künstlerisch die Grenzen der Zeit überwinden.“

Leon Löwentrauts nächste Ausstellung findet ab dem 8. September 2022 in der Gerhardt Braun Gallery in Madrid statt. Auch dort wird das Gemeinschaftsprojekt „Volar“ präsentiert.

Mehr über den Künstler finden Sie hier: https://www.leonloewentraut.de/

Leon Löwentraut über sein Werk

“Ich bin stolz und glücklich, das erste Buch über mich und meine Kunst präsentieren zu dürfen”, betont Leon Löwentraut und ergänzt: “Das Verlagsteam und ich haben viel Zeit, Energie und Herzblut in dieses Projekt investiert. Mit dem Ergebnis sind wir alle mehr als zufrieden.”

Am Mittwoch, dem 19. Oktober 2022 stellt der teNeues Verlag das aufwendig gestaltete Kunstbuch auf der Frankfurter Buchmesse von 14.00 bis 15.00 Uhr in Anwesenheit des Künstlers Leon Löwentraut offiziell vor.

 

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Albrecht Behmel

Albrecht Behmel hat nach seinem Studium (Kunstgeschichte, Philosophie und Geschichte) in Heidelberg und Berlin u. a. für ARD, Deutschlandfunk, ProSiebenSat.1, SWR, SR und die BBC geschrieben und zahlreiche Bücher veröffentlicht. Er ist Preisträger der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste und stellt als Bildender Künstler Werke international aus.

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Titelbild: Der im teNeues Verlag erschienene Bildband „Leon Löwentraut“, Fotograf: Tobias Becker

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Anja Semling ist bildende Künstlerin und Grafikdesignerin. Als gelernte Graphikerin konnte Semling ihre graphischen Kenntnisse jahrelang in zahlreichen sowie vielfältigen Auftragsarbeiten für Print- und Non-Printmedien einbringen. Hauptsächlich konzentrierte Anja Semling sich dabei auf Logos, Bücher, Corporate Design, klassische Printmedien sowie Illustrationen & Internetgraphiken.

Seit 2012 widmet sich die Künstlerin verstärkt der Malerei mit Acrylfarben bevorzugt auf Keilrahmen. Zu ihrem Spektrum gehören seit 2019 Spachteltechniken sowie Acrylic-Pouring, die sog. Fließtechnik. Im illustrativen Bereich ist Semling mit vielen weiteren Techniken versiert. Einen Einblick in ihre Arbeiten finden Sie hier: Werk der Woche #40 – Totengesang.

Zuletzt stellte Anja Semling in Frankreich aus;  Tour des beaux arts-  Ausstellung im Festungsbau Vauban.

Ein Interview mit der Künstlerin finden Sie hier: Interview mit der elefantastischen Künstlerin

Die Malerei im alten Ägypten – Ein Gastbeitrag von Anja Semling:

Die Bilderwelt des alten Ägypten ist einzigartig in der Kunstgeschichte des Abendlandes, keine vergleichbare Hochkultur hat solch ein immenses Bildrepertoire hervorgebracht und umgesetzt, über einen Zeitraum der mehr als drei Jahrtausende währte. Die alten Ägypter bedienten sich ihrer visuellen Kommunikation mit den Göttern und Lebenden sowie Toten, mittels malerischen Darstellungen ihrer realen und imaginären Lebenswelten.

Traditionsbewußte aber auch innovative bildhafte Darstellungen, reich an Farbenpracht, prägen die ägyptischen Wandmalereien; wechselseitig ergänzen und bereichern sich Bild und Schrift – die Hieroglyphen. Vielfach heute noch zu bestaunen in Königs- und Privatgräbern sowie an Tempelbauten.

Die alten Ägypter entwickelten schon früh einen Kanon ihrer vielseitigen Malereien, der über die Jahrtausende anhielt. Seit der prädynastischen Zeit (um 4000 bis 3000 v.Chr.), bildeten die Künstler die Natur mit bereits ausgemalten Zeichnungen ab. Die vollständig, mit gemalten Szenen zu Alltag und Jenseits, bedeckten Grabwände bezeugen wie die Ägypter eine Perfektion auf diesem Gebiet erreicht hatten. Die ägyptische Malerei besitzt ihre eigenen Normen, die seit dem Ursprung des Alten Reiches (um 2750–2130 v.Chr.) festgelegt waren. Sie waren von religiösen, sozialen und ästhetischen Überlegungen geprägt.

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch,

Die altägyptische Malerei ist aspektivisch, was sich insbesondere in Personendarstellungen ausdrückt. Die Personen wurden im Allgemeinen im Profil dargestellt, wenn sie nach rechts gerichtet waren, konnten sie lediglich den linken Arm und den linken Fuß nach vorn strecken. Dafür gab es einen ästhetischen Grund, und zwar, dass im gegenteiligen Fall die Linien des Körpers sich kreuzen und damit der Harmonie der Zeichnung schaden würden. Vorderansichten in der ägyptischen Malerei sind äußerst selten anzutreffen!

Die ägyptische Kunst besaß religiösen Charakter, und die in Gräbern abgebildeten Personen, waren nicht reine Dekorationen, sondern waren Wesen, die magisch lebendig wurden. Eben dadurch dass sie auf malerische Art dargestellt wurden. Je größer eine Person dargestellt wurde, desto wichtiger war sie.

Gesichter und Körper stellte man in der Position dar, die sie am besten charakterisierten: das Auge von vorne, den Kopf im Profil, die Hände ausgestreckt von ihrer Außenseite, die Füße im Profil. Auffallend an der ägyptischen Malerei: die Lebendigkeit, die reiche Farbigkeit und die flächigen Formen, die dem Ganzen einen individuellen Malstil anhaften. Hieroglyphen, die Schrift der alten Ägypter wurden aus-oder angemalt, farbig oder schwarzweiß.

Insbesondere auf Papyri wurden die Hieroglyphen „aufgemalt“, oder besser: geschrieben, denn die alten Ägypter hatten ihr eigenes komplexes Schriftsystem. Aber je nach Schriftträger und Material, wurde die Schrift gemalt auf Kalkputz, Papyri, Holz, oder gemeißelt in Stein und dann ausgemalt!

Farben

Altägyptische Bezeichnungen

Wadj; bezeichnet im weiteren Sinne den Lebensraum Wasser. Die Vegetation (Grün) mit eingeschlossen, denn das Wasser bringt ja erst die Vegetation hervor.

Kem; Das Fruchtland, das jedes Jahr unter dem Nil versank, insofern umfasst der Begriff Kem alle Schattierungen des Erdbodens, also auch Braun, Grau, usw. Dominiert wird Kem aber von Schwarz. Kem ist somit lebensspendend und lebendig.

Kek; charakterisiert die Finsternis, das Gegenteil von Hedj (Helligkeit). Kek ist unbelebt und vage.

Descher;  verweist auf die Wüste und bezeichnet die diversen Facetten des Sandes am Tage. Die wesentliche Komponente dieser Farbe ist allerdings Rot, z.B. Sonnenuntergang.

Hedj; benennt das Sonnenlicht und im übertragenen Sinne alles Glänzende (z.B. Silber). Hedj bedeutet Helligkeit. Hedj muss als eine Art Nichtfarbe angesehen werden. Das Gegenteil von Kek, die Finsternis, ist Hedj.

Das Schwarz bestand weitgehend aus Ruß (wurde teils von den Kochtöpfen abgekratzt), das Weiß von dem Kalk, das Blau vom Lapislazuli, das Grün vom Malachit und das Rot dagegen aus Ocker, einem Mineral, das in großen Klumpen in den ägyptischen Wüstengebieten gefunden wurde und von gelber, oranger, roter oder brauner Farbe sein konnte.

Die Mischungen dieser Farben ergab eine reiche Farbpalette. Mit den Farben wurden Grabwände, Reliefs, Tempelmauern, Säulen, die reliefierten Hieroglyphen auf Mauern und Architekturteilen der Tempel sowie die Mauern der Paläste und Adligenhäusern, bemalt. Sowie auf Holz wurde gemalt, z.B. die Sarkophage und Särge. Selbstverständlich auch auf den Beschreibstoff Papyri malten die Ägypter, insbesondere ihre Totenbuch-Illustrationen.

Schwarz – kek und kem

Für die Ägypter existierten zwei Arten von Schwarz, nämlich ein unbestimmtes Schwarz, das Leere ausdrückt und zum Bereich der Finsternis (kek) gehört und ein klares Schwarz, das zur Wiedergabe greifbarer Dinge verwandt wurde und dem Bedeutungsfeld des Lebendigen (kem) zugeordnet ist.

Symbolik der Farben

Anfangs verwendete man nur die vier Grundfarben, später erst mischte man sie hell oder dunkel und fand Zwischentöne. Die Farben wurden stets symbolträchtig angewendet: Blau für Amun = Himmelsgott, Grün für Osiris als Jüngling, Schwarz, wenn er den Totengott verkörperte, Rot für Seth und überhaupt für böse, schlecht, hinterhältig und für alles Störrische, also auch für Bilder von Eseln oder Hunden oder auch für die Fehler, die der Schreiber Rot notierte. Rot oder Gelb für Unsterblichkeit dekorierte man gern die Gräber, Gelb (=> suggerierte Goldfarben) war auch beliebt für Hintergründe bei Szenen zum Totenbuch. Nachgewiesen werden konnte, dass Rosa als eigenständige Farbe benutzt wurde ab dem Neuen Reich; Rosa setzten die Maler beispielsweise für transparente Kleidung ein.

Herstellung der Farben

Die Farbpigmente wurden zu Puder vermahlen, mit Harz und Wasser angerührt und anschließend in Tablettenform getrocknet und auf die Palette des Schreibzeugs gesetzt. Ersatztabletten zum Nachfüllen lagen immer bereit. Gemalt wurde mit Wasserfarben.

Die ägyptischen Künstler nahmen Pinsel, Bürstchen, Wassergefäße und Scherben die zur Zubereitung der Farben dienten, zur Hilfe.

Gestaltungsprinzipien in der ägyptischen Kunst;

zweidimensionale Darstellungen und die Tatsache, dass die alten Ägypter eine räumlich-zeitliche Perspektive umsetzten, vier Dimensionen in eine einzige Bildfläche, die sich schon ab den frühesten Epochen findet. Die Unterteilung von Bildflächen in Register oder die typischen Kompositionen. Am verbreitetsten und zugleich die charakteristischste Ausdrucksform in der ägyptischen Malerei war der flächige Farbauftrag.

Schon im Alten Reich wurden die Gräber mit Malereien dekoriert, mit Bildprogrammen die Szenen aus dem Alltag wie Jagd, Fischfang oder Ernte zeigen. Den Ägyptern, denen eine gewisse Kontinuität in der Ausführung ihrer
künstlerisch-malerischen Werken anhaftet ist kaum zu übersehen, doch es gab viele Entwicklungen oder Veränderungen, sowohl in der Farbgebung als auch bei den Formen und Bildthemen. Vieles auch in idealisierter Darstellung.

Schlusswort

Die Farben des alten Ägypten auf Wandmalereien, strahlen noch heute! Sie  haben eine große Anziehungskraft auf die Menschen, die sie bestaunen. Wenn man bedenkt, dass diese Farbenpracht viele Jahrtausende im Dunkel verborgen war, so ist es ein kleines Wunder, sie heute wieder zu erblicken. Noch sind nicht alle wiederentdeckt, die Malereien in Gräbern der Könige und Adligen. Natürlich finden auch Restaurationen der Wandgemälde statt, um sie zu erhalten.

Buchtipp: Ägyptische Wandmalerei

Der Text-/Bildband der von etwa 3500 bis 1000 v.Chr. durch die ägyptische Malerei führt, beleuchtet die Ursprünge, Entwicklungen und Veränderungen sowie die ägyptischen Malereien an sich, anhand vielfältiger Beispiele. Zum Verständnis dieser Bereiche sind im ersten Teil des Werkes die Themen: Gestaltungsprinzipien, Chromatik und Farbsymbolik ausführlich erklärt; des Weiteren die Maltechniken. Mit diesen Themenbereichen bietet der Text-Bildband einen in die Tiefe gehenden Einblick in das künstlerische Schaffen.

Rezension des Buches: http://buch.mein- altaegypten.de/Geschichte+Kultur/2_GK-Wandmalerei.html

Weitere Informationen

Homepage über das alte Ägypten, von Anja Semling: www.mein-altaegypten.de

Mehr über das künstlerische Schaffen von Semling: www.viskom-semling.de

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Stan Bert Singer wurde 1966 in Niederösterreich als Christian Hubert Freisinger geboren. Er malt seit Kindertagen, so dürfte sein erstes (Selbst)-Porträt mit ca. 10 Jahren entstanden sein. Bereits dieses frühe Werk zeigt Singers Detailbesessenheit. Er studierte Architektur, während der Studienzeit lernte er Malerei und Zeichentechnik unter Professor Göschl – inklusive Studienreise zur Aquarellmalerei nach Venedig.

Zusätzlich genoss Stan Bert Singer eine Ausbildung in plastischer Formgebung. Aber erst relativ spät, um 1991 begann er selbst ernsthaft mit der Malerei. Aufgrund der autodidaktischen Herangehensweise versuchte er sich in verschiedenen Stilen und Ausdrucksmöglichkeiten. Seit 2005 sieht er sich der klassischen Malerei verpflichtet.

Es folgten Ausstellung in Österreich, Italien sowie in den USA. Sein jüngstes Projekt, „Moderne Madonnen“ – unser Anlass das Gespräch mit dem Künstler zu suchen. Dieser war so freundlich unsere Fragen zu beantworten.

Stan Bert Singer im Interview

Ein leichter Einstieg, wo sind Sie grade, wie geht es ihnen und wodran arbeiten Sie aktuell?

Im Moment befinde ich mich in Wien – abgesehen von der politischen überbordenden Coronasituation in Österreich geht es mir sehr gut. Ich bin gesund und arbeite gerade an drei Projekten. Ein Projekt nennt sich „Moderne Madonnen“,das zweite hat den Arbeitstitel: „Mythologie und Eros 21Punkt Null“ und im Projekt Nr. 3 geht es um „den Heilsbringer“

Eines davon ist der Anlass für unser Gespräch. Mit Dieter Hanf haben Sie das Frauenbild der Heiligen Maria überarbeitet, wie kam es zu der Zusammenarbeit?

Ja, genau! Das bezieht sich auf das zuvor genannte Projekt „Moderne Madonnen“. Nun ja, die Zusammenarbeit hat sich spontan ergeben, würde ich sagen … Wir haben uns nicht hingesetzt und gesagt, jetzt machen wir mal ein Projekt „Neue Madonnen“ oder? (lacht)

Dieter und ich stehen in regen künstlerischen Austausch. Wir sprechen oft über neue künstlerische Ansätze, welche Fotografie und Malerei stärker in Verbindung bringen kann – dies in Verbindung mit meinem Lieblingsthema, nämlich Weiblichkeit, Erotik und der Würde der Frau und mit Dieters Ambitionen in Fotografie und digitalen Kunst. Wir beide sind ja eigentlich in den Ausdrucksformen sehr unterschiedlich, was die Zusammenarbeit daher so spannend macht.

Wie viel Zeit und Aufwand war im Hintergrund für das Projekt „Moderne Madonnen“ nötig?

Das ist sehr schwer zu sagen, so etwas ist ein laufender Prozess mit Pausen, dann wieder neuen Ideen und Rückschlägen usw… Wir zählen da nicht die Stunden oder Wochen. An den Ölbildern selbst arbeite ich nun schon über ein Jahr, so viel kann ich von meiner Seite berichten. Dieter ist natürlich bedingt durch sein Medium wesentlich schneller als ich. Jedenfalls sind wir nun in der Schlussphase und planen die Locations für die Ausstellungen.

Können Sie schon etwas über die Zukunftspläne verraten?

Bezüglich Moderne Madonnen und mit Künstlerkollegen Dieter Hanf sollen die Werke bis Mitte 2022 in Europa ausgestellt werden und auf Kunstmessen präsentiert werden. Zum Beispiel bei der Discovery Art fair und ähnlichen Events. Eigene Zukunftspläne gibt es in Richtung Religion, Glaube und Verirrung,… da sind Ansätze vorhanden,… viel mehr kann ich dazu im Moment nicht berichten – es werden jedenfalls andere Arbeiten sein, als man sie von mir gewohnt ist…

Ich bin gespannt! Die Transformation der Madonna in das 21. Jahrhundert gelingt über teils sehr subtile Änderungen der Blicke und Gesten, teils deutlich abweichende räumliche Zuordnungen oder durch eine provozierende Wahl der Modelle. Gab es Momente, in denen Sie Angst vor der Kirche hatten?

Nein, gar nicht. Angst im Zusammenhang mit meiner Kunst ist mir fremd. Ich sehe mich auch nicht als Provokateur. Meine Werke sind nur sehr subtil provokant. Die Provokation belegt auch nur ein sehr untergeordneter Teil in meinen Bildern. Es geht mir vor allem darum, die Würde und die Schönheit der Frau zu zeigen – im Falle der modernen Madonnen sind also junge, selbstbewusste Frauen ganz bewusst in ähnlich traditionellen Posen wie in der Renaissancekunst von mir gemalt worden.

Ein Spiel und Reflexion von Gegenwartsweiblichkeit und dem Bild der Frau in der Renaissance. Die Spannung entsteht auch erst maßgeblich in der Gegenüberstellung mit den Fotografien von Dieter Hanf. Um ehrlich zu sein, spreche ich nicht so sonderlich gern über meine Bilder und was Sie möglicherweise bedeuten.

Ein Bild soll vorzugsweise in erster Linie ein Gefühl und einen Eindruck beim Betrachter erwecken. Dann im Idealfall ergänzend eine Aussage durch das Bild beim Betrachter erzeugen. Sowohl Gefühl und Eindruck werden von Betrachter zu Betrachter unterschiedlich ausfallen – wenn man das vorher erklären muss bzw. den Betrachter vorher einsuggerieren muss, was er darin fühlen, lesen oder erkennen kann oder soll, so ist das Bild nicht stark genug und hat zu wenig Aura…

Gut sprechen wir weniger über die Bedeutung und mehr über die Technik. Wie kamen Sie auf die „Dietro l‘aria“-Technik, was hat Sie besonders fasziniert und wo liegen die Herausforderungen?

Gute Frage, das werde ich oft gefragt ,… – wie bekannt sein dürfte, schätze ich die alten Meister sehr, insbesondere den Meister unter den Meistern, nämlich Leonardo da Vinci. Man glaubt nicht, wie viel man auch heute noch von ihm lernen kann.

Ich weiß, wovon ich spreche, da ich eine Replik seiner „Dame mit den Hermelin“ gemacht habe. Anfangs dachte ich: „Da bist du in 3,4 Monaten fertig,“ – gedauert hat es 18 Monate, da ich die Replik in der Originaltechnik, also in sfumato ausgeführt habe und nicht bloß eine Kopie der Form und Farben. Davon gibt es ja genug.

Enttäuschenderweise wird heute sehr viel Kunst „produziert“, wo es schade um Leinwand und Farbe ist. Plakatives und Provokantes bzw. immer mehr auch Schockierendes ist im Vormarsch, nach dem Motto es muss um jeden Preis aufregen und auffallen. Ja die Kunst kann aufzeigen und auch provozieren – selbstverständlich, aber es ist nicht der Hauptzweck oder Sinn der Kunst, sofern es einen solchen überhaupt gibt…

Jetzt bin ich jedoch sehr von ihrer Frage abgeschweift, aber das ließ sich nicht vermeiden, da es mit der Dietro Aria Technik letztlich ursprünglich zusammenhängt. Dietro Aria bedeutet so viel wie „hinter Luft“. Ähnlich wie die sfumato Technik von Leonardo geht es auch mir darum, eine gewisse Unschärfe der Kontur zu erzeugen, da es dem menschlichen Sehen am nächsten kommt.

Die derzeit gezeigten hyperrealistischen Bilder verschiedener Künstler entsprechen ja in keiner Weise dem natürlichen Sehen, sondern eher dem der Fotografie. Leider haben wir aufgrund der vielen digitalen Medien und Fotografien verlernt, was ein natürliches Bild ist, und bevorzugen oft überkontrastiertes und überdetailliertes Bildwerk.

Das natürlich Sehen wird im Gegensatz zum Foto im Gehirn aus zwei Bildern erzeugt, welches von zwei Augen generiert wird, und dies aus verschiedenen Winkeln. Schon aus diesem Grund kann es gar nicht scharf sein, – es ist eine Interpretation der Realität durch das Gehirn.

Weiters liegt zwischen Betrachter und Objekt die Atmosphäre bzw. Luft dazwischen, was speziell bei Landschaftsbildern für eine gewisse Unschärfe sorgt. Leonardo, aber auch beispielsweise Giorgione hat dies mit Hilfe des sfumato, also dem Verwischen der Konturen erzeugt, aber auch durch das einsetzten brauner Farbtöne in den Schattenbereichen usw. In meinen Werken versuche ich einerseits die Details genau auszuarbeiten, um diese dann aber in einem weiteren Schritt wieder durch das Einsetzen der Dietro Aria Technik abzuschwächen.

Dies wird durch eine Vielzahl von Layern erzeugt und einem von mir speziell entwickeltem Malmedium. Die Herausforderung bei dieser Technik ist vor allem Zeit und die Geduld. Oft ist man versucht, den einfachen, schnellen Weg zu wählen und „schnell“ fertig zu malen. An den Dietro Aria Bildern arbeite ich oft bis zu einem Jahr und darüber.

Sehr Intensiv und Zeitaufwendig … gab es schonmal einen Moment, in denen Sie mit dem Gedanken gespielt haben, den Pinsel an den Nagel zu hängen? Falls ja, wie motivieren Sie sich in solchen Momenten selbst?

Nein – die Malerei ist ein Teil von mir.

Mir gefällt es besonders, das sie ihre Kreativität auch als Sprachrohr nutzen, um zu sagen „hier gibt es Probleme – darauf möchte ich aufmerksam machen“ – gab es einen bestimmten Auslöser für „Moderne Madonnen“?

Einen bestimmten Auslöser hat es nicht gegeben. Es ist ja so, dass die Emanzipation seit ich weiß, nicht wie vielen Jahren zu Tode ge- und besprochen wird. Letztlich ändert sich meist sehr wenig und viele tradierte Rollen und Denkweisen bleiben weiterhin erhalten. Ich sage nicht, dass das schlecht ist – und ich sage auch nicht, dass dies gut ist. Ich zeige einfach auf – was ich aufzeige, sind Frauenporträts.

Sehen Sie sich Cecilia Gallerani um ca. 1490/1500 von Leonardo da Vinci an. Und betrachten Sie mein Bild „La affascinante“ aus 2021. Beide Damen sind 17 Jahre alt. Wo sind die Gemeinsamkeiten, – sehen Sie diese? – und wo sind die Unterschiede? – sehen Sie diese? Was hat sich in 3 Hundert Jahren wirklich verändert und was ist unverändert geblieben?

Apropos Veränderung, gibt es etwas, was Sie auf dem Kunstmarkt gerne ändern würden?

Nun, dass ist eine Frage die einer umfangreicheren Betrachtung und Antwort bedarf. Das hebe ich mir für ein nächstes Interview auf!

Darf Kunst alles oder gibt es Grenzen?

Natürlich gibt es Grenzen. Diese liegen genau dort, wo es zu einer aktiven Form der Einflussnahme auf die individuelle Freiheit kommt. Dabei ist mir das Wort aktiv sehr wichtig.

Kunst muss…

…Geist und Herz anrühren!

Haben Sie einen Tipp für junge Künstler?

Nicht den einfachen Weg einschlagen und seinen Visionen treu bleiben und das Sehen kultivieren!

Vielen Dank für ihre Zeit und Mühe. Ich bin gespannt wohin die Reise der „Modernen Madonnen“ geht und freue mich auf unser nächstes Gespräch!

Weitere Informationen

Mehr über Stan Bert Singer: www.stan-bert-singer.com

Weitere Informationen über Moderne Madonnen –von Stan Bert Singer und Dieter Hanf

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