Mit „Regular Animals“ präsentiert der digitale Künstler Beeple eine immersive KI- und Robotik-Installation, die derzeit in Berlin gezeigt wird. Das Werk verbindet künstliche Intelligenz, autonome Robotik und Medienkritik zu einer dystopisch wirkenden Gesamtsituation.

Im Zentrum stehen sich frei bewegende, hundeähnliche Roboter, deren Körper mit hyperrealistischen Gesichtern prominenter Figuren aus Technologie, Kunst und Popkultur versehen sind. Die Maschinen erfassen ihre Umgebung über Kameras, verarbeiten die Daten mittels KI und generieren daraus Bilder, die anschließend physisch im Raum ausgegeben werden.

Elon Musk, Mark Zuckerberg, Jeff Bezos, Andy Warhol, Pablo Picasso und Beeple selbst durchstreifen den Raum – erfassen Bilder ihrer Umgebung über integrierte Kameras. Diese Bilder werden von KI-Systemen verarbeitet, die die Daten gemäß dem kulturellen, künstlerischen oder ideologischen „Stil“ jeder Figur neu interpretieren.

Die Roboter erzeugen die physisch gedruckten Bilder aus ihrem Hinterteil  – und verwandeln algorithmische Interpretation in greifbare Ergebnisse. Die Drucke werden kostenlos an die Besuchenden verteilt.

Durch dieses bewusst buchstäbliche System von Beobachtung, Verdauung und Ausgabe liefert Beeple einen pointierten Kommentar dazu, wie zeitgenössische Wahrnehmung von Algorithmen und Technologieplattformen geprägt wird.

Erste Präsentation im Gallery Weekend Berlin 2026

Die Installation wurde erstmals im Rahmen des Gallery Weekend Berlin 2026 in der Neue Nationalgalerie gezeigt.

Damit ist die Arbeit Teil eines kuratierten Programms, das internationale Gegenwartskunst mit einem Schwerpunkt auf digitaler und immersiver Kunst präsentiert.

Wie lange ist „Regular Animals“ zu sehen?

Die Ausstellung ist bewusst extrem kurzzeitig angelegt:

Erste Präsentation: Gallery Weekend Berlin 2026 (Ende April / Anfang Mai)
Aktueller Stand: nur wenige Tage Laufzeit

Das Werk ist damit kein langfristig gezeigtes Museumsexponat, sondern eine zeitlich stark begrenzte Installation im Kontext eines Events.

Die Ausstellung ist bis zum 10.05.2026 geöffnet.

Und wo ist das Werk danach zu sehen?

Aktuell gilt:

Es gibt keine offiziell bestätigte Anschlussstation oder Tournee

Beeple arbeitet häufig mit einmaligen, ortsgebundenen Installationen.

Eine spätere Präsentation in anderen Museen oder auf internationalen Kunstmessen ist möglich, aber nicht angekündigt

➡️ Realistisch ist daher:
„Regular Animals“ ist zunächst ein orts- und zeitgebundenes Ereigniswerk, das nicht dauerhaft öffentlich zugänglich bleibt.

Sollte das Werk erneut gezeigt werden, wäre eine Präsentation in großen Institutionen für digitale Kunst oder auf internationalen Biennalen denkbar – bestätigt ist dies jedoch derzeit nicht.

Inhaltliche Bedeutung: Zwischen Satire und KI-Kritik

Beeple nutzt die Installation, um zentrale Fragen der Gegenwart zu verhandeln:

Wer steuert unsere Wahrnehmung – Mensch oder Algorithmus?

Wie formen KI-Systeme Bilder von Realität?

Welche Rolle spielen Tech-Eliten in unserer visuellen Kultur?

Die Arbeit bewegt sich bewusst zwischen Spektakel, Kritik und dystopischer Zukunftsvision. Die Kombination aus beweglichen Robotern, prominenten Gesichtern und KI-generierter Bildproduktion erzeugt ein irritierendes Spannungsfeld zwischen Unterhaltung und gesellschaftlicher Analyse.

Einordnung im Werk von Beeple

Beeple wurde international bekannt durch seine digitalen Arbeiten und seinen NFT-Rekordverkauf „Everydays: The First 5000 Days“. Mit „Regular Animals“ erweitert er sein Werk deutlich in den physischen Raum und verbindet digitale Bildproduktion mit installativer, räumlicher Erfahrung.

Über den Künstler

Beeple (Mike Winkelmann) arbeitet an der Schnittstelle von 3D-Animation, Echtzeit-Rendering und Internetkultur und hat sich vor allem durch seine eigenständige Produktionsweise einen Namen gemacht. Ein Großteil seiner Bildwelten entsteht mit frei zugänglicher Software und offenen Workflows – ein Ansatz, der ihn früh zu einer wichtigen Referenzfigur für jüngere Digital Artists machte.

Neben klassischen Einzelbildern produziert Beeple auch großformatige Videoarbeiten, Konzertvisuals und kommerzielle Projekte für internationale Marken sowie Musiker wie Ariana Grande und Justin Bieber. Seine visuelle Sprache ist stark von der Ästhetik von Gaming, Science-Fiction und Online-Memes geprägt und entwickelt sich kontinuierlich im Austausch mit digitalen Plattformen und Communities.

Ein weiterer wichtiger Aspekt seiner Praxis ist die Präsentation im öffentlichen Raum: Mit großflächigen LED-Installationen und permanent aktualisierten Displays experimentiert Beeple mit neuen Formen von Sichtbarkeit und Distribution von Kunst jenseits klassischer Ausstellungsräume. Diese Verschiebung hin zu dynamischen, oft datengetriebenen Formaten bildet eine zentrale Grundlage für seine aktuellen installativen Arbeiten.

Weitere Informationen

Titelbild: Beeple. Regular Animals, Installationsansicht, Neue Nationalgalerie, 2026 Foto: Neue Nationalgalerie / David von Becker

Mehr über den Künstler finden Sie hier: https://www.beeple-crap.com

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Mit „Seit ich auf Erden bin“ zeigt der Künstler Matthias Göhr ein Werk, das sich zwischen Malerei, innerer Reflexion und emotionaler Verdichtung bewegt. Das quadratische Format von 70 × 70 cm wirkt dabei wie ein in sich geschlossenes Denkfeld – ein Raum, in dem sich Erinnerung, Gegenwart und Imagination überlagern.

Technisch basiert das Werk auf Dispersion auf Leinwand. Dabei handelt es sich um eine wasserbasierte Acrylfarbe, deren Bindemittel feine Pigmente dauerhaft miteinander verbindet. Die Farbe trocknet matt bis seidenmatt auf und ermöglicht sowohl transparente als auch dichte, lasierende Schichtungen – ein Medium, das in der zeitgenössischen Malerei häufig für seine Vielschichtigkeit und Stabilität eingesetzt wird.

Charakteristisch für Göhrs Arbeitsweise ist der offene, prozesshafte Entstehungsweg: Er arbeitet oft parallel an mehreren Leinwänden, meist am Boden liegend und zunächst ohne klassischen Keilrahmen. Die Farbe entsteht aus selbst hergestellten Pigment-Acryl-Mischungen, wodurch jede Oberfläche eine eigene materielle Handschrift trägt. Erst in einer späteren Phase wird die Leinwand auf einen Rahmen gespannt, wenn die kompositorische Struktur bereits angelegt ist und weitere malerische Verdichtung erfolgt.

Inhaltlich beschreibt das Werk eine introspektive Bewegung. Göhr selbst versteht das Bild als eine Art gedankliche Reise. Ein Nachdenken über das Leben mit all seinen Gegensätzen – über Schönheit und Verlust, über Vergänglichkeit, Erinnerungen, Wünsche und das, was möglicherweise noch bevorsteht. Dabei bleibt das Motiv bewusst offen und nicht erzählerisch festgelegt. Vielmehr entsteht ein Zustand, der sich zwischen Gefühl und Wahrnehmung bewegt und sich erst im Blick der Betrachtenden vollständig entfaltet.

Besonders prägnant ist die Farbgebung: Das Grün markiert eine neue Phase im Werk des Künstlers. Es ist das erste Mal, dass Figuren in dieser spezifischen Farbwelt erscheinen. Das Grün verweist dabei nicht nur auf Natur, sondern auch auf Wandel und Neubeginn – eine Assoziation, die der Arbeit eine subtile, fast leise Hoffnung einschreibt.

Trotz seiner konzeptuellen Tiefe bleibt das Bild offen und zugänglich. Es ist ein typisches Werk von Göhr in seiner strukturellen Anlage. Es unterscheidet sich jedoch deutlich in der Farbigkeit von früheren Arbeiten und markiert damit zugleich Kontinuität und Veränderung innerhalb seiner künstlerischen Entwicklung.

„Seit ich auf Erden bin“ ist ein Bild, das weniger eine eindeutige Antwort gibt als vielmehr einen Raum öffnet. Ein Raum für Erinnerung, Wahrnehmung und das eigene innere Erzählen.

 

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Der Künstler Matthias Göhr

Matthias Göhr ist ein freischaffender Maler aus der Pfalz, der seit 1992 kontinuierlich in Einzel- und Gruppenausstellungen vertreten ist. Seine Arbeiten wurden dabei sowohl in regionalen Kulturinstitutionen als auch auf Kunstmessen und in Galerien im deutschsprachigen Raum gezeigt.

Ein wichtiger Schwerpunkt seiner Ausstellungstätigkeit liegt in Süddeutschland und angrenzenden Regionen. So war er unter anderem mit Einzelausstellungen wie „Sehnsucht“ im Kreishaus Südliche Weinstraße vertreten, wo seine Werke einem breiten Publikum im öffentlichen Raum präsentiert wurden.

Auch in kleineren Galerien und Projekträumen war Göhr regelmäßig präsent. Etwa mit Ausstellungen wie „Seelenzauber“ in der Galerini, die seine malerische Bildwelt im Kontext zeitgenössischer Gruppen- und Einzelausstellungen zeigte.

Darüber hinaus ist seine Arbeit auch im Messekontext sichtbar geworden. Göhr nahm wiederholt an Kunstmessen und jurierten Ausstellungen teil. Darunter etwa die Art Karlsruhe sowie weitere regionale und internationale Formate im Bereich zeitgenössischer Malerei.

Seine Werke werden dabei häufig im Rahmen von thematischen Gruppenausstellungen gezeigt, die sich mit Natur, Figur, Erinnerung und inneren Bildwelten beschäftigen. Kritisch beschrieben wird seine Malerei oft als eine Verbindung aus narrativer Offenheit und atmosphärischer Verdichtung. Bilder, die zwischen figurativer Andeutung und abstrakter Auflösung oszillieren.

Weitere Informationen

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SunForceOceanLife ist eine monumentale, immersive Installation des brasilianischen Künstlers Ernesto Neto, die 2019 entstand. Das Werk besteht aus handgehäkelten Netzstrukturen aus polymerem Garn, die den Raum in kräftigen Farben (Orange, Gelb, Grün) füllen. Besucher:innen können durch die Bögen und Tunnel wandeln, die wie organische, lebendige Formen wirken, die zugleich natürlich und surreal erscheinen. Ergänzt wird die Erfahrung durch weiche Unterlagen und plastische Elemente auf dem Boden, die Bewegung, Balance und Körperwahrnehmung spürbar machen.

Die Installation fordert die klassische Distanz zwischen Betrachter:in und Kunstwerk heraus: Statt die Arbeit nur zu betrachten, wird der Raum körperlich erlebbar. Jede Bewegung der Besucher:innen verändert das Raumgefühl und erzeugt kleine Interaktionen mit den weichen, biegsamen Netzstrukturen. Dadurch entsteht ein einzigartiger Dialog zwischen Materialität, Farbe und menschlicher Präsenz.

SunForceOceanLife ist eine Symbiose aus Handwerk, Sinnlichkeit und Konzeptkunst: Häkeln als traditionelle Handarbeit trifft auf moderne Installationskunst, wodurch eine greifbare, sinnliche Erfahrung entsteht, die im digitalen Zeitalter besonders wertvoll wirkt. Die Balance aus Leichtigkeit und Struktur, aus Freiheit der Bewegung und gezielter Komposition macht das Werk formal wie inhaltlich besonders.

Warum ist das Werk so besonders?

SunForceOceanLife ist heute unser Werk der Woche, weil es zeitlos relevant, sinnlich erfahrbar und visuell spektakulär ist. Die Installation ist beeindruckend 12 Meter hoch, überspannt den Raum mit einer Fläche von mehreren hundert Quadratmetern und wiegt schätzungsweise über 1,5 Tonnen, einschließlich aller Netzstrukturen, Polymerböden und hängenden Elemente. Für die Umsetzung arbeitete Ernesto Neto fast ein Jahr zusammen mit einem Team aus Handwerker:innen und Assistent:innen, um die filigranen Netze, die handgehäkelten Bögen und die weichen Unterlagen perfekt aufeinander abzustimmen.

In einer Welt voller digitaler Reize bietet Neto einen Raum, der langsames, körperliches Erleben fordert. Die Kombination aus Bewegung, Farbe, Materialität und Interaktion macht das Werk aktuell besonders spannend und bietet Inspiration für alle, die über Kunst, Raum und menschliche Erfahrung nachdenken.

Zum Verkauf steht SunForceOceanLife nicht – die Arbeit wurde speziell für die Ausstellung im Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) produziert und ist als museale, begehbare Installation konzipiert. Dies unterstreicht die Exklusivität und Einzigartigkeit des Werkes: Es ist ein Erlebnis, das nur vor Ort und aktuell für die Besucher:innen zugänglich ist.

Aktuelle Ausstellung

SunForceOceanLife ist derzeit im Museum of Fine Arts, Houston (MFAH) zu sehen:

Ort: Museum of Fine Arts, Houston – Main Campus, Cullinan Hall.
Zeitraum: bis 7. September 2026.
Besonderheit: Die Installation ist begehbar, immersive Erfahrung garantiert. Besucher:innen können die Netzstrukturen direkt erleben und Teil des Kunstwerks werden. (mfah.org)

Die Ausstellung zeigt, wie Neto Handwerk, Farbe und Raum kombiniert, um eine körperlich erfahrbare, poetische Welt zu erschaffen, die den Betrachter in den Mittelpunkt rückt.

Während SunForceOceanLife das Zentrum der aktuellen Ausstellung im MFAH bildet, bietet das Museum zusätzliche Begleitprogramme und Künstler‑Workshops an, die das Erlebnis vertiefen. Außerdem sind im gleichen Zeitraum andere Ausstellungen mit eigenständigen Arbeiten, wie beispielsweise Frida Kahlo im Museum zu sehen.

Über Ernesto Neto

Ernesto Neto (*1964, Rio de Janeiro, Brasilien) gehört zu den weltweit bedeutendsten Künstlern der zeitgenössischen Installationskunst. Seine Arbeiten sind multisensorisch, begehbar und körperlich erfahrbar. Seit den 1990er Jahren präsentiert er Installationen, in denen Handwerk, organische Formen und Materialien in immersive Räume verwandelt werden.

Neto will die Trennung zwischen Betrachter:in und Kunstwerk aufheben. In seinen Installationen werden die Besucher:innen selbst zum Bestandteil des Werkes. Haptik, Geruch, Farbe und Form verbinden sich zu einem körperlich-intellektuellen Erlebnis, das den Raum selbst zum Kunstwerk macht.

 

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Weitere Informationen

Mehr über das Museum finden Sie hier: https://www.mfah.org/

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Maria Trezinski (*1994 in Braunschweig) gehört zu einer jüngeren Generation zeitgenössischer Malerinnen, deren Arbeiten sich intensiv mit der visuellen und symbolischen Kraft der Natur auseinandersetzen. In ihren großformatigen Gemälden verbindet sie präzise Naturbeobachtung mit expressiven malerischen Gesten und ungewöhnlichen Perspektiven.

Tiere, Pilze oder organische Strukturen erscheinen bei ihr oft stark vergrößert und rücken so in den Mittelpunkt einer Bildwelt, die zwischen Faszination, Vitalität und unterschwelliger Bedrohung oszilliert. Dabei nutzt Trezinski eine vielschichtige Bildsprache aus Öl- und Sprühfarbe, die sowohl detailreiche Passagen als auch spontane, fast rohe Farbspuren ermöglicht.

Adel (1) by Maria Trezinski

Das Werk „Adel (1)“ (2024), Öl- und Sprühfarbe auf Leinwand, 180 × 130 cm, gehört zu diesen eindrucksvollen Tierdarstellungen. Im Zentrum steht ein Hahn, dessen Körper die Bildfläche fast vollständig einnimmt. Die monumentale Größe des Motivs verleiht dem Tier eine beinahe heraldische Präsenz. Als würde es aus dem Alltag herausgehoben und zum Symbol von Stärke, Stolz und Dominanz.

Gleichzeitig wirkt die Darstellung nicht statisch: Dynamische Farbflächen und Sprühspuren durchziehen das Gefieder und lassen Bewegung, Energie und eine gewisse Unberechenbarkeit entstehen. Die malerische Behandlung des Hahns oszilliert zwischen realistischer Form und expressiver Auflösung, wodurch das Tier zugleich konkret und archetypisch erscheint.

Der Titel „Adel“ spielt dabei auf die würdevoll-aufrechte Haltung des Hahns an, welche an traditionelle Embleme von Macht und Rang erinnert. In der monumentalen Inszenierung des Tieres verdichtet Trezinski Naturbeobachtung und symbolische Aufladung zu einem Bild, das gleichermaßen kraftvoll, irritierend und faszinierend wirkt.

Adel (1), 2024, Öl- und Sprühfarbe auf Leinwand. 180 × 130 cm. Preis auf Anfrage.

Fazit

Was „Adel (1)“ so besonders macht, ist die unmittelbare Dynamik und Spannung, die das Bild ausstrahlt. Der Hahn im Sprung verkörpert Energie, Entschlossenheit und den Drang, sich zu behaupten. Wir haben dieses Werk als Kunstwerk der Woche ausgewählt, weil es nicht nur die Kraft des Tieres beeindruckend einfängt, sondern auch symbolisch für den Beginn des Frühlings, Neuanfang und Frühlingsgefühle stehen kann. Als Frühlingsbote vermittelt der Hahn Aufbruchsstimmung und Lebendigkeit – ein passender Impuls, um die neue Jahreszeit zu feiern.

Maria Trezinski „Holometabola“ in der Städtischen Galerie Lehrte

Zudem lässt sich Trezinskis Arbeit in einen größeren kunsthistorischen und biografischen Zusammenhang einbetten. Sie ist ausgebildete Meisterschülerin an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und hat sich seither mit einer Bandbreite an Solo‑ und Gruppenausstellungen profiliert, darunter auch eine kommende Einzelausstellung in der Städtischen Galerie Lehrte im Rahmen der IntraRegionale 2026.   Einer renommierten Kooperation mehrerer Kunstinstitutionen in der Region Hannover, die zeitgenössische Positionen zur Natur und Tierwelt präsentiert.

Vernissage: 24.04.26 um 19 Uhr: Dauer der Ausstellung: 24.4. – 19.06.26

Mehr über die Ausstellung finden Sie hier: https://intraregionale.org/kunst-2026/trezinski/

Weitere Informationen

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Die Holzskulptur Smokers Man von Michaela Achatz entstand im Jahr 2024 und spiegelt die künstlerische Handschrift der Künstlerin stark wieder. Für das Kunstwerk wurde eine 100-jährige Linde mit Witterungsspuren und Eschenholz verwendet. Ein Porzellan-Aschenbecher und Kunststoffrohr ergänzen das Gesamtbild. Gefestigt  wurde es mit Schrauben und Metallverbindungen.

Smokers Man misst 80 x 35 x 35 cm und wiegt rund 15Kg. Das Holz wurde handgeschnitzt, kombiniert mit industriellen Elementen und das Eschenholz ist von Hand gehobelt und mit Öl behandelt worden. Das Kunstwerk ist ein Unikat und wird mit Signatur und Echtheitszertifikat geliefert.

Michaela Achatz ist freischaffende Künstlerin. Ihre Werke entstehen intuitiv – ohne vorgefertigte Skizzen, direkt im Dialog mit dem Material. Besonders fasziniert ist die Künstlerin von Holz, das bereits eine Geschichte trägt: gezeichnet von Witterung, Zeit und seinen natürlichen Strukturen. Diese Spuren lässt sie zu einem Teil ihrer Kunst werden.

Unser letztes Interview mit der Künstlerin finden Sie hier!

Smoker Man von Michaela Achatz

In der Skulptur vermischt Michaela Achatz Holz, Farbe und geometrische Formen in einer dynamischen Komposition, die sowohl einen ansprechenden ästhetischen Reiz ausübt als auch zum Nachdenken anregt. Die Verwendung von hellem Holz als Grundmaterial verleiht der Skulptur eine organische Note, während die stilisierte Gesichtsform an der Spitze des Werkes kraftvoll erscheint. Diese Darstellung evoziert Emotionen und lädt den Betrachter ein, eine tiefere Verbindung zur menschlichen Erfahrung herzustellen.

Die Skulptur ist so konstruiert, dass sie den Eindruck von Bewegung und Dynamik vermittelt. Die wellenförmige Anordnung der Holzplatten, die spiralförmig angeordnet sind, könnte  das Streben und die Herausforderungen des Lebens symbolisieren. Unter den Holzplatten befinden sich leuchtend farbige Elemente, die direkt aus der Popkultur inspiriert scheinen und möglicherweise den Einfluss von Spiel und Spaß verkörpern. Diese Elemente erzeugen einen starken visuellen Kontrast, der einerseits die Dynamik der Skulptur verstärkt, andererseits die ernsten Aspekte der menschlichen Existenz hinterfragt.

Das Spiel mit verschiedenen Texturen und Materialien unterstreicht nicht nur den handwerklichen Ansatz des Künstlers, sondern auch den Dialog zwischen Tradition und zeitgenössischer Kunst. Der strukturierte, rohe Holzlook steht in aufregendem Gegensatz zu den glatten, bunten Akzenten, und schafft damit eine faszinierende visuelle Spannung.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Smokers Man“ nicht nur ein ästhetisches Erlebnis bietet, sondern auch eine tiefere Reflexion über die Balance zwischen Natur und Kultur, Ernsthaftigkeit und Verspieltheit anregt. Es fordert den Betrachter auf, sich mit seiner eigenen Wahrnehmung der Realität auseinanderzusetzen und dabei die Schönheit in der Unterschiedlichkeit zu erkennen.

 

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Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Portfolio – m7achatz.de

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Ihre Leidenschaft für die Kunst entdeckte Julia Mann bereits mit 19 Jahren, doch erst später wurde die Malerei zu ihrem Lebensweg. Sie entwickelte eine eigene, unverwechselbare Handschrift: Mit intuitiven Pinselstrichen und leuchtenden Neonfarben erschafft sie Kompositionen, die den Betrachter visuell herausfordern, ihn einladen in eine unbeschwerte Welt einzutauchen und sich seiner eigenen Stärken bewusst zu werden. Besonders die harmonische Balance der fließenden Farben verleiht ihren Werken eine mitreißende Dynamik.

Ihre Kunst ist international gefragt und findet sowohl in nationalen als auch internationalen Privatsammlungen großen Anklang. In Mainz
zählt sie zu den bekannten Künstlerinnen. Mit ihrem Slogan «Farben voller Emotionen» macht sie deutlich, worum es ihr geht: Kunst, die bewegt, berührt und die Welt ein Stück bunter macht.

Das Leben ist bunt.

Dieses Motto beschreibt die Kunstwerke von Julia Mann am treffendsten. Die Künstlerin setzt auf leuchtende, kraftvolle Farben, die voller Leidenschaft strahlen und ihre tiefen Emotionen nach außen transportieren. Ihre Werke sind Ausdruck purer Lebensfreude, sollen den Betrachter fesseln und sich positiv auf die eigene Person auswirken. Sie laden dazu ein, den Moment zu genießen, zu träumen und die Seele baumeln zu lassen.

Soft Pink Wonderland – Unser Werk der Woche

Das Kunstwerk Soft Pink Wonderland entstand 2025 und misst 120x100cm. Das mixed media Bild ist sehr kräftig und feminin. Der farbenfrohe Eyecatcher strahlt in einen Raum. Mit Bleistift hat die Künstlerin ganz leicht die Botschaft „Love“ versteckt. Das Bild ist ein gutes Beispiel, das Kunstwerke bei der Ansicht im Internet NIE so gut zur Geltung kommen, wie bei einem physischen Besuch einer Ausstellung. Kunstfreunde können das Kunstwerk bis zum 29. März 2025 bei NIO DEUTSCHLAND in Frankfurt besichtigen – dort trifft Kunst auf Innovation.

Kunst trifft auf Innovation

Im Nio House Frankfurt läuft die Ausstellung von Julia Mann bis zum 29. März. Am letzten Tag ist auch eine Finissage mit anwesender Künstlerin angesetzt. Die Vernissage läuft von 17:30 bis voraussichtlich 19:00 Uhr.

Einen Einblick in die Ausstellung gibt die Künstlerin auch auf ihrem Instagramkanal.

 

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Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: Julia Mann Art | Künstlerin

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In ihren Bildern zelebriert Nadia Schreiner das Leben und die Lust am Reisen. Sie wurde 1984 in Luxemburg geboren, als Tochter einer Künstlerin wurde der Malpinsel quasi in die Wiege gelegt. Das Malen begleitet sie schon ihr Leben lang, und aus dieser Leidenschaft heraus ist „Painting Journeys®“ entstanden. Diese Passion lässt sich perfekt mit ihrer Tätigkeit als Flugbegleiterin vereinbaren. Getreu ihrem Motto „Butterfly the World“ lädt sie Kunstliebhaber, Suchende und Findende ein, ihre farbenfrohe Welt zu entdecken.

Ihre Bilder wurden bereits in zahllosen Ausstellungen in Luxemburg, Wien und Stuttgart präsentiert und werden mittlerweile international geschätzt und gehandelt.

Pura Vida – Papagei-Gemälde

Frisch ist ihr neues Werk „Pura Vida“ fertig geworden. Das Papagei-Gemälde misst 100cm * 140cm und wurde mit hochwertigen Acrylfarben, Graffiti und Blattgold auf Leinwand gefertigt.

Die Blumen, die den bunten Papageien umgeben, tragen zur Lebendigkeit des Bildes bei und können verschiedene Bedeutungen haben. Sie stehen oft für Wachstum, Schönheit und Vergänglichkeit. In Kombination mit dem Papageien könnte dies die Idee von Lebensfreude und der Fülle der Natur unterstreichen. Die Farben der Blumen könnten zudem die Emotionen und Stimmungen des Betrachters ansprechen, indem sie eine Atmosphäre von Freude und Harmonie schaffen.

Die Schmetterlinge, die um den Papageien fliegen, sind ein weiteres kraftvolles Symbol. Sie stehen häufig für Transformation und Veränderung, da sie den Prozess der Metamorphose durchlaufen. Ihre Anwesenheit könnte darauf hinweisen, dass das Leben ständig im Fluss ist und dass Schönheit oft aus Veränderung entsteht. Die Interaktion zwischen dem Papageien und den Schmetterlingen könnte auch die Idee von Gemeinschaft und Verbundenheit in der Natur darstellen.

Insgesamt vermittelt das Kunstwerk ein Gefühl von Lebensfreude, Harmonie und der Schönheit der Natur. Es lädt den Betrachter ein, innezuhalten und die kleinen Wunder um uns herum zu schätzen. Die Kombination aus Papagei, Blumen und Schmetterlingen schafft eine Szene, die sowohl energetisch als auch beruhigend wirkt und die Vielfalt und den Reichtum des Lebens feiert.

Das Kunstwerk wird grade mit Rahmen versehen. Sobald es 100% fertig ist, können Kunstfreunde es bei der großen Einzelausstellung von Nadia Schreiner in der Valentiny Foundation in Remerschen/Luxemburg sehen oder vorab, mit Termin in der Phoenix Galerie.

 

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Nadia Schreiner – Soloausstellung

Vom 18. April bis zum 04. Mai 2025 ist in der Valentiny Foundation in Remerschen/Luxemburg eine große Soloausstellung von Nadia Schreiner angesetzt. Aktuell fertigt die gefragte Künstlerin noch einige neue Werke und freut sich, die auf der Vernissage am 17. April ab 18:00 Uhr erstmalig präsentieren zu können.

Weitere Informationen finden Sie in Kürze hier: https://www.valentiny-foundation.com/

​Weitere Informationen

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.painting-journeys.com/

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Ekaterina Travianskaia ist eine Künstlerin, die an die transformative und heilende Kraft der Kunst glaubt. Ihr Atelier ist weit mehr als nur ein kreativer Raum. Es ist ein Ort der Inspiration, des Ausdrucks und der persönlichen Entfaltung. Hier bietet sie Workshops für Kinder und Erwachsene an, um Menschen dabei zu unterstützen, ihr kreatives Potenzial zu entdecken und durch Kunst neue Perspektiven zu gewinnen.

In ihren Kursen erlebt die Malerin immer wieder, wie Kunst Brücken baut – zwischen Generationen, Kulturen und Herzen. Kunst schenkt Energie, schafft Verbindung und erlaubt es, Emotionen auszudrücken, die oft keine Worte finden. Besonders am Herzen liegt Travianskaia dabei die Arbeit in Pflegeheimen und Kliniken, wo sie kreative Workshops organisiert, in denen Kunst zu einer sanften, aber kraftvollen Therapie wird. Durch einfache künstlerische Techniken können Menschen emotionale Entlastung finden, innere Ruhe spüren und sich unabhängig von ihren körperlichen oder seelischen Herausforderungen künstlerisch entfalten.

Meine Mission ist es, Kunst für alle zugänglich zu machen – unabhängig von Alter, Fähigkeiten oder Lebensumständen. Denn ich bin überzeugt: Kunst heilt, öffnet neue Horizonte und hilft uns, uns selbst und die Welt um uns herum neu zu entdecken.

Das Geheimnis des Waldes

Das Kunstwerk „Das Geheimnis des Waldes“ stammt aus dem Jahr 2025 und wurde mit Ölfarben auf Leinwand gefertigt und auf Keilrahmen gespannt. Das Bild misst 75cm * 115cm. Bei Interesse an dem Kunstwerk oder weiteren Arbeiten der Künstlerin, nutzen Sie gerne unseren Kontakt! 

„Das Geheimnis des Waldes“ zeigt einen Wald, durchflutet von sanftem Licht und voller lebendiger Ruhe. Es ist eine Hommage an die Stille, die Harmonie und die flüchtige Schönheit des Moments, wenn die ersten Sonnenstrahlen durch das dichte Laub brechen und den Raum mit Magie erfüllen. Ein Tor zum Frühling.

Die Künstlerin über ihr Werk

Für mich ist es wichtig, nicht nur die visuelle Realität einzufangen, sondern auch die Atmosphäre und die Emotionen, die die Natur in uns hervorruft. In diesem Werk habe ich mit sanften Farbübergängen gearbeitet, um eine Tiefe und eine leichte Nebelhaftigkeit zu schaffen, Der Betrachter  soll in diesen Wald eintauchen, seine Stille und Frische spüren.

Als Künstlerin glaube ich daran, dass Kunst Frieden und Inspiration schenken kann. Meine Arbeit zielt darauf ab, Menschen durch Malerei einen emotionalen Zugang zur Natur zu ermöglichen. Und sie an Momente der inneren Ruhe und Verbundenheit zu erinnern.

 

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Schon in der DDR hat Felix Vierfinger Metallkunst hergestellt. Mit den Jahren sind Skulpturen, Licht und Malerarbeiten dazu gekommen. Seine Arbeiten sind nicht auf ein spezielles Thema ausgerichtet, sondern mehr ein Ausdruck, wie sich der Künstler fühlt. Er ist kein studierter Künstler, sondern hat aus seiner Metalllehre und seiner Kreativität das beste gemacht. Nicht nur seine Signatur ist einzigartig, sondern all seine Werke sind Unikate mit großem Wiedererkennungswert, so auch der auffällige Weinschrank mit dem Namen KAULI, welcher 2010 entstand.

Ein Interview mit dem Künstler finden Sie hier: Felix Vierfinger im Interview – Auffällige Skulpturen und Malereien

Werk der Woche #114 – Weinschrank KAULI

Der Weinschrank „Kauli“ wurde aus Stahl gefertigt und mit einer Tresortür versehen, im inneren ist eine LED-Beleuchtung mit Fernbedienung angebracht, was eine gekonnte Präsentation der Gläser ermöglicht und gleichzeitig, bei geöffneter Tür eine atmosphärische, zusätzliche Lichtquelle in jeden Raum bringt.

Der Eyecatcher wurde im letzten Arbeitsschritt mit Acrylfarben lackiert. Der Weinschrank wiegt rund 90Kg und misst 200 cm x 90 cm x 50 cm. KAULI wurde auch bereits im Trendmöbelhaus mömax in Wiesbaden ausgestellt. Bei Interesse an dem Originalwerk, Fragen oder Anmerkungen nutzen Sie gerne unseren >Kontakt< .  

Der gefragte Künstler Felix Vierfinger ist auch für Auftragsarbeiten offen, dabei fertigt er nicht nur Skulpturen, sondern auch Malereien und Mixed Media Werke. Gelegentlich gibt Felix Vierfinger Einblicke in seine neuen Arbeiten auf seinem Instagramkanal.

 

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Seit 2017 arbeitet die Künstlerin Sina Katharina Schulz selbstständig in ihrem eigenen Atelier „Atelier Mal anders“ in Freigericht Somborn in dem sie auch Kunstkurse, Workshops und Kunsttherapie für Jung und Alt gibt. Die Liebe und auch ihre persönliche Achtsamkeit für die Natur ist in der Kunst von Sina Katharina Schulz immer Thema. Neben ihren intuitiv-mystischen Werken, liebt sie auch die Verarbeitung von Naturmaterialien, Pigmenten und Erden in ihren abstrakten Mixed Media Werken. Es ist die Fülle von Materialien und die Vielfalt von Techniken und Möglichkeiten die Sina Schulz bei diesen Arbeiten fasziniert.

Ihre aktuelle Ausstellung NATUR VERBUNDENHEIT ist noch bis zum 14.07.24 in den Räumen der Kurpark- Residenz in Bad Salzschlirf zu besichtigen. Für die Finissage ist am 14.07.24 um 15:30 Uhr ist Live-Gesang von der Sängerin Nina Kosel angekündigt.

Werk der Woche #113: Yggdrasil

Yggdrasil misst 100cm x120cm und wurde mit Acrylfarben auf Leinwand gefertigt. Das Werk wurde von der nordischen Mythologie inspiriert. Die nordische Schöpfungsgeschichte umfasst den Mythos vom Baum des Lebens. Der Weltenesche Yggdrasil, die alles Leben in die Welt brachte. Als Symbol für die weibliche Urkraft, als Symbol für Fruchtbarkeit und Wachstum. Gehegt und gepflegt wird der Baum von den Nornen, die drei Weisen Frauen, die Jugend, das Erwachsenenalter und die Weisheit des Alters darstellen.

Da mich der Baum als Symbol des Lebens und der Urkraft schon immer fasziniert hat, musste ich ihn einfach malen – als Göttin, als Frau und Schöpferin der Welt.

Yggdrasil in der Edda –  Enstehungsgeschichte der nordischen Mythologie

Nachdem in der Sage der Edda die Götter den Ur-Riesen Ymir getötet haben, erschaffen sie, dem Mythos nach, aus seinem Leichnam alle existierenden Dinge. Die Weltenesche Yggdrasil ist demnach der erste Baum, der wächst. Er ist der größte und prächtigste Baum der Welt. Seine Äste breiten sich über alle neun Welten aus und erstrecken sich über den Himmel. Ein namenloser Adler sitzt im Geäst, zwischen seinen Augen ist ein Habicht, der Vedrfölnir genannt wird.

Yggdrasil hat drei große Wurzeln, von denen eine nach Jötunheim,dem Land der Riesen, wächst, wo sich auch Mimirs Brunnen befindet. Die andere Wurzel führt nach Nilfelheim zur Quelle Hvergelmir, wo der Drache Nidhöggar an ihr nagt. Die dritte Wurzel findet sich in der Nähe von Asgard. Das Eichhörnchen Ratatöskr klettert immer zwischen der Baumkrone und Wurzeln hin und her und verbreitet dabei üble Nachrede vom Adler bis zum Drachen. Die zwei Schlangen Gaoin und Moin, die von Grafwitnir (Grabeswolf) abstammen, nagen an den Wurzeln von Yggdrasil.

Unter den Zweigen des Baums halten die Götter Gericht. Am Fuße Yggdrasils liegt auch der Urdbrunnen, an dem die drei Nornen Urd(das Gewordene), Verdandi (das Werdende) und Skuld (was da kommen soll) ihren Sitz haben, die das Schicksal der Menschen bestimmen. In der nordischen Mythologie heißt es sogar, wenn Yggdrasil zu beben oder zu welken beginnt, naht das Weltenende.

Sina Katharina Schulz über ihr Werk

Der Baum ist seit je her besonders wichtig für uns Menschen, denn er ist schon weit vor uns auf diese Welt gewesen. Er ist sozusagen mit eines der ältesten Lebewesen auf unserer Erde. Er gibt uns Schutz, Wärme, er dient uns als Material zum Bauen unserer Häuser, er spendet uns Schatten, sorgt für saubere Luft zum Atmen und er spendet Nahrung mit seinen Früchten, er ist ein Heim und Lebensraum für unzählige Tier und Pflanzenformen.

Auch sehe ich Bäume als Symbol für Wachstum und Ideen, die in uns reifen. In der Kunsttherapie steht der Baum unter anderem auch für die Darstellung der eigenen Person, als Ich -Symbol. Ich selbst verbringe sehr gerne Zeit im Wald, in der ich Bäume studiere und beobachte. Die Verästelung der Blätter am Stamm, das Spiel von Licht und Schatten, das entsteht, wenn die Blätter sich im Wind bewegen und das beruhigende Rauschen, was dadurch entsteht. Bäume haben etwas wunderbar inspirierendes und beruhigendes für mich.
All das hat mich dazu bewegt Yggdrasil zu malen, aber als weibliche Form, als Göttin und Erschafferin der Erde und des Lebens, angelehnt an die nordische Mythologie.

 

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