Im ikonischen Hangar-7 in Salzburg zeigt der Künstler Maxim Wakultschik mit der Ausstellung Beyond the Surface eine immersive Präsentation zeitgenössischer Kunst, die Raum, Licht und Wahrnehmung miteinander verschmelzen lässt. Die von House of Arts kuratierte Soloausstellung ist bis zum 6. Juni 2026 zu sehen und verwandelt den architektonisch außergewöhnlichen Ort in ein vielschichtiges Spannungsfeld aus Energie, Struktur und Bewegung.

Kunst, die sich im Blick verändert

Wakultschiks Werke sind bekannt dafür, sich scheinbar zu verändern, sobald sich der Betrachtungswinkel verschiebt. Sie wirken nicht statisch, sondern in einem permanenten Zustand der Transformation. Der Künstler beschreibt diesen Effekt als ein Wechselspiel aus Auflösung und Neuordnung: Licht, Bewegung und Energie werden dabei zu zentralen Gestaltungsmitteln einer Erfahrung, die über das rein Visuelle hinausgeht.

In Beyond the Surface entfalten sich diese Prinzipien in einer besonders intensiven Form. Über 70 Werke – darunter auch erstmals gezeigte Arbeiten aus dem Jahr 2026 – sind in der offenen Architektur des Hangar-7 installiert und erzeugen den Eindruck einer kontinuierlichen Bewegung. Die Arbeiten wirken, als würden sie atmen, vibrieren oder sich im nächsten Moment neu zusammensetzen.

Der Hangar-7 als architektonischer Resonanzraum

Der Hangar-7, initiiert von Red Bull, ist weit mehr als ein klassischer Ausstellungsort. Seine offene, lichtdurchflutete Struktur schafft eine Umgebung, die Kunst nicht nur zeigt, sondern verstärkt. Gerade diese räumliche Qualität spielt in Wakultschiks Ausstellung eine zentrale Rolle: Die Werke treten in Dialog mit der Architektur und reagieren auf Bewegung und Perspektive der Besucherinnen und Besucher.

So entsteht ein Gesamterlebnis, in dem Raum und Kunst nicht getrennt voneinander existieren, sondern sich gegenseitig beeinflussen.

Zwischen Wissenschaft, Spiritualität und Wahrnehmung

Die Arbeiten von Maxim Wakultschik bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, Philosophie und Naturwissenschaft. Im Zentrum steht die Frage nach dem Ursprung von Existenz und Wahrnehmung. Wakultschik beschreibt seine Arbeit als eine Auseinandersetzung mit dem Moment der Entstehung – einem Punkt, der sinnbildlich für den Urknall oder die Genesis stehen kann.

Seine Werke thematisieren dabei weniger konkrete Formen als vielmehr Zustände: Übergänge zwischen Materie und Energie, Struktur und Auflösung, Sichtbarem und Unsichtbarem. Dadurch entsteht eine Bildsprache, die nicht abgeschlossen wirkt, sondern sich ständig weiterentwickelt.

Kuratorische Perspektive und künstlerische Einordnung

Die Ausstellung wird von House of Arts präsentiert und von Victoria Swarovski kuratorisch mitgeprägt. Im Mittelpunkt steht dabei der Anspruch, Kunst nicht nur auszustellen, sondern erlebbar zu machen.

Im Kontext der Ausstellung betont die Kuratorin die besondere Wirkung der Arbeiten, die Besucherinnen und Besucher regelrecht in das Bild hineinziehen und ihre Wahrnehmung verändern können.

Artist Talk und Rahmenprogramm

Ein besonderes Highlight der Ausstellung ist der Artist Talk am 29. Mai 2026 um 15:00 Uhr, der eine Woche vor Ende der Schau stattfindet. Gemeinsam mit der Galeristin Doris Penning führt der Künstler durch die Ausstellung und gibt Einblicke in seine Arbeitsweise, seine konzeptionellen Überlegungen sowie die Entstehung der Werke.

Die Teilnahme an der Veranstaltung ist kostenfrei, eine Anmeldung ist erforderlich. Journalistinnen und Journalisten können sich direkt über den angegebenen Pressekontakt akkreditieren.

International etablierter Künstler

Maxim Wakultschik ist international in der zeitgenössischen Kunstszene etabliert. Seine Arbeiten wurden bereits in Metropolen wie New York, London, Madrid und Hongkong gezeigt und sind Teil bedeutender privater und institutioneller Sammlungen.

Auch im Jahr 2026 ist der Künstler weltweit präsent, unter anderem auf renommierten Kunstmessen wie der Volta Basel, der The Armory Show in New York sowie der Art Cologne in Köln. In Österreich ist er zusätzlich auf der Kunstmesse Schloss Kammer am Attersee vertreten.

Ausstellung im Überblick

Maxim Wakultschik – Beyond the Surface
Hangar-7, Salzburg
Wilhelm-Spazier-Straße 7A, 5020 Salzburg, Österreich

Laufzeit: bis 6. Juni 2026
Öffnungszeiten: Mo–Sa 09:00–22:00 Uhr, So 09:00–17:00 Uhr

Fazit

Mit Beyond the Surface schafft Maxim Wakultschik eine Ausstellung, die klassische Grenzen zwischen Bild, Raum und Wahrnehmung auflöst. Im besonderen Setting des Hangar-7 entsteht ein immersives Kunsterlebnis, das Besucherinnen und Besucher nicht nur betrachten, sondern physisch und emotional erleben.

Die Ausstellung positioniert sich damit klar im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischer Kunst, Rauminstallation und philosophischer Reflexion – und zählt zu den herausragenden Kunstereignissen in Salzburg im Jahr 2026.

Weitere Informationen 

Titelbild: Beyond the Surface, Museum Hangar-7; Bildrechte: Sarah Matzer

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Am 8. Mai 2026 startet eines der außergewöhnlichsten Kunstprojekte des Jahres: Die Niederrheintour 2026 von Thomas Baumgärtel wird mit einer feierlichen Vernissage im Niederrheinisches Museum Kevelaer eröffnet.

Eröffnung eines Kunst-Großprojekts

Mit der Ausstellung beginnt offiziell die groß angelegte Jubiläumstour zum 40-jährigen Bestehen der legendären Spraybanane. Unter dem Motto „Freiheit für die Kunst“ zeigt Baumgärtel hier den Auftakt seines Projekts 40 Werkgruppen – 40 Orte – 40 Jahre.

Zwei zentrale Werkgruppen im Fokus

Zum Start werden in Kevelaer gleich zwei prägende Werkkomplexe präsentiert:

German Urban Pop Art – Baumgärtels Verbindung aus Street Art, Popkultur und politischer Intervention

Graue Bilder – reduzierte, monochrome Arbeiten über Wahrnehmung, Medien und Gesellschaft

Diese Gegenüberstellung zeigt eindrucksvoll die Bandbreite seines künstlerischen Schaffens – zwischen visueller Direktheit und konzeptueller Tiefe.

Alle Infos zur Vernissage

Datum: Freitag, 8. Mai 2026
Uhrzeit: 19:00 Uhr
Ort: Niederrheinisches Museum Kevelaer
Adresse: Hauptstraße 18, 47623 Kevelaer

Die Ausstellung ist anschließend bis zum 30. August 2026 zu sehen und wird von einem umfangreichen Vermittlungsprogramm begleitet.

Programm der Vernissage & Ablauf

Die feierliche Eröffnung wird von einem offiziellen Programm begleitet:

Begrüßung: Dr. Dominik Pichler, Bürgermeister der Wallfahrtsstadt Kevelaer Einführung: Dr. Stephan Mann (Museum Goch), Partner der Niederrheintour Eröffnung: Veronika Kaenders M.A. (Niederrheinisches Museum Kevelaer)

Die Veranstaltung wird musikalisch begleitet. Im Anschluss sind die Gäste zu einem Sektempfang eingeladen.

Anmeldung & weitere Infos

Für die Teilnahme wird um Anmeldung gebeten:

E-Mail:info@niederrheinisches-museum-kevelaer.de

Telefon: 02832 954110

Die Ausstellung ist Teil der groß angelegten Niederrheintour 2026 mit insgesamt 40 Ausstellungen und der Präsentation von 40 Werkgruppen.

Warum sich der Besuch lohnt

Die Vernissage markiert nicht nur den Beginn einer außergewöhnlichen Ausstellungsreihe, sondern auch ein kulturelles Highlight für die gesamte Region Niederrhein. Besucher erhalten frühzeitig Einblick in ein Projekt, das Kunst, Öffentlichkeit und gesellschaftliche Fragen miteinander verbindet.

Mit seiner ikonischen Spraybanane steht Thomas Baumgärtel seit Jahrzehnten für künstlerische Freiheit und kritischen Diskurs – Themen, die auch in dieser Ausstellung zentral sind.

Thomas Baumgärtel und die Niederrheintour 2026

Weitere Informationen

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Mit der Premiere der „Nacht der Künste“ erhält Düsseldorf am 18. April 2026 ein neues kulturelles Großformat. Als Nachfolgerin der etablierten „Nacht der Museen“ vereint die Veranstaltung rund 40 Orte der Stadt, die ab 19 Uhr mit Ausstellungen, Performances und interdisziplinären Projekten bespielt werden. Einer der zentralen Programmpunkte des Abends verspricht dabei eine besonders immersive Erfahrung: „Synergetics“ – ein künstlerisch kuratiertes Club-Event im The Eight.

Verantwortlich für das Konzept ist der international tätige Künstler Maxim Wakultschik, der für seine genreübergreifenden Arbeiten bekannt ist. Mit „Synergetics“ verfolgt er einen Ansatz, der klassische Grenzen zwischen Kunst, Performance und Nachtleben bewusst auflöst. Statt passiver Rezeption steht das aktive Erleben im Vordergrund: Besucherinnen und Besucher werden nicht nur Teil des Publikums, sondern selbst zu Akteur:innen einer sich ständig wandelnden Inszenierung.

Synergetische Nächte: Wenn Kunst auf Clubkultur trifft

„Synergetics ist ein interaktives Experiment“, erklärt Wakultschik. „Ich wünsche mir, dass sich die Gäste in lebende Skulpturen verwandeln.“ Um diese Transformation zu unterstützen, stellt das Team vor Ort verschiedene Accessoires bereit, die das individuelle Eintauchen in die künstlerische Atmosphäre fördern sollen.

Begleitet wird die Nacht von einem elektronischen Line-up mit Acts wie Nicole da Silva, Lion Kay und Adele.Be. Ihre Sounds bilden das akustische Fundament für ein Zusammenspiel aus Licht, Bewegung und Rauminszenierung, das die Grenzen zwischen Bühne und Tanzfläche verschwimmen lässt. So entsteht eine synästhetische Umgebung, in der sich visuelle Kunst und Clubkultur gegenseitig verstärken.

Auch für Gastgeberseite markiert das Event einen besonderen Moment. Clubbetreiber Erik Ludwig hebt die künstlerische Dimension hervor: „Ich freue mich auf den kreativen Input und eine neue, ‚arty‘ Facette des Düsseldorfer Nightlife.“

The Eight Düsseldorf

Das The Eight selbst bietet dafür die passende Kulisse: Direkt an der Rheinuferpromenade gelegen, kombiniert die Location modernes Design mit vielseitigen Nutzungsmöglichkeiten – von Clubnächten bis hin zu kulturellen und geschäftlichen Events.

Mit „Synergetics“ wird die Nacht nicht nur verlängert, sondern neu gedacht. Kunst wird hier nicht ausgestellt, sondern erlebt – kollektiv, körperlich und in ständiger Bewegung. Damit setzt das Format ein starkes Zeichen für die Zukunft urbaner Nachtkultur: weg von starren Formaten, hin zu offenen, interaktiven Erlebnisräumen.

SYNERGETICS – Nacht der Künste Aftershow

Künstlerische Leitung: Maxim Wakultschik.
Datum: Samstag, 18. April 2026.
Einlass / Beginn: ab 22:00 Uhr.
Ort: The Eight, Rathausufer 8, Düsseldorf.
Eintritt: ab 15 €.
Mindestverzehr: ca. 10 € (entfällt mit Nacht-der-Künste-Bändchen).
Line-up: Nicole da Silva, Lion Kay, Adele.Be
Kontext: Offizielle Aftershow der „Nacht der Künste“ (Start stadtweit ab 19:00 Uhr).

Weitere Informationen

Mehr über die Nacht der Künste finden Sie hier: https://nachtderkuenste.de/

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Die Johnny Depp Ausstellung in Bayern 2026 zählt zu den ungewöhnlichsten Kunstereignissen des Frühjahrs: In der Kunsthalle Kloster Banz zeigt Johnny Depp vom 19. April bis 7. Juni 2026 eine Auswahl seiner bildnerischen Arbeiten. Präsentiert werden signierte Editionen, grafische Werke und Unikate – und damit ein umfassender Einblick in sein künstlerisches Schaffen.

Welche Werke zeigt Johnny Depp in Bayern?

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen mehrere klar dokumentierte Werkserien:

„Friends & Heroes“

Diese Serie ist Depps bekanntestes künstlerisches Projekt. Sie umfasst Porträts von Persönlichkeiten, die ihn geprägt haben – darunter etwa Bob Dylan oder Keith Richards.

Die Werke wurden bereits international veröffentlicht und ausgestellt, unter anderem durch die Galerie Castle Fine Art in Großbritannien, wo sie 2022 erstmals einer breiten Öffentlichkeit präsentiert wurden und innerhalb kurzer Zeit ausverkauft waren.

Edition „Five“ (2021)

Ebenfalls Teil der Ausstellung ist die Serie „Five“, die auf einem fotografischen Motiv im Zusammenhang mit einer Kampagne für Dior basiert. Die Arbeiten entstanden in einer persönlich prägenden Phase und wurden als limitierte Edition veröffentlicht.

„Bunnyman“-Motiv

Ein wiederkehrendes Element in Depps Werk ist die Figur des „Bunnyman“. Diese stammt aus seiner eigenen Vorstellungswelt und taucht in verschiedenen Arbeiten als wiederkehrendes visuelles Motiv auf.

Ergänzt wird die Ausstellung durch weitere grafische Arbeiten und Einzelstücke, die seine künstlerische Entwicklung nachvollziehbar machen.

Stil: Zwischen Zeichnung, Malerei und Porträtkunst

Die Werke von Johnny Depp lassen sich dem Neoexpressionismus zuordnen. Typisch sind:

rohe, direkte Linienführung
reduzierte, kontrastreiche Farbwelten
Fokus auf das Porträt als zentrales Motiv

Viele Arbeiten basieren auf fotografischen Vorlagen, die im künstlerischen Prozess bewusst verfremdet werden. Dadurch entsteht eine Bildsprache, die zwischen Zeichnung und Malerei angesiedelt ist.

Johnny Depp als Künstler

Bevor Johnny Depp weltweite Bekanntheit als Schauspieler erlangte, beschäftigte er sich bereits intensiv mit Zeichnung und Kunst. Seine bildnerische Arbeit entwickelte sich über Jahrzehnte weitgehend außerhalb der Öffentlichkeit.

Erst in den letzten Jahren wurden seine Werke systematisch zugänglich gemacht. Insbesondere durch Editionen und internationale Galeriepräsentationen wie bei Castle Fine Art. Der Fokus seiner Arbeit liegt bis heute auf Porträts und persönlichen Bildmotiven.

Die Werke werden unter dem Label Never Fear Truth präsentiert, das von Johnny Depp über die US-amerikanische Firma Never Fear Truth LLC betrieben wird. Hierüber vertreibt der Künstler limitierte Editionen, Drucke und Merchandise seiner Kunst.

Ausstellungsort: Kunst im historischen Kontext

Die Wahl der Kunsthalle Kloster Banz als Ausstellungsort verleiht der Präsentation eine zusätzliche, inhaltlich relevante Ebene: Untergebracht im ehemaligen Benediktinerkloster Banz, einem der bedeutendsten barocken Klosterensembles in Franken, verbindet die Kunsthalle historische Architektur mit einem klar zeitgenössischen Ausstellungsprogramm.

Das Gebäude selbst prägt die Wahrnehmung der gezeigten Werke maßgeblich. Großzügige, lichtdurchflutete Räume, barocke Strukturen und die erhöhte Lage über dem Maintal schaffen eine besondere Atmosphäre, die sich deutlich von klassischen White-Cube-Galerien unterscheidet. Diese räumliche Qualität ist bewusst Teil des kuratorischen Konzepts: Kunst soll hier nicht isoliert präsentiert werden, sondern im Dialog mit Geschichte, Architektur und Landschaft stehen.

Die Kunsthalle hat sich in den vergangenen Jahren als Ausstellungsort für moderne und zeitgenössische Positionen etabliert und zeigt regelmäßig Werke internationaler Künstlerinnen und Künstler. Dabei liegt ein Fokus auf zugänglichen, publikumsnahen Präsentationen, die sowohl ein kunstaffines Publikum als auch neue Besuchergruppen ansprechen.

Gerade im Kontext der Ausstellung von Johnny Depp entsteht so ein spannungsreicher Kontrast: Seine expressiven, oft sehr persönlichen Porträts treffen auf eine Umgebung, die von klösterlicher Geschichte, Ruhe und architektonischer Strenge geprägt ist. Diese Gegenüberstellung verstärkt die Wirkung der Arbeiten und eröffnet zusätzliche Deutungsebenen.

Nicht zuletzt trägt auch die Lage in Oberfranken zur Besonderheit bei. Abseits der großen Kunstmetropolen positioniert sich die Kunsthalle bewusst als kulturelles Ziel mit überregionaler Strahlkraft. Die Kombination aus historischer Substanz, kuratiertem Programm und außergewöhnlichen Ausstellungen – wie der von Johnny Depp – macht sie zu einem eigenständigen Ort im deutschen Ausstellungsbetrieb.

Fazit: Warum sich die Ausstellung lohnt

Die Johnny Depp Ausstellung Kloster Banz 2026 bietet die seltene Gelegenheit, zentrale Werkserien wie „Friends & Heroes“, „Five“ und das „Bunnyman“-Motiv im direkten Vergleich zu sehen.

Für Kunstinteressierte steht dabei weniger der Prominentenstatus im Vordergrund als vielmehr ein klar strukturierter Einblick in das künstlerische Werk Depps – von international gezeigten Porträts bis hin zu persönlichen Bildfindungen.

Johnny Depp als Künstler – Talent, Hype oder teures Branding?

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Titelbild: Foto: Never Fear Truth LLC / Quelle: np-coburg.de

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Der deutsch‑türkische Maler Mikail Akar (2012), der seit seinem vierten Lebensjahr ausstellt und international als eines der außergewöhnlichsten Talente der zeitgenössischen Kunst gilt, präsentiert ab 24. April 2026 seine Ausstellung „The First Decade“ in der Galerie Trittligasse in Zürich. Die dreitägige Show richtet den Blick auf die ersten zehn Schaffensjahre eines Künstlers, der bereits jetzt als herausragende Figur der abstrakten Malerei gilt.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl zentraler Arbeiten, die das Spannungsfeld von Abstraktion und Neoexpressionismus erkunden – geprägt durch gestische Verdichtung, vielschichtige Überlagerungen und leuchtende Farbstrukturen.

Vernissage: 24. April 2026, 18:30 Uhr
Ausstellung: 25.–26. April 2026, jeweils 14:00–18:00 Uhr
Ort: Galerie Trittligasse, Trittligasse 4, 8001 Zürich
Eine kostenfreie Anmeldung wird vorab erbeten.

Wer ist Mikail Akar? Vom Wunderkind zur globalen Präsenz

Mikail Akar wurde am 9. Oktober 2012 in Köln geboren und begann bereits mit vier Jahren zu malen. Sein erstes Gemälde erregte große Aufmerksamkeit, nachdem sein Vater es auf Facebook teilte. Kurz darauf folgten Kaufangebote, Interviews und Einladungen zu Ausstellungen.

Seither hat Akar eine beeindruckende internationale Karriere aufgebaut, mit Präsentationen in Zürich, New York, Wien, Istanbul, Miami und Berlin. Heute spricht er mehrere Sprachen, besucht eine internationale Schule und wird von der Gallery Ehren Art in Köln vertreten.

Künstlerischer Stil: Abstraktion, Ausdruckskraft und Energie

Akars Malerei wird dem Abstrakten Expressionismus zugerechnet, wobei er seinen Zugang als Action Painting beschreibt – inspiriert von Jackson Pollock und Jean‑Michel Basquiat. Seine Arbeiten zeichnen sich aus durch:

direkte Farbaufträge aus der Tube, oft ohne Zwischenstufe
dynamische Farbexplosionen und starke Kontraste
rhythmische, gestische Strukturen
lebendiges Zusammenspiel von Intuition und Kontrolle

Sein Stil überträgt sich auch auf großformatige Projekte, Fahrzeugdesigns und urbane Oberflächen.

Internationale Erfolge und Projekte

Mikail Akar hat zahlreiche herausragende Projekte realisiert:

Guggenheim Museum, New York: Werk „King of New York“ versteigert, Erlös für Kinderkunstprojekte
Empire State Building, New York: Erste Live-Mal-Performance eines europäischen Künstlers auf der Aussichtsplattform
Charity & Social Impact: Unterstützung von Hospizen, Kunstorganisationen und Benefizauktionen
Marken-Kooperationen: Rolls‑Royce-Oldtimer, Uber Germany, Gerolsteiner-Kunstetiketten
ArtFairs & Soloshows: ArtExpo New York, klassische Galerien

Seine Arbeiten erzielen inzwischen vier- bis fünfstellige Preise im internationalen Sammlermarkt – außergewöhnlich für sein Alter.

„The First Decade“: Rückblick auf zehn Jahre Kunstentwicklung

Die Ausstellung reflektiert Akars erstes Jahrzehnt künstlerischer Entwicklung. Nach der großen Jubiläumsausstellung in Köln‑Ehrenfeld Anfang 2026 bietet die Zürcher Präsentation eine konzentrierte Auswahl früher bis aktueller Arbeiten.

Mit „The First Decade“ zeigt Mikail Akar in Zürich die emotionale Kraft, formale Energie und internationale Relevanz seines Werks. Für Sammler, Kuratoren und Kunstinteressierte bietet die Ausstellung die Möglichkeit, ein außergewöhnliches Talent hautnah zu erleben – bevor seine Karriere weitere globale Dimensionen erreicht.

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Die metavier Galerie in Hannover präsentiert das eindrucksvolle Fotoprojekt Anderwelt von Bert Strebe. In seinen Arbeiten begegnen uns Menschen, die einen geliebten Menschen durch dessen Tod verloren haben – gemeinsam mit den Verstorbenen. Strebe untersucht, wie Trauer in Gestik, Mimik, Haltung und Licht sichtbar wird.

Die Fotografien von Bert Strebe zeigen die emotionale Tiefe von Verlust und eröffnen neue Perspektiven auf Trauer, Erinnerung und Integration in den Alltag.

Die Ausstellung ist mehr als reine Fotografie – sie öffnet einen sensiblen Dialog über Verlust, Trauer und Sterblichkeit. Bert Strebe übersetzt emotionale Tiefe in visuelle Geschichten und lädt die Besucher:innen ein, den Tod als Teil des Lebens zu erfahren. Ein Muss für alle, die Kunst lieben, sich mit Trauerarbeit beschäftigen oder neue Perspektiven auf Verlust suchen.

Ausstellung & Öffnungszeiten

Laufzeit: 04.04.2026 – 17.05.2026
Öffnungszeiten: jeden Sonntag 13 – 17 Uhr und nach Vereinbarung

Veranstaltungen & Termine

Sa. 04.04.2026, 18 – 21 Uhr: Vernissage mit Buchvorstellung
Mo. 13.04.2026, 19 – 21 Uhr: In Resonance mit Karin Hutter – Offener Abend mit Meditation, Stille und IFS-Übungen
Sa. 18.04.2026, 18 – 21 Uhr: Leichenschmaus – Kulinarischer Abend mit Kunst, Gesprächen und hausgemachtem Kartoffelsalat (Teilnahme: 25 €, Anmeldung bis 11.04.2026 an galerie@metavier.de)
Mo. 04.05.2026, 18 – 20 Uhr: Schreiben zur Trauer mit Ela Windels
Do. 07.05.2026, 18 – 20 Uhr: Todescafé mit Susanne Benze – Austausch über Leben, Tod und Stabilität
Mo. 11.05.2026, 19 – 21 Uhr: In Resonance – Wiederholung des offenen Abends

Über den Künstler: Bert Strebe

Bert Strebe ist ein zeitgenössischer Fotograf, der sich in seinen Arbeiten intensiv mit den Themen Verlust, Vergänglichkeit und menschliche Emotionen auseinandersetzt. Ausgehend von eigenen Erfahrungen mit Trauer entwickelt er fotografische Konzepte, die intime Momente zwischen Leben und Tod einfangen.

Seine Arbeiten zeichnen sich durch eine sensible Bildsprache aus, in der Licht, Schatten und Haltung eine zentrale Rolle spielen. Mit Anderwelt führt Strebe seine künstlerische Forschung weiter, indem er den Dialog zwischen Lebenden und Verstorbenen in den Mittelpunkt stellt und Betrachter:innen zu einer emotionalen Auseinandersetzung mit Verlust und Erinnerung einlädt.

Die Metavier Galerie

Der Initiator Sven Friedrich Cordes ist Bestatter – mit Leib und Seele. Seine Kunstgalerie widmet sich naheliegend dem Thema Tod. Ein Thema, was uns alle angeht.

Die Galerie verändert den Blick auf den Tod ein Stück bzw. bringt ihn zurück in unseren Alltag – auch um uns die eigene Sterblichkeit und Vergänglichkeit wieder bewusst zu machen.

Die Leichtigkeit der zeitgenössischen Kunst ermöglicht dem Thema Tod ohne Furcht oder dramatisch zu begegnen.

Mehr über die Galerie: https://metavier.de

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Mit der Pop-up-Ausstellung „Im Wandel der Zeit“ im art27 in Berlin öffnet der Künstler nun ein Fenster in seine eigene Entwicklung – und macht sichtbar, was sonst oft im Verborgenen bleibt: den Prozess.

Zur Vernissage am 24. April versammeln sich Arbeiten unterschiedlicher Schaffensphasen, die nicht nur für sich stehen, sondern miteinander in Dialog treten. Bis zur Finissage am 1. Mai entsteht so ein vielschichtiger Parcours durch Wedels künstlerische Transformation – von frühen Ansätzen bis hin zu jenen Positionen, in denen sich seine Handschrift heute verdichtet.

Vernissage: 24. April 2026 ab 18:00 Uhr. Chausseestraße 27 10155 Berlin.

Gegenüberstellung unterschiedlicher Werkphasen

Ein besonderer Reiz der Ausstellung liegt nicht zuletzt in der bewussten Gegenüberstellung unterschiedlicher Werkphasen. So treffen rund 15 bislang unveröffentlichte Acrylarbeiten auf Karton aus den Jahren 2013 und 2014 auf neuere Positionen aus dem Jahr 2025. Während die früheren, teils großformatigen Arbeiten – bis hin zu doppelten Formaten – noch deutlich von einer an den Tachismus angelehnten, gestischen Bildsprache geprägt sind, zeigen die aktuellen Werke eine bemerkenswerte Verdichtung in Farbe und Komposition.

Neun Acrylarbeiten auf Leinwand führen diese Entwicklung weiter und verweisen auf eine künstlerische Haltung, die sich zunehmend konzentriert, ohne dabei an Ausdruckskraft zu verlieren.

Dass Ulrich Wedel dabei mit einer Technik arbeitet, die nur selten zur Anwendung kommt, unterstreicht den eigenständigen Charakter seiner Arbeiten. Umso stärker wirkt diese Bildsprache im Dialog mit dem Ausstellungsort selbst: Statt eines klassischen White Cubes entfaltet sich die Präsentation in einem im Entstehen begriffenen Restaurant, dessen Räume bereits eine eigene künstlerische Handschrift tragen – mit Deckenmalerei, Dekorputz, Murals und Spiegeln. In dieser Verbindung aus Kunst und Raum entsteht eine Atmosphäre, die den Besuch über das reine Betrachten hinaus zu einem Erlebnis macht.

Über den Künstler

Ulrich Wedel, geboren 1955, lebt und arbeitet in Deutschland. Nach seiner Ausbildung und Tätigkeit im architektonischen Umfeld entwickelte er früh eine eigenständige künstlerische Position, die sich zwischen abstrakter Malerei und konstruktiven Ansätzen bewegt. Seine Arbeiten sind geprägt von einem experimentellen Umgang mit Material und Oberfläche sowie einer kontinuierlichen Weiterentwicklung seiner Technik.

In zahlreichen Ausstellungen – sowohl in Galerien als auch in temporären Projekträumen – wurden seine Werke bereits präsentiert. Dabei steht weniger die klassische Präsentation im Vordergrund als vielmehr der Dialog zwischen Bild, Raum und Betrachter.

Weitere Einblicke in sein Werk und aktuelle Projekte finden sich auf seiner Website: www.ulrichwedel.com

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Susanne Waltermann schafft Stich um Stich ein ikonografisch eigensinniges Werk, so komplex wie die Liste der verwendeten Materialien und durchdrungen von verschiedensten Fadenarten. Ihr eigener Körper und dessen Wahrnehmung spielen für ihre künstlerische Praxis eine wichtige Rolle.

„Ich lege das Papier auf den Boden, lege mich dann selbst darauf und male die Kontur um mich herum“.

In einem langwierigen, intuitiven Prozess entstehen Arbeiten, die in mehreren Schichten auf Japanpapier und Seidenpapier vernäht werden. Das Nähen stellt kunsthistorisch eine zutiefst persönliche Arbeit dar; das Schneiden, Reißen, Nähen und Zusammenfügen geht mit Vorstellungen von Wiedergutmachung und dem Ausdruck seelischer Spannungen einher.

Die Motive Waltermanns Votivbilder reichen vom Kochtopf zum homöopathischen Fläschchen, sie zeigen Strümpfe, Unterhosen, Fische und Würstchen. Mit der Übersteigerung des Alltagsobjekts in den sakralen Raum wird das Sakrale trivialisiert und das Triviale zugleich ästhetisiert. Es geht um eine Sinnsuche, die sich weder in einer Bildwelt aus bluttriefendem Heiland finden ließ, noch im intellektualisierten Katholizismus im Köln der 1960er Jahre.

Bei Waltermann geht es um existenzielle seelische Grundlagen des Lebens, deren Erspürung eher bild- als sprachtauglich ist, wobei das Medium Sprache als genähtes Wort bildhaft auftauchen kann. Susanne Waltermann kommentiert die Tradition des kulturhistorisch als „weiblich“ definierten Handwerks des Nähens, indem sie mit unregelmäßigen, groben Stichen und schwerem Garn die impliziten Imperative von Ordnung, Sauberkeit und stiller Perfektion systematisch unterläuft.

Die Galerie Haas in der Niebuhrstr. 5 10629 Berlin zeigt ausgewählte Werke der Künstlerin bis zum 24. April 2026.

SUSANNE WALTERMANN

Susanne Waltermann ist 1959 in Hannover geboren. 1978 bis 84 studierte sie Kunst, Deutsch und Pädagogik in Köln. Im Anschluss folgte ein Studium freie Malerei bei Prof. Schriefers in Köln, welches Waltermann als Meisterschülerin abschloss. Heute lebt und arbeitet die Künstlerin in Köln.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.susanne-waltermann.de/ueber/

Weitere Informationen

Titelbild: Susanne Waltermann, Mathilde Mathilde Mathilde. 2012, Digitaldrucke, Tusche und Goldpigment auf Papier, durchnäht mit Baumwoll- und Polyestergarn, 122 x 155 cm

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Lass es krachen: Vom 5. bis 7. Dezember 2025 findet die 23. Edition von Art Basel Miami Beach (mit VIP-Previews ab dem 3. Dezember) im Miami Beach Convention Center statt. Diese Messe ist ein absoluter Höhepunkt im internationalen Kunst- und Kulturkalender – ein Ort, an dem High-End-Galerien, Sammlerinnen, Künstlerinnen und außergewöhnliche Inszenierungen zusammentreffen, die man nicht verpassen sollte.

Art Basel Miami Beach ist längst nicht nur eine Messe, sondern ein Ereignis, das die gesamte Stadt in Ausnahmezustand versetzt. Wenn 284 der weltweit führenden Galerien ihre ikonischen Werke nach Florida bringen, verwandelt sich Miami Beach in einen vibrierenden Treffpunkt für Künstlerinnen, Kuratorinnen, Kreative und alle, die Kunst nicht nur sehen, sondern erleben wollen. Eine Woche lang verschmelzen Ausstellungen, Performances, Nacht-Events und spontane Begegnungen zu einem intensiven Festivalmoment, der weit über die Messehallen hinausstrahlt. Hinzukommt, dass aufgrund der Verschiebung des Release-Date von GTA6 gibt es jetzt bis November 2026 nur eine Möglichkeit einen Vorgeschmack darauf zu bekommen: Selbst hinfahren.

Was für ein irrer Trip das wird

Es gibt Reisen, die plant man – und dann gibt es Miami während der Art Basel, eine Woche, die sich nicht wie Urlaub anfühlt, sondern wie ein elektrischer Schlag durch das Nervensystem. Schon beim Aussteigen aus dem Flugzeug knallt dir die Luft entgegen wie ein tropischer Startschuss: nicht brütend heiß, aber warm, feucht und intensiv, mit typischen Dezember-Temperaturen von etwa 24 bis 26°C am Tag und angenehmen 16 bis 20°C in der Nacht. Selbst das Meer hat im Dezember noch rund 24 bis 25°C – warm genug, um mitten in der Kunstwoche spontan ins Wasser zu rennen. Alles wirkt größer, lauter, schneller. Die Stadt bewegt sich nicht – sie vibriert.

Miami Beach während der Art Basel ist ein Ausnahmezustand. Menschen aus der ganzen Welt strömen zusammen, jeder mit seinem eigenen Stil, seiner eigenen Geschichte, seiner eigenen Mission. Du läufst durch die Straßen, und alles sieht aus, als wäre es eine Mischung aus Fashion-Shoot, Musikvideo und einem Traum, in dem plötzlich jeder brillant, schön, wild und überdreht ist. Jede Sekunde ist ein Moment, der eskalieren kann.

Die Hotels sind voll, die Bars überfüllt, die Musik kommt von überall. Du hörst Sprachen, Akzente und Lachanfälle, die sich vermischen wie ein chaotisches, aber perfektes Sounddesign der Stadt. Nachts glühen die Neonlichter, Rooftops werden zu Tanzflächen, und irgendwer erzählt dir um vier Uhr morgens die Geschichte seines Lebens, während ihr beide auf einen Strand schaut, der aussieht, als hätte ihn jemand für einen Film über Überfluss und Freiheit ausgeleuchtet.

Du wirst ständig Menschen treffen, die dich überraschen. Künstlerinnen, die seit 48 Stunden wach sind. Sammler, die so viel Geld haben, dass sie nicht mehr in Zahlen, sondern in Kunstwerken zählen. Leute, die nichts trinken wollten und plötzlich Shots bestellen. Leute, die eigentlich früh schlafen gehen wollten und plötzlich auf einem Rooftop stehen, während ein DJ spielt, der eigentlich in Berlin sein müsste.

Und mittendrin du – mit diesem Gefühl, dass die ganze Woche ein surrealer Mix aus Kunst, Wärme, Nachtleben, Luxus und komplettem Overdrive ist. Du siehst Installationen, die dich sprachlos machen, stößt auf spontane Partys, die nur passieren, weil gerade jemand Lust hatte, eine Tür aufzumachen. Alles ist möglich, alles ist übertrieben, alles ist erlaubt.

Miami in dieser Woche ist nicht real. Es ist eine Parallelwelt, eine eigene Zeitrechnung. Du verlierst das Gefühl für Stunden, aber gewinnst Geschichten, die du nie wieder vergisst. Es ist warm, laut, hell, überladen – und genau deswegen so wunderschön.

Es wird nicht nur ein Trip.
>Es wird ein Zustand.
Ein Erlebnis, das jede andere Woche im Jahr blass aussehen lässt.
Ein kompletter Film, den du live erlebst.

Zero 10 – Die Zukunft der digitalen Kunst in Miami

Ein radikaler neuer Raum für Kunst der digitalen Ära

Zero 10 ist Art Basels komplett neu kuratierter Bereich für Kunst der digitalen Ära – ein Raum für Artists, Galerien und Innovator*innen, die an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und Kultur arbeiten. UBS fungiert als Global Lead Partner der Art Basel.

Der Name Zero 10 ist eine Hommage an „0,10“ – Kazimir Malevichs revolutionäre Ausstellung aus dem Jahr 1915, die das Denken über Kunst radikal veränderte. Inspiriert von diesem historischen Wendepunkt möchte Zero 10 neue Energie, neue Vitalität und neue Formen des künstlerischen Austauschs einbringen.

Zero 10 beginnt bewusst „bei Null“, richtet den Blick aber nach vorne: auf neue Modelle von Autorschaft, auf neue Formen digitaler Produktion und auf ein Verständnis, wie Kunst sich in einer zunehmend technologischen Welt bewegt.

Kuratiert von Eli Scheinman – einer zentralen Figur digitaler Avantgarde

Die erste Ausgabe von Zero 10 wird von Eli Scheinman kuratiert – einem der prägenden Strategen und Kuratoren digitaler Kunst.
Er gilt als Gestalter neuer Sammlerinnenmodelle an der Schnittstelle von Web3, Technologie und Fine Art und hat zuvor u. a. bei PROOF (später von Yuga Labs übernommen) maßgebliche Projekte geführt. Heute arbeitet er international mit führenden Künstlerinnen und Sammler*innen, um neue Formen der Kunstverteilung und des digitalen Sammelns zu entwickeln.

Was Zero 10 zeigt

Die Erstpräsentation 2025 in Miami bringt Werke zusammen aus:

• generativen Systemen

• Robotics

• digitaler und physischer Skulptur

• Licht- und Sound-Installationen

• codebasierten künstlerischen Praktiken

Der Schwerpunkt liegt auf neuen Modellen von Autorschaft, Exhibition und kulturellem Austausch, die zeigen, wie sich die Kunstwelt im digitalen Zeitalter weiterentwickelt.

Zero 10 wird unterstützt von OpenSea, einem Official Partner der Art Basel Miami Beach 2025.

Zero 10 – Öffnungszeiten und Venue

VIP (Invitation Only):

• Mi, 3. Dezember 2025 – 11:00 bis 19:00 (First Choice)

• Mi, 3. Dezember 2025 – 16:00 bis 19:00 (Preview)

• Do, 4. Dezember 2025 – 11:00 bis 19:00 (First Choice & Preview)

• Do, 4. Dezember 2025 – 16:00 bis 19:00 (Vernissage)

Public (mit Ticket):

• Fr, 5. Dezember – 11:00 bis 18:00

• Sa, 6. Dezember – 11:00 bis 18:00

• So, 7. Dezember – 11:00 bis 18:00

Ort:
Miami Beach Convention Center
1901 Convention Center Drive
Miami Beach, FL 33139

Meridians – die monumentale Seite der Art Basel

Parallel zu Zero 10 präsentiert Meridians großformatige Installationen, immersive Räume und monumentale Werke, die die Grenzen klassischer Messepräsentation sprengen. Kunst wird hier nicht betrachtet – sie wird körperlich erfahren. Zero 10 und Meridians ergeben 2025 die stärkste Kombination aus physischem und digitalem Experiment, die Art Basel je gezeigt hat.

Planung: Tickets, Routing & Stadtvibes

Premium-Passes bieten Zugang zu Previews und exklusiven Bereichen. Gute Planung macht den Besuch intensiver: Lieblingsgalerien markieren, Side-Events einplanen und genug Zeit für Zero 10 und Meridians reservieren.

Während der Messe lebt Miami Beach in einem besonders schnellen Takt: Rooftops, Pop-ups, Performances und Kunst an jeder Ecke.

Die besten Hotels – Luxus, Mid-Range, Budget

Luxus

Ritz-Carlton South Beach
https://www.ritzcarlton.com/en/hotels/miasb-the-ritz-carlton-south-beach/overview/?utm_source=arttrado.de

Hotel Greystone
https://www.greystonehotel.com/

Esmé Miami Beach Hotel
 https://esmehotel.com/

Mid-Range

Catalina Hotel & Beach Club
https://www.catalinahotel.com/

The Palms Hotel & Spa
https://www.thepalmshotel.com/

Lennox Miami Beach
https://www.lennoxmiamibeach.com/offers?gad_source=arttrado.de

Budget

Freehand Miami
 https://freehandhotels.com/miami/

Generator Miami
https://staygenerator.com/hotels/miami?lang=de-DE

South Beach Rooms and Hostels
https://sobehostelbar.hotels-miamibeach.com/en

Tickets & Zugang – Sichere dir deinen Eintritt

Wer nach dieser Woche voller Kunst, Chaos, Sonne, Energie und absoluter Eskalation wirklich dabei sein will, sollte sich frühzeitig um Tickets kümmern. Die Art Basel Miami Beach ist jedes Jahr restlos überlaufen, und die besten Zugänge sind schnell weg.

 Offizieller Ticketshop

https://www.artbasel.com/miami-beach/buy-tickets

Ticketoptionen (Auswahl)

• General Admission
  Zugang zu den öffentlichen Messetagen – perfekt für alle, die die volle Atmosphäre erleben wollen.

• Premium Pass
  Enthält erweiterten Zugang und zusätzliche Programmpunkte; ideal, wenn du tiefer eintauchen willst.

• First Choice / Preview / VIP
  Nur auf Einladung oder als limitiertes Sonderticket erhältlich – frühester Zugang zu allen Präsentationen, bevorzugt von Sammler*innen und Branchenprofis.

Warum du früh buchen solltest

Die Nachfrage explodiert jedes Jahr.
Tickets, Hotels und Flüge werden knapp – und teuer.
Wer wirklich Teil des Art-Basel-Moments sein möchte, wartet nicht.

Direkter Link zum Ticketkauf:

https://ticket.messe-tickets.ch/MCH_shop/4001-miami-beach/Shop

Fazit

Zero 10 ist 2025 das große Zukunftsversprechen der Art Basel Miami Beach – ein radikal neuer Raum, der digitale Kunst ernst nimmt, ihre Avantgarde ins Zentrum stellt und neue Formen des Sammelns und Ausstellens präsentiert. Zusammen mit Meridians, der Stadtenergie und den globalen Galerien entsteht ein Ereignis, das Kunst, Technologie und kulturelle Zukunft verbindet.

Egal, ob du im Ritz aufwachst oder im Freehand mit Künstler*innen Kaffee trinkst – die Art Basel Miami Beach 2025 wird laut, intensiv, digital, monumental und unvergesslich.

„Mein Atelier in Portugal ist ein Ort, an dem ich mir anders selbst begegne. Ich empfinde dort eine spezielle Einsamkeit, ein anderes bei mir sein als draußen. Genau das möchte ich mit meinen Bildern darstellen und fühlbar machen.“ So zeigen seine Arbeiten die Welt in ihm, innere Landschaften, bevölkert von schemenhaften Gestalten. Dahinter spiegeln sich seine Themen wider: Menschen, Freiheit, Weltoffenheit. Galeristin Antonia von Fraunberg betont: „Ich habe Leon kennengelernt, als er, gerade 17 Jahre jung, das erste Mal in meiner Galerie saß. Seitdem hat er seine Position in der Kunstwelt stark gefestigt, sowohl durch Ausstellungen in Museen und renommierten Galerien im In- und Ausland, als auch durch Kunstmessen Beteiligungen. Er hat zudem wichtige Preise bekommen, wie den Ernst-Barlach-Preis 2023. Sein Malstil ist ausgeprägter und seine authentische Position stößt gleichermaßen auf Begeisterung bei Sammlern und jungen Kunstinteressierten.“

Sie fährt fort: „Seine aktuellen Arbeiten weisen auch eine zarte, poetische Richtung auf, die den Betrachter in die Gedankenwelt des Künstlers eintauchen lässt. Mit seinen Arbeiten möchte er sichtbar machen, was hinter dem Horizont, hinter dem Sichtbaren liegt. „Wo das ist, was ich bin“, so Leon.

Die Eröffnung findet am Freitag, dem 14. März 2025 um 19:00 Uhr statt. Die Begrüßungsrede hält Bürgermeiser Josef Hinkel, im Anschluss findet ein kurzer Dialog mit dem Künstler statt. Die von fraunberg art gallery bittet um Anmeldung.

Leon Löwentraut – ultra-contemporary

Leon Löwentraut (Jahrgang 1998) hat mit seinem markanten und ausdrucksstarken Stil schnell Aufmerksamkeit erregt. Seine spürbar energievollen Arbeiten schweben zwischen Figuration und Abstraktion. Mit beeindruckender Geschwindigkeit hat sich der junge Künstler einen Namen in der internationalen Kunstwelt gemacht.

Leon Löwentraut begann bereits in jungen Jahren zu malen und entwickelte schnell einen eigenen Stil. Inspiriert von Künstlern wie Picasso, Basquiat und Keith Haring, vermischt er Einflüsse aus Street Art, Expressionismus und abstrakter Kunst zu dynamischen und provokanten Kompositionen.

Er gilt als Vorreiter einer jungen Künstler- und Sammlergeneration, die der Szene neuen Schwung verleiht, sie förmlich erfrischt. Auf Instagram hat der 27-jährige Ausnahmekünstler mehr als 1,2 Millionen Follower.

Die Arbeiten des in der Nähe von Düsseldorf und hauptsächlich in Portugal lebenden und arbeitenden Künstlers wurden bereits in internationalen Museen wie u.a. dem Kunstforum Wien, dem Palazzo Medici Riccardi in Florenz, der geschichtsträchtigen Biblioteca Nazionale Marciana in Venedig, dem Bayerischen Nationalmuseum in München, dem Osthaus Museum in Hagen, dem Puschkin-Museum in St. Petersburg sowie in Galerien, u.a. in New York, Miami, London, Madrid, Ibiza, Kopenhagen und Zürich gezeigt.

Auch auf wichtigen Kunstmessen wie u.a. in Miami, Zürich, Madrid und Toronto sind seine Arbeiten präsent.

Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst

Die Ernst Barlach Gesellschaft verlieh Leon Löwentraut 2023 den Ernst Barlach Preis für Bildende Kunst. Der Preis ehrt Künstler für besonders innovative Positionen. In seiner Laudatio erklärte Dr. Jürgen Doppelstein, Museumsdirektor und Vorsitzender der Ernst Barlach Gesellschaft: „Leon Löwentraut zeigt den modernen Menschen in seiner ganzen Isolation und Zersplitterung. Und diesen Menschen macht er zugleich zu einem großen Geheimnis. … Oftmals wirken seine Figuren wie maskierte Einsame. Damit berührt er einen Nerv der Gegenwart und begeistert besonders jüngere Menschen für seine Kunst.“

Das Wirtschaftsmagazin Forbes wählte ihn 2021 unter die „30 under 30“ (die 30 wichtigsten Persönlichkeiten unter 30 Jahren). Damit gehört der Düsseldorfer laut Forbes zu den jungen Deutschen, die 2020 Herausragendes geleistet haben und daran arbeiten, die Gesellschaft zum Besseren zu verändern.

2022 ist im teNeues Verlag eine großformatige Leon-Löwentraut-Monographie erschienen, die der Verlag auf der Frankfurter Buchmesse 2022 in Anwesenheit des Künstlers präsentierte.

Die Hochschule Kaiserslautern erteilte dem Düsseldorfer Maler für das Wintersemester 2021/2022 einen Lehrauftrag im Studiengang Virtual Design. Thema „Future Exhibition Design“. Ziel war es, intelligente Inszenierungsformate für den Kunstsektor zu entwickeln, um analoge Kunst mit digitalen Möglichkeiten greifbarer zu machen. Für das gemeinsam entwickelte Projekt „Volar“ gab es vom Art Directors Club (ADC) Gold.

Hintergrund: Im ADC Wettbewerb werden jährlich die kreativsten Arbeiten im deutschsprachigen Raum ausgezeichnet.

Von fraunberg art gallery

von fraunberg art gallery beschäftigt sich hauptsächlich mit contemporary art. Die Galerie konzentriert sich auf „junge Kunst“. Präsentiert werden hier sowohl „young fine artists“ als auch renommierte internationale Künstler.

 

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Weitere Informationen

Zur Webseite der Galerie: https://vonfraunbergartgallery.com/

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