Susanne Waltermann schafft Stich um Stich ein ikonografisch eigensinniges Werk, so komplex wie die Liste der verwendeten Materialien und durchdrungen von verschiedensten Fadenarten. Ihr eigener Körper und dessen Wahrnehmung spielen für ihre künstlerische Praxis eine wichtige Rolle.

„Ich lege das Papier auf den Boden, lege mich dann selbst darauf und male die Kontur um mich herum“.

In einem langwierigen, intuitiven Prozess entstehen Arbeiten, die in mehreren Schichten auf Japanpapier und Seidenpapier vernäht werden. Das Nähen stellt kunsthistorisch eine zutiefst persönliche Arbeit dar; das Schneiden, Reißen, Nähen und Zusammenfügen geht mit Vorstellungen von Wiedergutmachung und dem Ausdruck seelischer Spannungen einher.

Die Motive Waltermanns Votivbilder reichen vom Kochtopf zum homöopathischen Fläschchen, sie zeigen Strümpfe, Unterhosen, Fische und Würstchen. Mit der Übersteigerung des Alltagsobjekts in den sakralen Raum wird das Sakrale trivialisiert und das Triviale zugleich ästhetisiert. Es geht um eine Sinnsuche, die sich weder in einer Bildwelt aus bluttriefendem Heiland finden ließ, noch im intellektualisierten Katholizismus im Köln der 1960er Jahre.

Bei Waltermann geht es um existenzielle seelische Grundlagen des Lebens, deren Erspürung eher bild- als sprachtauglich ist, wobei das Medium Sprache als genähtes Wort bildhaft auftauchen kann. Susanne Waltermann kommentiert die Tradition des kulturhistorisch als „weiblich“ definierten Handwerks des Nähens, indem sie mit unregelmäßigen, groben Stichen und schwerem Garn die impliziten Imperative von Ordnung, Sauberkeit und stiller Perfektion systematisch unterläuft.

Die Galerie Haas in der Niebuhrstr. 5 10629 Berlin zeigt ausgewählte Werke der Künstlerin bis zum 24. April 2026.

SUSANNE WALTERMANN

Susanne Waltermann ist 1959 in Hannover geboren. 1978 bis 84 studierte sie Kunst, Deutsch und Pädagogik in Köln. Im Anschluss folgte ein Studium freie Malerei bei Prof. Schriefers in Köln, welches Waltermann als Meisterschülerin abschloss. Heute lebt und arbeitet die Künstlerin in Köln.

Mehr über die Künstlerin finden Sie hier: https://www.susanne-waltermann.de/ueber/

Weitere Informationen

Titelbild: Susanne Waltermann, Mathilde Mathilde Mathilde. 2012, Digitaldrucke, Tusche und Goldpigment auf Papier, durchnäht mit Baumwoll- und Polyestergarn, 122 x 155 cm

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Am Freitag, dem 07. März 2025, lädt der Künstler Maxim Wakultschik ab 22 Uhr zum Kunst-Happening „Synergetics“ in die Rudas Studios im Düsseldorfer Medienhafen ein. Die Besucher können sich auf eine Symbiose aus Musik, Theater, Varieté, Performance, Schauspiel, Kunst, Mode, Design und neuen Technologien freuen. Licht und Schatten, Farben und Formen, Klang und Bewegung verschmelzen mit dem interaktiven Publikum zu einem besonderen Erlebnis. Der Gast ist nicht nur Zuschauer – er wird Teil der Kunst-Show.

Maxim erklärt: „Synergetics ist ein interaktiver Event – ein großes Experiment. Es wird eine immersive Erfahrung, in der Musik, Performance und Kunst zusammenkommen. Ich wünsche mir, dass sich die Gäste in lebende Skulpturen verwandeln.“

Um das zu ermöglichen, wird eine Auswahl verschiedenster Accessoires für die Gäste bereitgestellt. Musikalisch werden Deep House, melodische elektronische Beats und symphonische Instrumente miteinander verwoben.

Interaktion mit dem Publikum und Gruppenfeelings

Interaktion mit dem Publikum ist dem Düsseldorfer Künstler Maxim Wakultschik auch in seiner Kunst ein Anliegen. Seine aus bis zu 100.000 Holzstäbchen in bis zu 1.500 verschiedenen Farbtönen zusammengesetzten Optical Portraits, die oft sphärisch-schöne Frauenantlitze zeigen, wachsen in den Raum hinein, flirren und flimmern, scheinen zu leben. Im Spiel mit Licht und Schatten, Farbkontrasten, Position und Ausrichtung eröffnet jeder Perspektivwechsel neue Blickwinkel, die überraschen und spielerisch zur Neubetrachtung und damit zur Bewegung auffordern.

„Synergetics“ soll diese „flirrende“ Kunst visualisieren.

„Der Urknall meiner Kunst soll sichtbar gemacht werden. Die in meiner Seele geborene Kunst wird in ihre Moleküle zerlegt, die sich im nächsten Moment wieder verdichten, um erneut zerlegt zu werden“ –  Maxim.

Mit seinem Performance-Event kreiert der Düsseldorfer Künstler ein Gesamtkunstwerk. „Ich möchte Talente um mich versammeln, die sich kreativ austoben. Jeder hat die Freiheit, sich emotional und schöpferisch auszudrücken und zu performen. Innovation ist Gesetz. Keine Wiederholungen, keine Klischees. Trends werden hier geboren, nicht kopiert. Was andere tun, ist für mich tabu. Das Unerwartete ist mein Standard“, erklärt der Künstler. „Ich wünsche mir ein kreatives, intellektuelles Publikum. Und ich möchte, dass wir gemeinsam ein großartiges Erlebnis kreieren. Ich denke an eine Symbiose aus Alice im Wunderland und Andy Warhols Factory. Die Gäste sollen lachen, staunen, euphorisch sein.“

Freigeister und Lebenskünstler willkommen. Die Metamorphose kann beginnen – Gruppenfeeling garantiert!

Synergetics by Maxim Wakultschik

Freitag, 07. März, ab 22 Uhr – Ende offen.
Rudas Studios, Zollhof 11, 40221 Düsseldorf
Eintritt: Abendkasse 20 Euro / für Studenten 15 Euro.
Für geladene Gäste bis 24 Uhr freier Eintritt, ab 24 Uhr 15 Euro.
Dress Code: Elegant, bold, creative—dress to impress!

 

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Maxim Wakultschik

Der 1973 in Minsk geborene Maxim Wakultschik studierte unter Prof. Jannis Kounellis und Prof. Beate Schiff an der Kunstakademie Düsseldorf. Bereits in Minsk, damals noch Sowjetunion, erhielt er eine intensive Ausbildung in klassischer Kunst – eine Grundlage, die bis heute seine kreative Arbeit prägt.

Nach seinem Kunststudium erklärte er die Rheinmetropole zu seiner Wahlheimat. Von Düsseldorf aus hat sich Maxim Wakultschik international einen Namen gemacht und stellt weltweit aus, u.a. in Basel (VOLTA Art Fair), New York (VOLTA Art Fair), Miami (Art Miami), Wien, Madrid, Turin, Amsterdam, Istanbul, Seoul und Abu Dhabi (Abu Dhabi Art Fair).

Eine Auswahl seiner nächsten Ausstellungen:

März. 07 – 9, 2025: Art Fair Tokyo, Japan with HOFA Gallery
Mar 07 – 30, 2025: Farben des Lichts, Essenheim, Germany, Essenheimer Kunstverein
März 7 – Apr 19, 2025: Anya’s Eye (Group), Houston, USA, Anya Tish Gallery
Mar 26 – 30, 2025: Art Central Hong Kong, China with HOFA Gallery
Mar 30 – Apr 30, 2025: Retrospektive, Düsseldorf, Germany, Burkhard Eikelmann Galerie
Sep 20 – Dec 27, 2025: Solo for Nit de l’Art, Gerhardt Braun Gallery, Palma de Mallorca, Spain

Weitere Informationen

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Die meisten freuen sich über die Einladung zu einer Veranstaltung, aber fast jeder zerbricht sich den Kopf bei der Frage; was ziehe ich auf einer Vernissage an? Wer als Gast zu einer Ausstellung kommt, sollte weder overdressed noch zu nachlässig erscheinen. Ein gepflegtes, aber entspanntes Outfit ist der beste Kompromiss.

Dunkle, gut sitzende Jeans oder eine Chino (ohne Waschungen oder Löcher, Schlichte Sneakers, Chelsea Boots oder Lederschuhe, dazu ein einfarbiges Hemd oder hochwertiges T-Shirt, optional mit einem leichten Blazer und dezente Accessoires wie eine Armbanduhr oder ein Ledergürtel, die das Outfit abrunden und niemand wird sagen, das der Herr falsch gekleidet war oder ist.

Bei Frauen sind es klassischerweise, ebenfalls die dunkle Jeans oder eine elegante Stoffhose, alternativ ein schlichtes Midi-Kleid. Dazu Ankle Boots, Loafers oder flache Lederschuhe. Eine lockere Bluse, Rollkragenpullover oder ein hochwertiges T-Shirt mit Blazer und ebenfalls dezente, aber hochwertige Schmuckstücke.

No-Gos für alle Besucher sind: Jogginghosen, Sport-T-Shirts oder zu auffällige Muster, die die Kunst in den Hintergrund drängen.

Galeristen und Veranstalter: Eleganz ohne Langeweile

Als Gastgeber einer Ausstellung repräsentiert man die Galerie und das Event. Das Outfit sollte stilvoll, aber nicht überkandidelt sein.

Für Männer:

• Ein gut sitzender Anzug in gedeckten Farben (Dunkelblau, Grau oder Schwarz) – ohne Krawatte, es sei denn, es handelt sich um eine hochkarätige Vernissage

• Alternativ: Dunkle Stoffhose mit einem maßgeschneiderten Sakko und hochwertigem Rollkragenpullover

• Lederschuhe, idealerweise klassische Derbys oder Brogues

• Dezente, aber markante Accessoires (zum Beispiel eine schlichte Uhr oder ein Seidenschal im Winter)

Für Frauen:

• Ein schlichter Hosenanzug oder ein elegantes Kleid (keine Abendgarderobe, sondern business-casual mit Stil)

• Hochwertige Loafers, Stiefeletten oder Pumps mit moderater Absatzhöhe

• Dezente Statement-Accessoires (zum Beispiel eine schicke Tasche oder ein auffälliges Schmuckstück)

• Keine zu aufdringlichen Farben – der Fokus soll auf den Gästen und der Kunst liegen

No-Go: Zu freizügige oder verspielte Outfits, ausgelatschte Schuhe oder eine Garderobe, die nach Freizeitveranstaltung aussieht. Gleichzeitig sollte das Outfit nie Preisintensiver sein, als die Kunstwerke, die gehandelt werden – das schickt sich nicht.

Künstler: Auffallen mit Klasse – aber ohne die Kunst zu verdrängen

Künstler genießen modische Freiheiten und dürfen (sogar sollen) ihren persönlichen Stil zeigen. Das Outfit kann ein Statement sein, sollte jedoch nicht zum Hauptgesprächsthema werden.

Für Männer:

• Kreative Kombinationen, zum Beispiel eine weite Stoffhose mit einem oversized Hemd oder Statement-T-Shirt

• Auffällige Jacken oder Mäntel mit unkonventionellen Schnitten

• Sneakers oder robuste Stiefel – Hauptsache, der Look wirkt bewusst gewählt

• Persönliche Akzente: markanter Hut, künstlerische Schmuckstücke oder ein auffälliger Schal

Für Frauen:

• Exzentrische, aber durchdachte Outfits – zum Beispiel ein asymmetrisches Kleid oder ein auffälliger Jumpsuit

• Muster, Farben und Texturen dürfen kombiniert werden, solange das Gesamtbild stimmig ist

• Flache Schuhe oder kreative Modelle wie Plateausandalen

• Accessoires, die die Persönlichkeit betonen (künstlerischer Schmuck oder ungewöhnliche Taschen)

Tipp: Künstler sollten darauf achten, dass das Outfit ihre Werke ergänzt und nicht überstrahlt. Wer zum Beispiel minimalistische Kunst zeigt, sollte auch bei der Kleidung auf klare Linien setzen.

Wenn ein „Outfit“ die Kunst überstrahlt – Kanye West und Bianca Censori als Beispiel

Ein interessantes Beispiel, bei dem Mode die Kunst und das Event in den Schatten stellte, bot die Grammy-Verleihung 2025. Kanye West sorgte gemeinsam mit seiner Frau Bianca Censori für Gesprächsstoff, als sie in einem durchsichtigen Mini-Kleid erschien, das den Eindruck erweckte, sie sei nackt. Der Auftritt erregte erhebliche Aufmerksamkeit und löste Diskussionen über Grenzen der Mode bei öffentlichen Auftritten aus.

West verteidigte das Outfit später und bezeichnete es als “unsichtbares Kleid”, während Medien und Beobachter zwischen mutiger Selbstinszenierung und unangemessenem Verhalten schwankten. Der Skandal zeigt: Modische Freiheit ist großartig, aber bei kulturellen Veranstaltungen wie Kunstausstellungen sollte das Outfit nicht die Hauptrolle übernehmen.

Also, was ziehe ich auf einer Vernissage an? – Ein Fazit für alle:

Authentizität und Stil sind das A und O. Wer als Besucher auf elegante Schlichtheit setzt, als Galerist Professionalität verkörpert und als Künstler seine Kreativität zur Schau stellt, macht garantiert nichts falsch – solange die Kunst weiterhin im Mittelpunkt bleibt.

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Männliche Mitglieder von ARTTRADO waren bisher immer gut beraten bei: Das Team – Stil Männermode Pritzwalk

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Noel Dederichs ist 18 Jahre jung und unterhält monatlich Millionen von Menschen in den sozialen Medien mit kleinen oder auch größeren Videoprojekten. Dabei wurde er im letzten Jahr, 2023 zum „Breakout Creator 2023“ auf YouTube ernannt. Damit zählt Dederichs zu den erfolgreichsten Aufsteigern in der YouTube-Welt neben Formaten wie unter anderem 7 vs. Wild. Der Einser-Schüler aus Nordrhein-Westfalen hat damit ein sensationelles Jahr hingelegt und lässt auch seine Projekte und die Kreativität dahinter in der Zukunft immer mehr wachsen.

Hypeneedz ist die Anlaufstelle für limitierte Schuhe, Kleidung und Accessoires. Wer in den letzten Tagen in der Sendlingerstrasse 26a · 80331 München, den Hypeneedz Store betreten hat, konnte dort auch Schuhe entdecken, die von Noel Dederichs designt wurden und im Anschluss an die Mini-Ausstellung für einen guten Zweck zum Kauf angeboten werden. Der Preis für die Crocs wurde mit 166,66€ angegeben, wobei der Käufer entscheiden kann, wohin die Spende fließen soll.

Doch wer ist überhaupt der Begründer der #PNSLGANG?

#PNSLGANG – Noel Dederichs

Vor einigen Wochen sind wir auf ein Video von Noel Dederichs aufmerksam geworden, bei dem er sich in einem kurzen Clip humorvoll mit der Frage auseinandersetzt, was Kunst eigentlich ausmacht und wie er Künstler wird. Oft tauchen Künstler auf und verschwinden nach nur ein, zwei kleinen Spaßprojekten wieder – das kann für „echte Sammler“ und Kunstfreunde oft abschreckend wirken, da es den Eindruck erwecken könnte, die Kunstwelt wäre ein Spielplatz ohne Regeln. Das stimmt natürlich nicht, aber genau deshalb schenken viele Plattformen auch neuen Künstler weniger bis keine Aufmerksamkeit, da es sich um Eintagsfliegen handeln könnte. Es ist sicherer für die eigene Reputation, darüber zu schreiben was bereits funktioniert – als etwas neuem eine Bühne zu geben. Dabei ist es immer spannend, zu sehen wie junge Menschen überhaupt zur Kunst finden und ist in unseren Augen auch ein Vorteil für die gesamte Branche, wenn jemand kommt und ungezwungen an eine Projektidee rangeht – einfach aus Spaß.

Dabei ist die Kritik von etablierten und gelernten aus der Szene oft größer, wenn Menschen mit einer medialen Reichweite plötzlich anfangen Kunst zu machen. Denn natürlich haben diese es „immer viel einfacher“. Aber, sich eine große Reichweite aufzubauen und Content zur Unterhaltung zu entwickeln, ist auch eine Form von Kunst und vor allem Kreativität. Noel Dederichs hat also durchaus eine Daseinsberechtigung, sowieso hat er grade sein zweites Kunstprojekt im Hypeneedz München beendet – er scheint es also ernst zu meinen.

 

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Noel Dederichs – Warum Kunst?

Seit dem Sommer 2023 bin ich durch ein Videoprojekt in die Kunst Nische gerutscht. Zuerst noch durch einen Spaß, bei welchem ich einen roten Punkt auf eine Leinwand gesprayt habe. Im Endeffekt konnte ich dieses Bild für einen 4-stelligen Betrag verkaufen und das Geld spenden. 

Im Februar 2024 stand jetzt mein zweites Kunstwerk, neu designte Crocs Schuhe im Hypeeneedz Store München aus. Jetzt strebe ich an, meine künstlerischen Flügel weiter zu spannen und einen ernsteren und viel erwachsenen Blick darauf zu werfen.

Dabei denke ich, dass meine bisherige Reichweite in den sozialen Medien helfen wird, schneller an Einfluss zu gewinnen und vor allem jungen Menschen zu zeigen, wie wichtig künstlerische Freiheit ist und die eigene Kreativität. Ich möchte junge Menschen dazu inspirieren, sich selber in der Kunst zu finden und diese ernster zu nehmen. Es gibt eben nicht nur die langweiligen alten Museen mit Kirchenmalereien, es gibt darüber hinaus viel mehr zu entdecken.

In meiner Auffassung von Kunst sehe ich nicht nur Gemälde, oder Skulpturen. Ich denke, dass auch durch neue Technologien wie NFTs der Raum von Kunst ausgebreitet werden kann. Kunst ist für mich die reinste Form von Freiheit, weil es eben keine Regeln oder Grenzen gibt. Nur sollte Kunst immer aus einem Gedanken und damit einer Geschichte entstehen. Kunstwerke haben in meinen Augen immer eine Geschichte, die erzählt wird.

Mein Ziel: Der Jugend diese Geschichten zu zeigen!

Wir sind gespannt wohin die Reise geht! 

 

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Zum YouTube-Kanal von Noel Dederichs!

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For the fashion industry Anna Matskova offers brand advertising and general product advertising videos. Matskova makes video clips for performance artists and musicians. She is currently working on two projects: a music video for the singer EAVA, which is their third project together, and a full-length film for theatrical distribution.

In this interview we would like to get to know the film artist Anna Matskova better – if you are interested in a collaboration/production – please feel free to contact us. The German translation of the interview will follow soon.

Anna Matskova in an Interview

What cultural influences from Russia inform your films, and how do they shape your creative process as a filmmaker?

My works are influenced by contemporary art, choreography, and music, which inspire me the most. Music plays a key role in my works, as I use it to interact with viewers in a non-verbal way by employing figurative narrative to express my ideas.

As an Art Director, you have a unique perspective on visual aesthetics. How do you strike a balance between cultural authenticity and universal accessibility in your projects?

My main approach is to find a balance between cultural authenticity and artistic universality, which allows viewers to understand the message independently of their backgrounds. I am grateful to my teachers, who gave me the opportunity to learn from outstanding examples. I always avoid clichés and bring my own original associative images with elements of universal symbolic representations.

What challenges do you see in the film industry, especially for women and creative minds from Russia, and how do you attempt to overcome them?

The main challenge of modern video art is its narrow focus on monetization. The monetization trend shapes the whole media space and its content, influencing the audience and forming their tastes. It leaves almost no space for original creative projects that do not fit into the general commercialization trends. It is a pity that such projects are simply lost like a needle in a haystack. I see my mission in creating such content, and that is why I highly appreciate this platform, which promotes creative projects and lets the general audience learn about them.

Can you provide insights into the use of symbolism and visual metaphors in your works and how they contribute to storytelling?

I am very keen on using metaphors and figurative language, which allow me to express ideas more efficiently than «the language of realism» due to the visualization techniques and their subconscious nature. I employ music as a tool to identify appropriate but unexpected images. And like to lie down, close my eyes, listen to music, and let my imagination fly to create new images for my works. I want to provoke my viewers to discover the meanings of my works through their own mental processing of the content, which is not illustrative by itself. I believe that the greater immersion and involvement of the viewer is a crucial aspect.

Which current trends or developments in the Russian film industry currently fascinate or inspire you the most?

There are many contemporary art exhibitions and festivals, where you can find inspirational works of other authors and also present your own works. I displayed my work «VACUUM» on a 360o screen in the Atma360 space as part of the Genesis festival.

Vacuum AV Project/Genesis² by Anna Matskova

VACUUM is a dance, short performance film created by director Anna Matskova and composer Ilya Symphocat. This work combines dance performance by Elsa Serova, Laran Laraan and the dance group FarFor YO (choreographer Banzay BNZ), as well as ambient, choral music and sound design.

VACUUM, can be seen as an immersive, group process of immersion in the magnetism of an archaic and primordial world, flowing into our present and tangible reality. It’s an opportunity to immerse yourself in one shared emotional experience of purification and destruction, depending on which atmospheric fronts or urban landscapes you choose to stay in.

The aim of the film was to explore and capture the moment of unity of a man and a woman outside of time and circumstances, as if in a vacuum – in the nature environment. And the gradual destruction of this harmony with their immersion in urban space.

I also directed and filmed a performance for the opening of the online Gamma Festival 2020, during the Covid-19 restrictions. The festival attracted over 6 000 viewers. The idea behind my piece was the limitations put on the society and its artistic freedom during the covid pandemic.

OSTINATO Audio-visual performance based on the method of musical and artistic composition „ostinato“, that interprets the repeated repetition of a melodic phrase, rhythmic figure or harmonic turn.

Performance can be considered as a reflection on the events happening to us nowadays. The space for creating a work becomes an old Stepan Razin factory in industrial area of Saint Petersburg.

Performers use the actual attributes of our reality, familiar during pandemic to everyone: face masks, striped tapes, form of communication in online broadcast. They capture the experience of events through the prism of artistic perception, combining music, choreography, vocal improvisation and creating a media sculpture on the ruins of the past.

How do you maintain a coherent visual language as an Art Director across different projects, and which elements are particularly important to you?

I choose an aesthetic minimalism for my visualization language. I adhere to a clearly structured composition within the frame, lacking unnecessary elements. This may sometimes look unnatural, but it lets me emphasize the main visual narrative and immediately attract the viewer’s attention in a purposeful way.

What creative techniques do you employ to emotionally engage audiences in your stories and create a deeper connection?

Besides music, I use dance performance in my works to engage viewers emotionally. The body language conveys emotions as well as hidden messages. I usually work with the street dance and performance group FarFor.

In your role as a filmmaker and Art Director, how do you view your responsibility in promoting cultural diversity and inclusion in the film industry?

I tend to adhere to a certain ideology and convey certain concepts in all my works, including commercial ones. I clearly do not welcome plagiarism and copy-cuts of others’ ideas or views, i am in favor of authenticity, self-identity, and independence. Believe that only this approach will bring something new into our culture and cinema.

How do you select the visual elements for your projects to evoke the desired mood and atmosphere?

Natural environment is an important visual element of my works. Its main purpose is not just to serve as a beautiful background, but to be a key component along with the actors and the action in the frame. I choose the environmental scenes very carefully, which usually takes some weeks or even months to find the right locations. For example, it took me several months of traveling and studying maps to choose filming locations for «VACUUM» before I started shooting. I wanted to find a natural background unscathed by human activity, but also wild and beautiful, serving as a counterpoint to large asphalted squares with no room for wildlife. In the end, I found what I needed. To make it even more readable, I came up with the idea of shooting this work from a bird’s-eye view using drone footage.

What artistic influences have most shaped your work as an Art Director, and how do they manifest in your projects?

As an artist and filmmaker, I was influenced primarily by classical education, which shaped my vision influenced with the study of contemporary culture. Among my favorite authors are such film classics as: Michelangelo Antonioni, Andrei Tarkovsky, Sergey Urusevsky, Gaspar Noé, Denis Villeneuve, Alex Garland, Hayao Miyazaki, The_Wachowskis, Alberto Mielgo.

My favorite fiction authors are: Hermann Hesse, Fyodor Dostoevsky, Mikhail Lermontov, Ray Bradbury, Philip K.Dick, Gabriel García Márquez, Julio Cortázar Artists: M. C. Escher, Leonardo da Vinci, Mikhail Vrubel, Arkhip Kuindzhi.

Photographers: Ben Zank, Lesliezhang, Zeng Wu, Simon Stalenhag, Olafur Eliasson.
Computer game creator: Hideo Kojima
Modern choreography: Damien Jalet
Music: Hans Zimmer, Steve Roach, Burial, Aes Dana
Fashion: Alexander McQueen, Rick Owens

I find in the works of these authors very influential and share their spirit and vision of the world.

Could you share your approach to selecting film music and sound design to enhance the emotional resonance of your works?

I give great importance to the music in my works. Ilya Symphocat, a modern Russian composer, has been the music author for almost all of my works. Ilya writes music in the ambient genre, which, in combination with the visual content, creates a certain atmosphere that draws the viewer into a meditative perception. We share a similar vision, and I think it is very important for collaborative creativity.

What role does collaboration with other creative minds, such as scriptwriters or cinematographers, play in bringing your visions to life?

I’m very careful when it comes to staff my projects. I choose people with similar visions so that together we can create something that expresses our common views. It’s important for me to involve everyone in the project and showcase their talent.

How do you deal with creative blocks or challenges during the creative process?

I feel very inspired when it comes to filming, which I always approach very diligently. I create an atmosphere on set that energizes everybody who works with me, and i have no roadblocks when it comes to work.

What technologies or innovative approaches do you use to maximize the visual quality of your projects?

I film my projects on professional cameras of the latest generation, such as ARRI Alexa and RED Comodo. I often use drones for shooting, including such brand names as Mavic-pro and action drone fpv and also use computer graphics in my works.

How do you maintain your artistic signature while adapting to different genres or projects as an Art Director?

If I work on a commercial project, I often have to adapt to the customer’s taste, but my artistic vision and selection of references and sketches help to inspire and find a common language.

Which aspects of film design – be it lighting, costumes, or sets – are particularly crucial to you in creating a compelling visual narrative?

In my work, I pay attention to every detail. I think through the shot, the characters’ image, and work closely with the cameraman, stylist, artist, and others. In all aspects, I have a clear vision and have developed an effective way of interacting with other team members. On occasion, I find new effective solutions on how to overcome difficulties.

I was strongly influenced by my parents, who are artists. All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself.

What projects or experiences have left a lasting impact on your artistic development, and how have they influenced your perspective?

All my childhood, I drew pictures, at first just sketches, then illustrations for books I read, and later comics I created myself. At some point, I realized that the format of the paper canvas, limited to the plane and two-dimensional image, was not enough for me. I entered a two-year animation study program. After graduation, I realized that I wanted to make movies and entered the Institute of Cinematography VGIK in Moscow. I believe that cinema has an interesting principle that distinguishes it from other art forms.

This principle is that for the first time in the history of art, for the first time in the history of culture, man has found a way to directly capture time. And at the same time – the possibility to reproduce the passage of this time on the screen, to repeat it, to return to it. Man has got the matrix of real time in his hands». – Quote by Andrei Tarkovsky from the article „Captured Time“.

I find this vision fundamental to my work.

Could you tell us about your creative beginnings and how you found your individual artistic expression?

I do not think I created or invented my style. Rather, I discovered and brought to the surface something that existed naturally from the moment of my birth. As a child, I liked watching movies and going to exhibitions. I singled out authors I liked. Nevertheless, I didn’t try to imitate them. I was always excited with an idea of doing something new, never existing before. I saw this as the ultimate purpose of my existence. Over time, my maximalism has cooled down, and I’m not chasing something unrealistic anymore. I still stick to the idea that my works will always find their audience. It is important for me to keep mental integrity and authenticity, to be independent of short-term influences and the opinion of the masses. I believe this is key to my success.

As a child, I didn’t like to play with toys from stores. I made the sets and characters myself, invented plots. You could say that what I do now takes its roots in my childhood. I still play my favorite game of making up stories and bringing them to life.

Why did you choose Art Direction, and what aspects of this role appeal to you the most in terms of creative filmmaking?

I have always loved making up stories and bringing them to life. I found a continuation of this approach in my professional life, i believe that a person should choose their life’s work to enjoy it, to live it, only then is it possible to do something worthy.

To what extent does your background or personal history influence your artistic work, and how do these elements find their way into your projects?

In my works, I try to create a world that is not tied to a specific real place and time. Almost everything plays out in a parallel universe, but some works are influenced by real events. For example, my work «The Fire Is Gone» was created when the war in Ukraine started. In this work, I tried to express my attitude towards wars in general without being tied to a specific situation. The war served as an impetus for my reflections.

What significance does the connection between film and art hold for you, and how do you incorporate artistic principles into the visual design of your films?

Cinema can be called a synthesis of all kinds of arts. It is not possible to involve the viewer fully or strike all strings of their soul without the combined help of the plot, visuals, and music. This is only possible in art that combines all these aspects together. That’s why I chose cinema and want to develop further as a filmmaker.

What advice would you give to young, aspiring artists interested in a career in filmmaking and Art Direction?

I would advise young artists aspiring to become a film director or an art director to start with a high-quality education in the field, read a lot, listen to good music, and watch prominent movies. Then bind it together with your own personal vision and experience. I would like to quote Andrei Tarkovsky again: «An artist begins when their idea or their film has its own special image structure, its own system of thoughts about the real world, and the director presents it to the viewer, shares it with the viewer as their most cherished dreams. Only when they have their own way of looking at things, becoming a kind of philosopher, do they act as an artist.»

Thank you for your time and effort! I’m looking forward to your next projects!

More Informations

Collaborations and project implementations are also possible in Germany or Europe. If you have any project inquiries or cost estimates for video productions by Anna Matskova, please feel free to contact us.

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In der Ausstellung „Liebe, Lust & Laster“ betritt die pure Erotik als Hauptdarstellerin den Bühnenraum des Ateliers. Die ausgesprochen individuelle, allein von persönlichen Vorlieben geprägte Zusammenstellung der Werke, vereinbart dabei sehr unterschiedliche und teils überraschende Positionen. Die Begegnung mit den Kunstschaffenden und ihren Exponaten garantiert eine informative, spannende und leidenschaftlich-schöne Ausstellung, die mit einem exklusiven Rahmenprogramm abgerundet wird.

Der Einlass beginnt je um 18:00 Uhr. Die Abende beginnen mit der Führung durch die Ausstellung, im Anschluss erfolgt dann das Begleitprogramm.

Das Rahmenprogramm

23.06.2023: Vernissage mit Petite Suprise und Erotik-Kunst-Wettbewerb.

24.06.2023: Romantik-Fotosession mit Reinhard Messow.

25.06.2023: Erotische Geschichten & Begleitmusik mit Regina Schleheck und Michael Roedel.

26.06 – 29.06: Besichtigung der Ausstellung nach Absprache.

30.06.2023: Wein & Poesie mit schlüpfrig-schönen Texten aus der Feder von Hilde Frömbgen. Präsentation der Romantik Fotoergebnisse.

01.07.2023: Dessous-Party mit Silvia Junghans.

02.07.2023: Finissage 15:00 bis 18:00 Uhr – ART et Café mit Bekanntgabe der Gewinner*innen vom Erotik-Kunst-Wettbewerb inkl. Preisverleihung.

Der Eintritt ist frei – jedoch erst ab 18 Jahren. Für einen reibungslosen Ablauf, lassen Sie sich im Vorfeld auf der Gästeliste eintragen.

Weitere Informationen

Mehr über die Ausstellung: Atelier Galerie Michaela Kubitta-Willms. Auf der Grieße 15, 51371 Leverkusen (ateliergalerie-michaelakubittawillms.de)

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Dabei handelt es sich bei seinen Werken nicht nur um originelle Einzelstücke. Im dekLart-Shop kann man allerhand recht unterschiedliche Kunstwerke erwerben: Von Skulpturen über Bilder, Basketbälle und Feuerlöscher bis zu Möbeln. Auch sein Alter Ego „Selfmade Dennis“, angelehnt an die US-Comicfigur, darf natürlich im Portfolio nicht fehlen.

Von Kultautos bis zu Helden der Kindheit

Eins seiner neuesten Projekte ist ein Artcar. Der Essener Künstler hat dem Porsche 964 Turbo in Zusammenarbeit mit Alphafoil Premium Wrapping ein schickes, grellbuntes Kleid verpasst. „Weil dieses Auto so unglaublich gut ankam, haben wir eine kleine Auflage an Modellautos entwickelt“, berichtet Dennis Klapschus. So kann sich jeder Fan das coole Kultauto ins Wohnzimmer holen.

Mit seinem Label dekLart fiel er 2014 erstmal auf dem internationalen Kunstmarkt auf. Seine Popart-Werke sind häufig angelehnt an die Helden seiner Kindheit: Pippi Langstrumpf, Micky Maus, Momo, Superhelden und eben auch immer wieder seinen Namensvetter „Dennis“, den kleinen Quälgeist aus dem amerikanischen Comic-Strip.

Für Dennis Klapschus hat der quirlige kleine Kerl ein Eigenleben entwickelt und ist regelrecht zu seinem Comic-Ich geworden. Die 45 Zentimeter hohe Figur ist ebenfalls im Kunstshop erhältlich: frech wie das Original, aber in modernen, farbenfrohen Klamotten wie der Künstler selbst. Die auf 84 Stück limitierte Auflage erinnert an das Geburtsjahr von Dennis Klapschus.

 

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Glückskekse à la Dennis und ein Playboy-Cover

Mit seiner knallbunten Kunst möchte Dennis Klapschus vor allem eins: Freude in den Alltag bringen. Seine bunt bemalten Kunstobjekte fallen auf und machen Spaß. Das Credo des Künstlers lautet: „Glaub an deine Träume“. Diese Botschaft verbreitet er auf allen erdenklichen Wegen. Neuestes Projekt: Coole Sprüche in selbst produzierten Glückskeksen, die demnächst in Supermärkten erhältlich sind. Die Box dafür hat er natürlich auch selbst designt.

Seine Kunst schaffte es 2022 sogar auf ein Jubiläums-Cover des Playboys – endlich ein Motiv ohne nackte Frauen. Das Bild sollte einfach motivieren und charmant daran erinnern, dass alles im Leben möglich ist: „Dreams come true!“

Der Künstler, der schon lange gelabelte Produkte in Spezialeditionen verwandelt, hat auch bereits Jacken, Hoodies und Mützen herausgebracht. Seine Begeisterung für auffällige Designs ist anscheinend ansteckend, jedenfalls waren die Teile bald ausverkauft. Ihm bereitet es sichtlich Freude, Farbe und Fröhlichkeit in den Alltag seiner Fans zu bringen.

Ausstellungen, Popupstores und viele neue Ideen

Ende April wird Dennis Klapschus zu einer Ausstellung nach Miami reisen und dort auch einen Popup-Store eröffnen. Und ab 15. Mai gibt es einen Popup-Store im Kaufhaus Breuninger auf der Düsseldorfer Königsallee. Das ArtCar wird dort ebenso zu bewundern sein wie schrille Mode und diverse Kunstwerke. Wer sich ein dekLart-Bild oder sonstiges Original sichern möchte, sollte diese Gelegenheit nicht verpassen. Einen 2-Meter-Dennis hat der Künstler ebenfalls erschaffen. Er dient unter anderem als Display auf Verkaufsflächen und kommt vielleicht in den Popup-Stores zum Einsatz.

dekLart

Dennis Klapschus, 1984 in Essen geboren, absolviert zunächst eine Ausbildung zum Maurer um seinem Interesse und seinem Geschick zum Handwerk nachzugehen und studiert im Anschluss daran Architektur. Während seines Studiums kristallisiert sich sein gutes Gespür für Raum und Farben heraus und er legt seinen Fokus auf Design, Farben, visuelle Darstellung und Perspektiven. Nach seinem Studium arbeitet er als Architekt und beginnt daneben sein Bewusstsein für Gestaltung in der Kunst anzuwenden. Dabei entstehen zunächst Schwarz-Weiß Portraits, die Klapschus mit Sprühfarbe auf die Leinwand bringt.

Er ist schon immer großer Walt Disney und Comic Fan und bezieht seine meisten Ideen daraus. Auch seine zwei Töchter lassen ihn sich immer wieder an seine Kindheitsträume zurückerinnern und motivieren ihn zu seinen Motiven. Als künstlerische Inspirationen dienen ihm Mr. Brainwash und Banksy. All diese Inspirationen vereint er in seiner Kunst und führen zu den Kunstwerken, die Dennis Klapschus heute erschafft – farbenfrohe Kombinationen aus Comic und Traum.

Dadurch spricht er nicht nur Kunstkenner an. Mit seinen Aufrufen kann sich jeder Mensch identifizieren. Er ist überzeugt davon, dass Kunst vor allem ein positives Gefühl erwecken und Spaß machen muss. Deswegen sind seine Kunstwerke zwar manchmal provokant, sorgen mit ihrer Ehrlichkeit und Echtheit dabei aber immer für ein Lächeln beim Betrachter.

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Normalerweise ist die 31-Jährige Künstlerin Gina Stellbrinck in ihrer Werkstatt anzutreffen. Sie stellt dort Deko aus Beton und Holz her, die sie online und auf Kunsthandwerkermärkten verkauft. Grade kommt Sie aus dem Miss Germany Camp 2023 zurück, sie hat es unter die Top 20 geschafft und auch wenn Sie es nicht ins Finale geschafft hat, hat Gina Stellbrinck sich gegen 15.000 Bewerber durchgesetzt und gehört definitiv zu den spannendsten Teilnehmern. An dieser Stelle möchten wir anmerken, das „Miss Germany“ schon lange kein reiner Schönheitswettbewerb mehr ist, viel mehr geht es um Professionalität, Entwicklungspotential, Inspirationsfähigkeit und die Mission der Kandidaten, ein Thema auf welches wir in unserem Interview weiter eingehen möchten.

Gina Stellbrinck im Interview

Wo bist du grade, wie geht es dir und wodran arbeitest du aktuell?

Ich sitze gerade mit einem Glas Wein auf dem Sofa und reflektiere die letzte Woche. Ich war letzte Woche im Europapark im Miss Germany Camp und hab dort viel erleben dürfen. Parallel bereite ich mich für die Wiedereröffnung meines Etsy-Shops vor.

Du warst Top 20 Kandidatin bei Miss Germany und bist kurz vor dem Finale ausgeschieden. Vor knapp 6 Monaten hast du deine E-Mail bekommen, dass du dabei bist – was ist seit dem alles passiert und was erhoffst du dir für die nächsten Monate?

Die Reise bei Miss Germany war sehr spannend und aufregend. Es ist viel passiert in der Zeit und ich habe sehr viel lernen dürfen. Besonders die Erfahrung, mit einem Mikrofon auf der Bühne zu stehen und andere Menschen dadurch zu ermutigen und zu inspirieren, hat mich sehr geprägt. Zu erfahren, dass jeder ein Vorbild sein kann und etwas bewegen kann, auch wenn man wie ich eigentlich eher introvertiert ist, hat mich bewegt und motiviert weiter zu machen. Ich möchte besonders junge Frauen ermutigen, kreative und handwerkliche Berufe zu ergreifen und sich handwerklich mehr auszuprobieren.

Mein Grund mit dir das Gespräch zu suchen, war deine Mission und die Tatsache das du Kunsthandwerkerin bist. Dein Schwerpunkt liegt hierbei auf Beton und Holz. Wie weit unterscheiden sich deiner Meinung nach, Künstler von Kunsthandwerkern?

Für mich bedeutet Kunsthandwerk etwas Schönes, Ästhetisches zu schaffen und dabei klassische Werkzeuge aus dem Handwerk zu benutzen. Ich denke, Kunst ist meistens auch Kunsthandwerk. Aber mit der Definition, was genau Kunst ist, möchte ich mich hier nicht aufhalten

Angefangen hat das Ganze bei dir als Hobby, aber du bist schnell „Vollzeit“ eingestiegen – wann war das? Zum Thema Gründen eines neuen Unternehmens, gehört ja auch immer etwas Mut. Gab es bei dir einen Auslöser oder einen Moment, der dich überzeugt hat, das du das Projekt angehen sollst/musst?

Ich bin zurzeit immer noch nebenbei angestellt. Ich arbeite im Baumarkt und liebe meinen Job. Er macht mir auch unheimlich viel Spaß, sodass ich mich sehr glücklich schätze, gleich zwei tolle Jobs zu haben. Aber natürlich ist es auch ein sehr hohes Arbeitspensum. Da muss man sich manchmal sehr disziplinieren. Aber grundsätzlich habe ich gerne viel zu tun.

Und dadurch habe ich natürlich auch eine gewisse Sicherheit und weniger Druck. Ich hoffe aber, irgendwann komplett selbstständig zu sein. So wie es gerade ist bin ich aber momentan auch sehr zufrieden.

Du hast dich also grade kurz vor der Pandemie selbstständig gemacht? Gab es Momente, wo du gedacht hast abzubrechen oder „umzudrehen“.

Ich habe mich während der Pandemie selbstständig gemacht. Dadurch, dass ich meinen Vollzeitjob behalten habe und nebenbei gegründet habe, hatte ich zum Glück immer genug Sicherheit.

Wie viel Freizeit bleibt – für Gründer? Kann man deiner Meinung nach mit Familienverantwortung auch noch ein Geschäft aufziehen?

Ich habe selber keine Familienverantwortung, also wäre es nicht richtig von mir, das zu beurteilen. Aber ich denke schon, dass es möglich ist. Ich betreibe mein Business neben meinem Vollzeitjob, und das klappt mit dem richtigen Zeitmanagement sehr gut.

Wie viel Zeit bleibt zum schlafen bzw. eigene Interessen – was gilt es zu beachten, wenn man diesen Spagat schaffen möchte?

Eine Woche hat 168 Stunden. 40 Stunden davon arbeite ich, 8 Stunden pro Nacht schlafe ich. Bleiben noch 72 Stunden in der Woche zur freien Verfügung. Ca. 30 Stunden gehen im Durchschnitt für mein Business drauf. Bleiben immer noch 42 Stunden in der Woche für Freunde, Sport, Haushalt usw. Ich denke, man muss nur seine Prioritäten richtig setzen. Ich schaue zum Beispiel kein Fernsehen und keine Serien, weil ich finde, das es ein großer Zeitfresser ist. Ich nehme mir dafür aber mindestens 30 Minuten am Tag zum Lesen. Das ist mir sehr wichtig.

Rechne das einfach mal für dich selber aus. Wo gehen wertvolle Stunden in der Woche verloren, die du vielleicht lieber in deinen Traum investieren könntest?

Du hast BWL studiert? Wie wichtig ist deiner Meinung nach, ein Wirtschaftliches Studium, für einen Gründer?

Ich denke, es ist hilfreich, aber kein Muss. Das meiste wirklich wichtige Wissen habe ich durch die Erfahrungen gesammelt, die ich gemacht habe. Also lasst euch nicht abschrecken, wenn ihr kein BWL-Studium habt. Es gibt so viel Hilfe zu diversen Themen im Internet oder fragt Freunde oder Bekannte am Anfang, ob sie euch unterstützen, wenn ihr euch unsicher seid.

Welchen Tipp hast du für Menschen, die vielleicht schon länger mit dem Gedanken spielen, eine neue Richtung einzuschlagen, aber sich nicht trauen?

Einfach machen. Und wenn man sich unsicher ist, erst mal neben der Festanstellung gründen, sofern der Arbeitgeber mitspielt. Dann habt ihr nicht so viel Druck und könnt euch in Ruhe ohne Risiko ausprobieren und erst mal testen, ob das wirklich was für euch ist.

Auf deinem Instagramkanal bist du sehr offen, motivierst auch weiter , wenn mal etwas nicht klappt – weil, Niederschläge zum persönlichen und unternehmerischen Wachstum dazugehören?. Wie wichtig ist es Authentisch zu sein, wenn man Erfolg haben möchte?

Für mich ist Authentizität extrem wichtig. Rückschläge gehören zum Leben mit dazu, und ich finde es sehr wichtig, diese auch zu zeigen und dazu zu stehen. Die Hauptsache ist, dass man daraus lernt und vor allem nicht aufgibt. Jeder sollte sich auch bewusst machen, dass er für irgendwen ein Vorbild ist! Und ich finde es fatal, jungen Menschen etwas vorzumachen und ihnen eine falsche Realität vorzuspielen. Das kann ganz gravierende Folgen haben, deshalb stehe ich sehr dafür ein, mehr Realität auf Instagram zu zeigen.

 

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Was darf auf keinen Fall über dich an die Öffentlichkeit gelangen?

Ganz ehrlich – da fällt mir nichts ein, ich bereue nichts in meinem Leben und stehe zu allem. Ich bin ein sehr ehrlicher Mensch. Natürlich versuche ich meine Privatsphäre zu schützen, zum Beispiel wenn es um meine Familie geht, aber es gibt nichts, was auf „keinen Fall“ an die Öffentlichkeit gelangen darf.

Wie wichtig ist deiner Meinung nach, das Thema Networken/Social-Media, wenn man seine Kunst- oder ggf. auch ein Produkt vermarkten möchte?

Rund 15% meiner Kund:innen kommen über Instagram in meinen Shop.

Darüber hinaus finde ich Social Media sehr wichtig für meine eigene Inspiration und für den Austausch mit anderen Künstler:innen. So habe ich mittlerweile ein tolles Netzwerk aufbauen können. Ich finde es wichtig, dass wir uns alle gegenseitig unterstützen, ich stelle auf meinem Account auch immer wieder mal andere Kunsthandwerker:innen vor, die mich inspirieren.

Wenn ich richtig recherchiert habe, hast du vorher in der Modebranche gearbeitet? Was hast du von da mitgenommen und wie weit interessierst du dich heute noch für diese Sparte?

Mode spielt und spielte schon immer eine große Rolle in meinem Leben, allerdings war der Beruf (ich war Modeberaterin in einem Verkaufshaus) nicht erfüllend für mich und zu eintönig. Daher habe ich mich beruflich umorientiert. Aber immer noch ist Mode für mich eine Möglichkeit, mich und meine Persönlichkeit auszudrücken, und das mache ich unheimlich gerne.

Wie kam dann eigentlich der Bezug zu Beton? Kommen vielleicht noch andere Materialien?

Das war eigentlich reiner Zufall. Ich habe zu der Zeit mit diversen Materialien experimentiert und ich war neugierig, wie es sich so mit Beton arbeiten lässt. Es war am Anfang nicht leicht, so eine glatte und seidige Oberfläche hinzubekommen, aber es hat mich nicht mehr losgelassen. Ich habe viel herum probiert, bis ich damit zufrieden war. Und bis heute, über zwei Jahre später, macht es mir immer noch Spaß, das Material in immer wieder neue Formen zu bringen. Aber nebenbei experimentiere ich mit weiteren Materialien. Besonders gerne möchte ich irgendwann das Töpfern lernen.

Wie hoch war das Investment für die Werkstatt, da benötigt es doch sicherlich viele Maschinen, Stromkosten in der aktuellen Lage und viele weitere Faktoren?

Ich hatte das große Glück, eine Werkstatt in meinem Haus zu haben, das war natürlich für den Start ein großer Vorteil. Allerdings habe ich zu Beginn kaum Maschinen oder Werkzeug gehabt. Ich habe am Anfang einen Sack Beton gekauft, eine Schüssel und einen Löffel und natürlich Material für die Formen. Ich habe rund 200€ Startkapital investiert, bis ich die ersten Verkäufe erzielt habe.

Wie viele zufriedene Kunden kannst du grob vorweisen? Und gab es auch schon einmal unzufriedene Kunden? Wie gehst du damit um?

Auf Etsy habe ich mittlerweile über 800 Verkäufe und 238 vorwiegend 5 Sterne Bewertungen bis auf einige 4-Sterne-Bewertungen. Beschwerden habe ich tatsächlich noch nie bekommen, außer die wenigen Male, wo etwas beim Versand kaputt gegangen ist. Das habe ich natürlich dann schnellstmöglich ersetzt. Eine Retoure hatte ich bisher noch nicht. Ich habe das Gefühl, die Kunden merken, wie viel Liebe man in die Produkte steckt und das wissen sie zu schätzen. Ich freue mich natürlich über so viel positives Feedback, falls mal jemand nicht zufrieden sein sollte, werde ich entsprechend meiner AGB handeln und eine Retoure natürlich akzeptieren.

Gibt es etwas, was du im Bildungssystem – oder Gesellschaftlich ändern wollen würdest, bzw. sicherlich vieles – aber was wäre deiner Meinung nach, ein wichtiger Schritt, der auch realisierbar ist für bspw. Schulen, die ja auch bereits mit diversen Problemen zu kämpfen haben?

Natürlich ist es schwierig, komplett neue Fächer in den Schulen zu integrieren, aber ich denke, es gibt darüber hinaus trotzdem viele Möglichkeiten. Ich würde mir wünschen, Schulen und (Kunst-)Handwerksbetriebe enger zusammen zu bringen, zum Beispiel durch Projekttage. Handwerksbetriebe könnten verschiedene Workshops anbieten, damit sich die Kinder mehr ausprobieren können. Es gibt heutzutage leider so viele Familien, wo die Kinder zu Hause keine handwerklichen Fähigkeiten mehr vermittelt bekommen (können). Gerade da ist es wichtig, dass die Kinder die Berührungsängste verlieren, mit verschiedenen Werkzeugen zu arbeiten. Handwerksbetriebe suchen händeringend nach Nachwuchs und könnten so aktiv für ihre Ausbildungsplätze werben. Ich denke, so hätten alle etwas davon.

Warum ist es für dich wichtig, das Kreativität und Handwerkstalent schon in der Schule gefördert werden?

Es liegt in unserer Natur, etwas mit unseren Händen zu schaffen. Es ist ein unglaublich erfüllendes Gefühl, die eigene Kreativität auszuleben und etwas zu schaffen, auf das man später stolz ist. In Schulen wird dieses Thema meiner Meinung nach zu wenig gefördert, Kreativität sollte den gleichen Stellenwert haben wie beispielsweise Literatur.

Apropos Literatur, welche 3 Bücher haben dich in den letzten 2 Jahren am meisten positiv beeinflusst oder etwas mitgegeben?

„Im Grunde gut“ von Lutger Bregmann.

„Mindfuck“ von Petra Bock.

„Du musst nicht von allen gemocht werden“ von Ichiro Kishimi und Fumitake Koga.

Frauen die Lesen sind gefährlich?

Ich lese sehr gerne, insbesondere Sachbücher aus den Bereichen Persönlichkeitsentwicklung und Psychologie. Ich weiß nicht ob mich das gefährlich macht… vielleicht 😉

Kommen wir zurück auf deine persönlichen Ziele für 2023. Kannst du schon ein wenig spoilern?

Im März werde ich mein kleines Label komplett neu launchen. Es wird einige Neuerungen geben, neue Designs, neue Materialien und vieles mehr. Wenn es so weit ist, werde ich auf meinem Instagramkanal darüber informieren.

Dein Etsyshop ist aktuell geschlossen,….kommt eine Webseite? bzw. wann macht der Shop wieder auf?

Das hat persönliche Gründe, ich musste aus meiner Werkstatt raus und werde im Februar das zweite Mal innerhalb kurzer Zeit umziehen.. daher muss ich leider meinen Shop zurzeit schließen. Ich plane Ende Februar / Anfang März einen großen Relaunch.

Stell dir vor, wir wären ein großes Magazin – die New York Times oder Ähnliches, was würdest du der Welt gerne noch sagen?

Du kannst alles werden was du willst! Glaub an dich und deine Träume. Lass dir nicht von anderen einreden, dass du etwas nicht kannst. Nur weil es für diese Leute unmöglich scheint, muss es das nicht für dich sein.

Ein schönes Schlusswort. Danke dir für deine Zeit und Mühe!

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Titelbild: Gina Stellbrinck in ihrer Werkstatt. Fotografin: Sina Schneider.

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Das beeindruckende Oeuvre an Schwarz-Weiß-Kreationen, der Fotografen welches in den letzten zwei Jahrzehnten zusammengetragen wurde, lenkt den Fokus auf das in der Kunst immer wiederkehrende Thema des unverhüllt Schönen. Die nackte Wahrheit von Neeltje de Vries, Sara Punt und dem Foto-Veteranen Rutger ten Broeke und Mick Jagger von Albert Watson und Walker Evans.

Mit der Ausstellung eröffnet Roy Kahmann, Kahmann Gallery, der bereits mit Dependancen in Amsterdam und Rotterdam vertreten ist, bis Anfang April eine Pop-up-Galerie in Berlin. Diese Sonderausstellung ist Teil der langfristigen Vision der Galerie in Berlin mit einem Standort vertreten zu sein. Die Galerieräume im pulsierenden Epizentrum Hohenzollerndamm Ecke Uhlandstraße werden wechselnde Ausstellungen zeigen und exklusiven Events gewidmet sein.

Pop-up-Fotoausstellung: Die nackte Wahrheit

Ausstellung 4.März – 1. April 2023 in Berlin, Hohenzollerndamm 196. Eröffnungswochenende 4 & 5. März 12.00 – 19:00 im Anschluss:
Freitag 14:00 -18:00 Uhr; Samstag 14:00-19:00 Uhr und Sonntag 14.00 – 17:00 Uhr.

Ein Einblick in die Künstler

Marcus Schaefer

Marcus Schaefer drückt mit seiner Kunst seine inneren Seelenzustände aus. Durch das Erkunden von Intimität, Sensibilität und Abstraktion widerlegt der in Paris lebende Deutsche die Annahme, Schwarz-Weiß-Fotografie sei altmodisch. Schwarz ist bei ihm ein Faktor der Verletzlichkeit, Weichheit und verleiht ihm dadurch ganz neue Bedeutungsebenen.

 

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Walker Evans

Walker Evans zählt zu den bekanntesten Fotografen des 20. Jh und gilt als der Erfinder der Dokumentationsfotografie, wie die Werke für die Farm Security Administration, die die Auswirkungen der Weltwirtschaftskrise dokumentieren. Seine Werke sind „literal, maßgeblich, transzendent“. Seine Fotokunst ist in Museumssammlungen vertreten und war Teil von Retrospektiven im Metropolitan Museum of Art oder das George-Eastman-Museum.

Albert Watson

Der schottische Fotograf Albert Watson, der Meister der Promi-Porträts, hat mit einigen der ikonischsten Aufnahmen von Mick Jagger, Jack Nicholson, David Bowie und Prince den Zeitgeist der Popkultur festgehalten. Als Modefotograf fotografierte er in den 1990er Jahren über 100 Cover für die Vogue mit Modelstar von Kate Moss bis Christy Turlington.

In Watsons Werken ist Nacktheit geprägt durch ein antagonistisches Spiel von Stärke und Verletzlichkeit, Erotik und Scham, Lust und Sucht.

 

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Sara Punt

Sara Punt ist bekannt für ihre vielseitigen Abstraktionen und starken Kontraste. Punt abstrahiert aus den nackten Körpern unabhängige Formen. Ihr Ziel ist es damit Person und Körper und damit auch Mensch und gesellschaftliche Projektion voneinander zu trennen.

Albarran Cabrera

Albarran Cabrera, ein Künstlerduo aus Barcelona, fertigen ihre Abzüge nur persönlich mit unterschiedlichen Verfahren und Materialien in ihrem Atelier an. Zeit, Realität, Existenz, Identität und Empathie und die Beziehung zwischen ihnen sind ihre Themen, dabei ist die Fotografie ihr Ausdrucksmittel. Ihre Arbeiten wurden bereits in vielen Ländern Europas, Japan und den USA gezeigt und sind in der Sammlung von Hermès, der Sammlung Goetz, der Kunstsammlung des Deutschen Bundestages und der Banco de Santander vertreten.

Rutger ten Broeke

Rutger ten Broeke, eine Schlüsselfigur für die Entwicklung der Fotokunst in den Niederlanden, ist für seine klassischen Schwarz-Weiß Arbeiten, die den nackten Körper in den Mittelpunkt stellen, bekannt. Er erforscht die Beziehung zwischen dem weiblichen Körper und der Natur, was zu zeitlosen und harmonischen Fotografien führt.

Ten Broeke

Ten Broeke arbeitet ausschließlich analog und legt großen Wert auf äußerst hochwertige Drucke.

Neeltje de Vries

Neeltje de Vries fokussiert die weibliche Schönheit. Sie möchte die Rezipienten ihrer Bilder berühren und ihnen Geschichten erzählen, Geschichten zwischen Reibung und Macht, Befriedigung und Verstörung.

 

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Huub Schilte und Jacqueline Portielje

Huub Schilte und Jacqueline Portielje loten die Möglichkeiten des Computers als künstlerisches Medium aus. Der Computer ist sowohl ihre digitale Dunkelkammer als auch ihr Zeichenbrett. Dabei gehen sie an die Grenzen von Realität und Fantasie.

Nora Papp

Nora Papp stellte 2019 als eine der herausragendsten jungen Fotokünstlerinnen bei der HAUTE Photographie Ausstellung in Rotterdam aus. Die Schweizerin verbindet ihr Interesse an der menschlichen Wahrnehmung mit ihrer Auseinandersetzung mit dem Bild als Objekt. Ihre Arbeiten entwickelt sie mithilfe gängiger Bildbearbeitungsprogramme am Computer, wo sie durch die Zerlegung des digitalen Bildes „ästhetische Daten“ sammelt.

… und viele weitere Künstler!

Über die Kahmann Gallery

Die Kahmann Gallery wurde 2004 durch den Sammler und Unternehmer Roy Kahmann gegründet. Anfangs noch mit dem klaren Ziel, ausschließlich niederländische Vintage-Fotografien zu fokussieren, öffnete sich die Galerie über die Jahre. Neben einer großen Sammlung an Vintage-Fotografien der Jahre 1930-1980 zeigt die Galerie auch knapp 30 zeitgenössische Fotografen und hat mit dem Kahmann Gallery LAB eine Institution zur Ausbildung und Förderung junger Talente geschaffen.

Mit der Pop-up-Galerie in Berlin streckt die Kahmann Gallery jetzt die Fühler nach Berlin aus, um an der lebendigen Szene in der Hauptstadt teilzuhaben und ihren Teil beizutragen.

Mehr über die Galerie: https://www.kahmanngallery.com/

Über die Sammlung Krollmann

Der Immobilieninvestor Udo Krollmann macht seine Leidenschaft für die Kunst zum Business. Erstmals stellt er gemeinsam mit der Gallery Kahmann in Berlin einen Teil seiner umfassenden Kunstsammlung aus. In seiner Heimatstadt Hagen eröffnet Krollmann demnächst gegenüber des Osthaus Museums Hagen die Galerie Neun und treibt als Mäzen die Stadtwicklung voran.

Mit sinnvollen Immobilienentwicklungen wie der Hospitality Marke SAXX mit Hotels und Serviced Apartments hat er zur Verschönerung des Stadtbilds beigetragen. Zu den zentral gelegenen Städtehotels und Serviced Apartments in Hagen und Leipzig werden weitere Standorte in attraktiven Destinationen folgen und dort neue Maßstäbe in Hospitality und Lifestyle setzen.

Weitere Informationen

Titelbild: Neeltje de Vries/SUNKISSED.

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Eine internationale Fachjury wählt die Teilnehmenden für die Grassimesse aus. Künstlerische Qualität im Hinblick auf Gestaltung und Ausführung gelten dabei als entscheidendes Kriterium.

Die Grassimesse ist eine der wichtigsten internationalen Verkaufsmessen für angewandte Kunst und Design mit einer bis ins Jahr 1920 zurückreichenden Tradition. An drei Tagen können sich Design-Fans, an guter Gestaltung interessierte und Fachleute über aktuelle Trends im Bereich der angewandten Kunst und des Produktdesigns informieren. Design-Projekte internationaler Hochschulen werden vorgestellt, aktuelle Arbeiten sowohl international bekannter Künstler und Designerinnen als auch von Newcomern der Szene können käuflich erwerben werden.

Angeboten werden Unikate und Kleinserien aus den Bereichen Schmuck, Keramik, Glas, Möbel, Metall, Stein, Textil, Mode, Papier, Spielzeug und Accessoires.

Während der Kunsthandwerkermesse werden sieben Grassipreise vergeben, die mit insgesamt 11.000 € dotiert sind. Seit dem vergangenen Jahr wird der Jan Willems-Preis für den Bereich Holz vergeben, ab 2023 der mit 2.500 € dotierte smow-Designpreis der Grassimesse zur Förderung des Bereichs Design.

Die Preisträger 2022

Marcel Baer: Jan Willems-Preis.
Ute Kathrin Beck: Grassipreis der Sparkasse Leipzig.
Susanne Ostwald & Magdalena Sophie Orland: Grassipreis der Carl und Anneliese Goerdeler-Stiftung.
Josua Roters: GRASSI Nachwuchspreis der Firma culturtraeger.
Elke Sada: Apolline-Preis.
Gabi Veit: Preis der Grassifreunde.

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